Birds of Prey (formerly known as Harley Quinn: Birds of Prey) is the latest addition to the DCEU, starring Margot Robbie as the wacky and violent Harley Quinn. After her breakup with the Joker, Harley finds herself the target of Gotham's scum and villainy, including the charismatic lunatic Roman Sionis (Ewan McGregor), AKA Black Mask. To escape with her life, she must retrieve and return a priceless diamond to Sionis. Although the movie is marketed as Birds of Prey, it is primarily focused on Harley's story and development, while the other characters, Huntress (Winstead), Black Canary (Smollett-Bell) and Renee Montoya (Perez) feel somewhat sidelined. The action scenes are visually stunning and filled with color, confetti, and madness, but the screenplay is lacking in depth and the story feels light. Overall, Birds of Prey is a fun and entertaining film that allows Harley Quinn to shine, but could have delved deeper into the characters and their motivations.
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Birds of Prey (anteriormente conocida como Harley Quinn: Birds of Prey) es la última incorporación al DCEU, protagonizada por Margot Robbie como la alocada y violenta Harley Quinn. Después de su ruptura con el Joker, Harley se convierte en el objetivo de la escoria y la villanía de Gotham, incluido el carismático lunático Roman Sionis (Ewan McGregor), también conocido como Black Mask. Para escapar con vida, debe recuperar y devolver un diamante de valor incalculable a Sionis. Aunque la película se comercializa como Birds of Prey, se centra principalmente en la historia y el desarrollo de Harley, mientras que los otros personajes, Huntress (Winstead), Black Canary (Smollett-Bell) y Renee Montoya (Perez) se sienten algo marginados. Las escenas de acción son visualmente impresionantes y están llenas de color, confeti y locura, pero el guión carece de profundidad y la historia se siente ligera. En general, Birds of Prey es una película divertida y entretenida que permite que Harley Quinn brille, pero podría haber profundizado en los personajes y sus motivaciones.

**#VistoEn2024 #MenInBlack3 (Revisión) La tercera entrega me parece mejor que la segunda, pero inferior a la primera. Josh Brolin hace un agente K joven maravilloso y muy acertado. El CGi vuelve a ser del estilo de la primera, lo cual se agradece.
La inclusión del personaje de Griffin queda perfecta y es un aporte importante para la trama de la película bien añadido. En cuanto al villano, volvemos a tener un villano imponente, que da su parte de asco, y que es un c*bron con todas las letras.
Lo mejor sin duda es el final de la película, que cierra un círculo magnífico entre los dos protagonistas. Y viendo la trilogía junta, es un viaje entre ellos y un desarrollo perfecto.
Gran tercera entrega.
NOTA: ★★★½ (7/10)**

"Kingsman: The Golden Circle" picks up one year after the events of the previous film, with Eggsy (Egerton) now operating as Galahad and living with his Swedish princess Tilde (Hanna Alström). After being ambushed by a Kingsman reject, Eggsy escapes and heads to Sweden to meet Tilde's parents. However, a cybernetic enhancement belonging to the reject has hacked into the Kingsman data vaults, revealing the locations of all operatives, which leads to their destruction by Poppy (Moore), the leader of the mysterious group "The Golden Circle." Eggsy and Merlin (Strong) team up with their US counterparts, the Statesman, to take down the Golden Circle and save the world. The sequel is filled with action and boasts a solid cast, although it doesn't quite match the heights of its predecessor. There's a balance between comedy and drama and the action scenes are impressive, but pacing issues and the underutilization of some characters prevent it from reaching its full potential.
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"Kingsman: The Golden Circle" comienza un año después de los eventos de la película anterior, con Eggsy (Egerton) ahora operando como Galahad y viviendo con su princesa sueca Tilde (Hanna Alström). Después de ser emboscado por un rechazo de Kingsman, Eggsy escapa y se dirige a Suecia para encontrarse con los padres de Tilde. Sin embargo, una mejora cibernética perteneciente al rechazo ha pirateado las bóvedas de datos de Kingsman, revelando las ubicaciones de todos los operativos, lo que conduce a su destrucción por parte de Poppy (Moore), la líder del misterioso grupo "The Golden Circle". Eggsy y Merlin (Strong) se unen a sus contrapartes estadounidenses, Statesman, para acabar con el Círculo Dorado y salvar el mundo. La secuela está llena de acción y cuenta con un elenco sólido, aunque no alcanza las alturas de su predecesor. Hay un equilibrio entre la comedia y el drama y las escenas de acción son impresionantes, pero los problemas de ritmo y la infrautilización de algunos personajes impiden que alcance todo su potencial.

es mi serie favorita, excelente producción espero con ancias la tercera temporada! :)

Mi favorita de la trilogía, me encantan los western.

The Theory of Everything is a heart-wrenching portrayal of the romantic journey of Stephen and Jane Hawking, as well as the struggles brought on by Stephen's motor neurone disease and its impact on their family. The film delves into the relationship between Stephen and Jane, as well as the bonds that develop between Jane and Jonathan Jones, a church choir leader, and Stephen and Elaine Mason, a nurse who helps Stephen communicate again. Eddie Redmayne delivers a phenomenal performance as Professor Stephen Hawking, earning him an Academy Award for Best Actor. His portrayal of Hawking's physical deterioration is staggering and moving. Felicity Jones also shines as Jane, giving a powerful and nuanced performance as she navigates her conflicting emotions and the strain of caring for Stephen and their three children. The pacing of the film is excellent, allowing the story to unfold naturally, and the film's emotional punch is genuine and heavy. The film's score, cinematography, and direction all contribute to the film's powerful and captivating experience.
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La teoría del todo es un retrato desgarrador del viaje romántico de Stephen y Jane Hawking, así como de las luchas provocadas por la enfermedad de la neurona motora de Stephen y su impacto en su familia. La película profundiza en la relación entre Stephen y Jane, así como en los lazos que se desarrollan entre Jane y Jonathan Jones, un líder del coro de la iglesia, y Stephen y Elaine Mason, una enfermera que ayuda a Stephen a comunicarse nuevamente. Eddie Redmayne ofrece una actuación fenomenal como el profesor Stephen Hawking, lo que le valió un Premio de la Academia al Mejor Actor. Su interpretación del deterioro físico de Hawking es asombrosa y conmovedora. Felicity Jones también brilla como Jane, brindando una actuación poderosa y matizada mientras navega por sus emociones conflictivas y la tensión de cuidar a Stephen y sus tres hijos. El ritmo de la película es excelente, lo que permite que la historia se desarrolle de forma natural, y el impacto emocional de la película es genuino y pesado. La banda sonora, la cinematografía y la dirección de la película contribuyen a la experiencia poderosa y cautivadora de la película.

Estupenda adaptación con un Eddie Redmayne que cada día nos sorprende más.

Ha pasado un año desde que el equipo de Dominic Torreto y Brian pudiera regresar finalmente a Estados Unidos, tras ser indultados. Desean adaptarse a una vida en la legalidad, pero el entorno ya no es el mismo. Dom intenta acercarse a Letty, y Brian lucha para acostumbrarse a la vida en una urbanización con Mia y su hijo. Ninguno de ellos imagina que un frío asesino británico, entrenado para realizar operaciones secretas, se cruzará en sus vidas para convertirse en su mayor enemigo

**Para una tarde de lluvia**
Teniendo en cuenta que la dirección la asume un mediocre Kosinski, y que Cruise no es precisamente un personaje de reconocido prestigio por su talento como actor, admito que me esperaba el bodrio del año.
Pero no ha sido tan grave. El guión es vulgar, las interpretaciones planas, incluye los efectos especiales típicos y tópicos, el mensaje es intrascendente... ¿Qué tiene entonces esta película? Ritmo. Es entretenimiento visual. Y por ahí se salva.
Ah, y por la Kurylenko, que es una preciosidad.

After the moderate success of 2016's Fantastic Beasts and Where to Find Them, fans have been eagerly awaiting the next installment in the series, The Crimes of Grindelwald. However, while the movie raises many questions, it also leaves audiences with more questions than answers. The movie follows Gellert Grindelwald, who has been captured by MACUSA, as he escapes and heads to Paris to recruit the Obscurus, Credence Barebone, for his growing army of wizard fanatics in his battle against non-magical people. Meanwhile, Newt Scamander is tasked by his old teacher, Albus Dumbledore, with finding Grindelwald, but he is more interested in finding his friend Tina and developing their relationship. The movie tries to focus on many different storylines and characters at once, leaving the narrative feeling heavy with exposition and foundation-laying. Despite this, the movie is still enjoyable on an entertainment level, and the performances of Eddie Redmayne, Johnny Depp, and Jude Law are highlights. However, some of the returning characters and cast members are not given enough development, and the visuals and CGI are mostly up to par. Overall, while The Crimes of Grindelwald is a fun addition to the Wizarding World canon, it leaves audiences with more questions than answers and raises doubts about the direction of the series.
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Después del éxito moderado de Animales fantásticos y dónde encontrarlos de 2016, los fanáticos han estado esperando ansiosamente la próxima entrega de la serie, Los crímenes de Grindelwald. Sin embargo, aunque la película plantea muchas preguntas, también deja al público con más preguntas que respuestas. La película sigue a Gellert Grindelwald, quien ha sido capturado por MACUSA, mientras escapa y se dirige a París para reclutar al Obscurus, Credence Barebone, para su creciente ejército de magos fanáticos en su batalla contra personas no mágicas. Mientras tanto, Newt Scamander recibe la tarea de su antiguo maestro, Albus Dumbledore, de encontrar a Grindelwald, pero él está más interesado en encontrar a su amiga Tina y desarrollar su relación. La película trata de enfocarse en muchas historias y personajes diferentes a la vez, dejando la narrativa cargada de exposición y puesta de cimientos. A pesar de esto, la película sigue siendo agradable a nivel de entretenimiento, y las actuaciones de Eddie Redmayne, Johnny Depp y Jude Law son lo más destacado. Sin embargo, algunos de los personajes que regresan y los miembros del elenco no reciben suficiente desarrollo, y las imágenes y CGI están en su mayoría a la par. En general, aunque The Crimes of Grindelwald es una adición divertida al canon de Wizarding World, deja al público con más preguntas que respuestas y genera dudas sobre la dirección de la serie.

"The Matrix Reloaded" was the highly-anticipated follow-up to the groundbreaking 1999 film, "The Matrix." Though it promised to take the franchise to new heights, it ultimately fell short, delivering a flashy, over-the-top spectacle with little substance. The chemistry between the main actors is still present, but they are overshadowed by the bloated cast of new characters, with Monica Bellucci's Persephone being the standout. The film is filled with gratuitous action sequences and unoriginal plot points, failing to live up to the high expectations set by the first film. While it may be better than its equally disappointing counterpart, "The Matrix Revolutions," it falls far short of the brilliance of the original.
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"The Matrix Reloaded" fue la continuación muy esperada de la innovadora película de 1999, "The Matrix". Aunque prometía llevar la franquicia a nuevas alturas, finalmente se quedó corto, ofreciendo un espectáculo llamativo y exagerado con poca sustancia. La química entre los actores principales todavía está presente, pero se ve eclipsada por el elenco inflado de nuevos personajes, con Perséfone de Monica Bellucci como el más destacado. La película está llena de secuencias de acción gratuitas y puntos de trama poco originales, que no cumplen con las altas expectativas establecidas por la primera película. Si bien puede ser mejor que su contraparte igualmente decepcionante, "The Matrix Revolutions", está muy por debajo de la brillantez del original.

**Su belleza radica en su sencillez**
Una de las grandes obras maestras del cine contemporáneo es de los Coen, claro. Un ejercicio cinematográfico cuasi perfecto basado en un guión colmado de brillantez hilarante y surrealista.
Una comedia en la que Bridges hace el papel de su vida, y en la que se ridiculiza inteligentemente el modo de vida americano, sus costumbres y miserias.
Tal vez sea, junto a _Fargo_, una de las obras más trascendentes de estos dos genios del Séptimo Arte.

(Inglés/Castellano)
The Fault in Our Stars is a heartwarming and emotional film that tells the story of Hazel Grace Lancaster, a teenager suffering from terminal cancer. The film, based on the highly successful novel by John Green, is a faithful adaptation that avoids exploiting the sensitive subject matter and instead focuses on the human story at its core. Shailene Woodley delivers a powerful performance as Hazel, capturing the character's wit, sensitivity, pain, and hope. Ansel Elgort also shines as Gus, Hazel's charming and spontaneous love interest. The film's handling of cancer is tasteful and respectful, avoiding sentimentality and overblown drama. Director Josh Boone shows restraint in his adaptation and the film's third act is a quiet, poignant and understanding conclusion. The Amsterdam section of the film provides a nice break from the story and offers a fitting backdrop for the film. However, the use of Anne Frank's house as a location for a romantic moment feels out of place and was a strange choice. Overall, The Fault in Our Stars is a well-crafted and moving film that will make you laugh, hope and cry.
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The Fault in Our Stars es una película conmovedora y emotiva que cuenta la historia de Hazel Grace Lancaster, una adolescente que sufre de cáncer terminal. La película, basada en la novela de gran éxito de John Green, es una adaptación fiel que evita explotar el tema sensible y, en cambio, se centra en la historia humana en su esencia. Shailene Woodley ofrece una actuación poderosa como Hazel, capturando el ingenio, la sensibilidad, el dolor y la esperanza del personaje. Ansel Elgort también brilla como Gus, el encantador y espontáneo interés amoroso de Hazel. El manejo del cáncer en la película es de buen gusto y respetuoso, evitando el sentimentalismo y el drama exagerado. El director Josh Boone muestra moderación en su adaptación y el tercer acto de la película es una conclusión tranquila, conmovedora y comprensiva. La sección de Ámsterdam de la película proporciona un buen descanso de la historia y ofrece un telón de fondo adecuado para la película. Sin embargo, el uso de la casa de Ana Frank como lugar para un momento romántico se siente fuera de lugar y fue una elección extraña. En general, The Fault in Our Stars es una película bien hecha y conmovedora que te hará reír, esperar y llorar.

Es una gran obra para todos los publicos, muy entretenida y con una banda sonora maravillosa. Lo que a simple vista puede parecer una comedia romantica mas, es sin duda una película que seguro que amaras y disfrutaras teniendo un argumento dinamico y entretenido.

Cuando ví la peli me encantó. No soy un entendido en cine ni mucho menos, pero me pareció muy bonita y original, que te hace sentir bien y te saca una sonrisa. Te voy a contar un poco lo que me gustó, sin contarte nada importante, claro.
Va de una chica que se llama Amelie, que vive en París y que trabaja de camarera en un café. Ella es muy tímida y solitaria, pero también muy curiosa y soñadora. Un día encuentra una caja con unos juguetes antiguos en su apartamento, y decide buscar al dueño para devolvérsela. A partir de ahí, se propone hacer felices a las personas que la rodean, con pequeños gestos y trucos. También conoce a un chico que le gusta, que se dedica a coleccionar fotos que la gente tira en las cabinas.
Tiene un estilo muy especial, con unos colores muy vivos y unos planos muy cuidados. La música también es muy bonita y pegadiza, y acompaña muy bien a las escenas. Está llena de detalles y de humor, como cuando nos cuentan los gustos de los personajes o cuando vemos las imaginaciones de Amelie. La peli te hace ver el lado bueno de la vida y te invita a ser más creativo y generoso.
Los actores están muy bien, sobre todo la protagonista, Audrey Tautou, que es una monada y que hace muy bien el papel de Amelie. Ella tiene una mirada muy expresiva y una sonrisa muy dulce, que te enamora. También hay otros personajes muy simpáticos, como el vecino pintor, el tendero gruñón o la amiga tabacalera. La peli te hace sentir cercano a ellos y te hace reír con sus ocurrencias.
En resumen, me parece una peli muy linda y divertida, que te alegra el día y te hace soñar. Si te gustan las pelis románticas y originales, esta te va a gustar seguro. Y si no, pues también puedes probarla, porque igual te sorprende. Eso sí, no la veas si eres muy serio o muy realista, porque te puede parecer una tontería.

"American History X" es como un puñetazo directo al estómago, pero de alguna manera, te hace pensar más profundamente sobre el mundo. Estuve totalmente enganchado desde el principio hasta el final. La historia de Derek, interpretado por Edward Norton, me dejó sin palabras. Pasar de ser un neonazi lleno de odio a alguien que lucha por redimirse, fue increíblemente impactante. No entiendo mucho de cine, pero las actuaciones me golpearon en el corazón, especialmente la de Norton. Su forma de transmitir emociones era tan real que sentí cada cambio en su personaje.
Además, la película me hizo cuestionar muchas cosas sobre el racismo y la intolerancia. Me hizo darme cuenta de lo destructivas que pueden ser esas creencias extremas y cómo pueden destruir familias y comunidades enteras. La forma en que la película muestra el poder del cambio personal y cómo nuestras acciones pueden afectar a los demás realmente me hizo reflexionar sobre mi propia vida y las decisiones que tomo. En resumen, "American History X" no es solo una película, es una experiencia que te sacude y te hace ver el mundo desde una perspectiva completamente nueva.

El sexto sentido es una gran película que muestra lo importante que es la comunicación en la vida, entre otras cosas que también muestra las cuales tienen menos importancia, ya que sin haberse comunicado el niño con el doctor sobre su "sexto sentido", éste no habría sido capaz de llegar a comprender que estaba muerto desde que le dispararon y que su mujer en realidad estaba triste por eso. Además también acaba abriéndose con su madre y le hace sentir bien contándole que su abuela, habiéndola visto como otro fantasma, está orgullosa de su hija (la madre del niño).

"The Sixth Sense" is a classic thriller that still holds up 20 years after its release. The standout performances of Bruce Willis and Haley Joel Osment, paired with M. Night Shyamalan's innovative cinematography and signature Easter eggs, make for a chilling and thought-provoking film. The six Oscar nominations it received, including a nod for Toni Collette's supporting role, are a testament to its impact upon release. While the film may not be as scary as some of its contemporaries, it instead delves into themes of grief and redemption. The infamous twist may have been revealed countless times in pop culture, but it remains a significant moment in cinematic history. Even though Shyamalan may have peaked early in his career with "The Sixth Sense," the film's lasting impact stands the test of time.
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"El Sexto Sentido" es un thriller clásico que aún se mantiene 20 años después de su estreno. Las actuaciones destacadas de Bruce Willis y Haley Joel Osment, junto con la cinematografía innovadora de M. Night Shyamalan y los huevos de Pascua característicos, crean una película escalofriante y que invita a la reflexión. Las seis nominaciones al Oscar que recibió, incluido un guiño por el papel secundario de Toni Collette, son un testimonio de su impacto desde el lanzamiento. Si bien la película puede no ser tan aterradora como algunos de sus contemporáneos, en cambio profundiza en temas de dolor y redención. El giro infame puede haber sido revelado innumerables veces en la cultura pop, pero sigue siendo un momento significativo en la historia del cine. Aunque Shyamalan pudo haber alcanzado su punto máximo al principio de su carrera con "El sexto sentido", el impacto duradero de la película resiste el paso del tiempo.

A Star Is Born, directed by Bradley Cooper and starring Cooper and Lady Gaga, is a fresh take on the classic tale of love and contrasting fortunes. The performances by Cooper and Gaga are career-best and their chemistry is electric. The soundtrack, co-written by Cooper and Lukas Nelson, blends seamlessly with the narrative. Although the SNL and Grammy scenes feel out of place, the concert scenes are captured brilliantly. The movie is a show-stopping achievement, fueled by scintillating performances and a stellar soundtrack that will capture the hearts of audiences.
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Ha nacido una estrella, dirigida por Bradley Cooper y protagonizada por Cooper y Lady Gaga, es una nueva versión de la clásica historia de amor y fortunas contrastantes. Las actuaciones de Cooper y Gaga son las mejores de su carrera y su química es eléctrica. La banda sonora, coescrita por Cooper y Lukas Nelson, se integra a la perfección con la narrativa. Aunque las escenas de SNL y Grammy se sienten fuera de lugar, las escenas del concierto se capturan de manera brillante. La película es un logro impresionante, impulsado por deslumbrantes actuaciones y una banda sonora estelar que capturará los corazones de las audiencias.

The latest installment of the Pirates of the Caribbean franchise, Dead Men Tell No Tales, is a disappointment compared to its predecessor, The Curse of the Black Pearl. The plot is thin and convoluted, with a lack of originality and too many characters. The story follows a young boy, Henry Turner, as he sets out on a quest to break the curse that has entrapped his father, Will Turner. Along the way, he is joined by an academic astronomer, Carina Smyth, and a drunken Jack Sparrow, as they all search for the Trident of Poseidon, a powerful object that can grant ultimate power over the seas and break curses. However, they are also being chased by a cursed crew of Spanish sailors led by Captain Armando Salazar, who seek revenge on Jack Sparrow. Despite impressive technical abilities, the film fails to capture the same excitement and swashbuckling adventure of its predecessor.
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La última entrega de la franquicia Piratas del Caribe, La venganza de Salazar, es una decepción en comparación con su predecesora, La maldición de la perla negra. La trama es fina y enrevesada, con falta de originalidad y demasiados personajes. La historia sigue a un niño, Henry Turner, que emprende una búsqueda para romper la maldición que ha atrapado a su padre, Will Turner. En el camino, se le unen una astrónoma académica, Carina Smyth, y un Jack Sparrow borracho, mientras buscan el Tridente de Poseidón, un objeto poderoso que puede otorgar el máximo poder sobre los mares y romper maldiciones. Sin embargo, también están siendo perseguidos por una tripulación maldita de marineros españoles liderados por el capitán Armando Salazar, que buscan vengarse de Jack Sparrow. A pesar de las impresionantes habilidades técnicas, la película no logra capturar la misma emoción y aventura de capa y espada de su predecesora.

*"El diablo viste de Prada"* es una comedia dramática que fue estrenada en 2006, dirigida por David Frankel y basada en la novela homónima de Lauren Weisberger. La película se centra en Andrea Sachs (interpretada por Anne Hathaway), una joven que acaba de graduarse de la universidad y consigue un trabajo como asistente personal de Miranda Priestly (Meryl Streep), la implacable editora en jefe de una influyente revista de moda llamada *Runway*.
El filme explora el contraste entre los sueños de Andrea de ser una periodista seria y la realidad de tener que lidiar con las exigencias desmesuradas de Miranda, quien es despiadada y extremadamente exigente. A lo largo de la película, Andrea se ve obligada a adaptarse a un mundo superficial y opresivo, sacrificando su vida personal y sus principios en el proceso. La trama se mueve entre situaciones cómicas y momentos de reflexión sobre el impacto de las prioridades laborales y la lucha por encontrar un equilibrio en la vida.
Meryl Streep entrega una de sus actuaciones más memorables, dando vida a un personaje tan fascinante como aterrador. Su capacidad para interpretar la frialdad y el control absoluto de Miranda Priestly es uno de los pilares de la película. Anne Hathaway, por su parte, hace un trabajo sólido, mostrando la evolución de su personaje de una joven ingenua a una mujer que comienza a comprender el precio del éxito en este mundo competitivo.
La película también se destaca por su representación de la industria de la moda, mostrando tanto la superficialidad como el esfuerzo incansable que se requiere para sobresalir en este entorno. La estética visual, con un vestuario de lujo y paisajes urbanos de Nueva York, también juega un papel fundamental en la atmósfera de la película.
*"El diablo viste de Prada"* es una película entretenida que ofrece una mirada crítica al mundo de la moda y al mismo tiempo pone en cuestión las decisiones que tomamos en la vida profesional y personal. Su mezcla de humor, drama y reflexión la convierte en una de las comedias más populares de la década.

In The Shape of Water, director Guillermo del Toro presents a dark fantasy-drama-romance-Cold War spy story set in 1962 Baltimore. The film follows Elisa Esposito, a mute woman who forms a connection with an amphibian creature held in a covert government facility. As Elisa and the creature, called Amphibian Man, develop a close bond, they must navigate the pressures to terminate the creature from both the US and the Soviet government and find a way to set him free. The film explores themes of love, acceptance, trust and inclusivity, but the romance between Elisa and Amphibian Man is rushed and feels flat. The film boasts del Toro's signature visuals and stylistic flair, with a warm vintage atmosphere and stunning underwater scenes. The score by Alexandre Desplat is also noteworthy. The cast, including Sally Hawkins, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, and Octavia Spencer, give strong performances. Overall, while the film has a lot to say, the romance doesn't fully land.
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En La forma del agua, el director Guillermo del Toro presenta una oscura historia de espionaje de fantasía, drama, romance y Guerra Fría ambientada en 1962 en Baltimore. La película sigue a Elisa Esposito, una mujer muda que establece una conexión con una criatura anfibia retenida en una instalación gubernamental encubierta. A medida que Elisa y la criatura, llamada Hombre Anfibio, desarrollan un estrecho vínculo, deben sortear las presiones para eliminar a la criatura tanto del gobierno de EE. UU. como del gobierno soviético y encontrar una manera de liberarlo. La película explora temas de amor, aceptación, confianza e inclusión, pero el romance entre Elisa y el Hombre Anfibio es apresurado y se siente aburrido. La película cuenta con las características visuales y el estilo estilístico característicos de Del Toro, con una cálida atmósfera vintage e impresionantes escenas submarinas. Destaca también la partitura de Alexandre Desplat. El elenco, que incluye a Sally Hawkins, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg y Octavia Spencer, brinda excelentes actuaciones. En general, aunque la película tiene mucho que decir, el romance no aterriza del todo.

Guillermo del Toro es sin duda uno de los mejores autores de películas visualmente impactantes e imaginativas. Desde La invención de cronos, su cine ha sido una muestra de gran imaginación unida a un gran cuidado en el aspecto estético.
Su más grande logro de taquilla y crítica lo obtuvo en el año 2006 con El laberinto del Fauno, una fábula tan extraordinaria como cruel. Luego de una irregular seguidilla de películas, del Toro vuelve al tema fantástico con una historia ambientada en plena guerra fría como telón de fondo del nacimiento del romance entre una mujer del aseo y un hombre anfibio.
Se nota sin duda el amor que siente el director por su trabajo. Cada plano es bien cuidado, cada detalle está cuidadosamente estudiado, la música es totalmente la indicada en cada toma, con canciones de autores de la talla de Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Frank Sinatra, Nat King Cole, entre otros. las actuaciones son lo que se espera del guión. Y es que si en algo falla La forma del agua es en ese apartado. La historia es la que hemos visto millones de veces, el personaje femenino con muchos fallos pero lleno de virtudes, sin amor, que redime y salva al héroe caido en desgracia. Una mezcla de Splah, ET y La bella y la bestia.
Es una pena que todo el trabajo logrado en la puesta en escena no brille en todo su esplendor debido a una historia casi simplona, llena de estereotipos y personajes unidimensionales. Tiene dos historias que no se desarrollan todo lo posible, la de amor y la de la guerra fría.
Sin embargo se deja ver, recomendada a los incondicionales de las historias de amor y de la estética de cintas como Amelie.
No recomendada para los que esperan ver otro Laberinto del fauno.

Excelente etalonaje y guión con toques de la bella y bestia. Es el cine que se está dejando de hacer. Guillerno del toro sigue sin renunciar a su estilo. Chapó!

Reseña en español y en inglés
Corre 1917 en el frente francés. Dos cabos del ejército británico, William Schofield y Tom Blake (George MacKay y Dean-Charles Chapman, respectivamente) son enviados a llevar una nota para detener la ofensiva de otro batallón inglés sobre las líneas alemanas a las que cree en retirada, cuando en realidad los alemanes se replegaron allí para emboscarlo. Una verdadera misión suicida, estimulada sin embargo con el aliciente del reencuentro de Blake con su hermano en ese batallón.
1917 es una asombrosa experiencia inmersiva en los horrores de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial, filmada en un (casi) plano secuencia que acompaña en todo momento a los protagonistas, por lo que la película transcurre prácticamente en tiempo real. En ciertos momentos, el carácter bélico cede su lugar prácticamente al cine de terror. La anécdota, entonces, es mínima, así como los personajes. La potencia de las imágenes, del sonido y de la música (de Thomas Newman) es portentosa. La fotografía de Roger Deakins (multipremiada, así como la película en general) es bellísima y sus virajes son fundamentales en la creación de los diferentes climas de la película. Hay una secuencia nocturna que es sencillamente antológica por su tensión, su estética y la variedad de sentimientos y sensaciones que pone en juego y produce.
Cierta crítica le ha objetado a esta película del ecléctico Sam Mendes dos aspectos centrales que en mi opinión son virtudes. Uno de ellos es que las peripecias de los protagonistas y el plano secuencia en movimiento asemejan la percepción de la película a la experiencia a un videojuego. ¿Y no será al revés?¿Los video juegos simplemente no reflejan acaso la experiencia de la guerra y sobre todo ahora con sus aspectos de control remoto y virtual? La Primera Guerra fue una guerra de trincheras laberínticas.
La otra crítica es la falta de "historia personal" de los protagonistas, lo cual les quitaría profundidad psicológica. 1917 en este sentido se parece a Dunkerque: aborda a sus personajes in media res, es decir, en pleno frente batalla. Pues debo decir que esa "falta" y la sencillez de sus motivaciones ubica a los protagonistas en la piel de verdaderos "soldados anónimos".
1917 es de esas películas que uno lamenta no haber visto en el cine, un despliegue cinematográfico con mayúsculas al servicio de una historia de guerra donde la desesperación y el deber se dan la mano.
It runs 1917 on the French front. Two British Army corporals, William Schofield and Tom Blake (George MacKay and Dean-Charles Chapman, respectively) are sent to carry a note to stop the offensive of another English battalion on German lines that he believes are in retreat, when in fact the Germans fell back there to ambush him. A true suicide mission, stimulated however by the incentive of Blake's reunion with his brother in that battalion.
1917 is an astonishing immersive experience in the horrors of the trench warfare of World War I, filmed in a (almost) shot sequence that accompanies the protagonists at all times, so the film takes place practically in real time. At certain times, the warlike character gives way practically to horror movies. The anecdote, then, is minimal, as well as the characters. The power of images, sound and music (by Thomas Newman) is prodigious. Roger Deakins' photography (multi-award winning, as well as the film in general) is beautiful and his twists are fundamental in creating the different climates of the film. There is a nocturnal sequence that is simply anthological because of its tension, its aesthetics and the variety of feelings and sensations that it brings into play and produces.
Some critics have objected to this film by the eclectic Sam Mendes two central aspects that in my opinion are virtues. One of them is that the adventures of the protagonists and the sequence shot in motion resemble the perception of the film to the experience of a video game. And will it not be the other way around? Video games simply don't reflect the experience of war and especially now with its remote and virtual control aspects? The First War was a labyrinthine trench warfare.
The other criticism is the lack of "personal history" of the protagonists, which would take away psychological depth. 1917 in this sense resembles Dunkirk: it addresses its characters in media res, that is, in the middle of the battle front. Well, I must say that this "lack" and the simplicity of their motivations places the protagonists in the shoes of true "anonymous soldiers."
1917 is one of those films that one regrets not having seen in the cinema, a cinematographic display with capital letters at the service of a war story where despair and duty go hand in hand.

Moana is a heartwarming and visually stunning film that follows the journey of the eponymous Moana, a young girl who sets out on a quest to find the lost demigod Maui and return the heart of the goddess Te Fiti to its rightful owner in order to save her home island. The film is directed by Ron Clements and John Musker, who were originally planning to adapt Terry Prachett's Mort as their next project, but rights issues prevented this. Moana is a Disney classic, but it is not without its flaws. The story is intricate but familiar, and the film bears striking similarities to Disney's previous classics. Moana is a refreshing change from Disney's usual insert-Prince-here love story, and the character development is charming and genuine. The animation is stunning and the film is also very funny, with a handful of genuine belly laughs. Despite its familiar story and character types, Moana is a film for all ages that will leave viewers with ear-worm songs and a warm heart.
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Moana es una película conmovedora y visualmente deslumbrante que sigue el viaje de la homónima Moana, una joven que emprende una búsqueda para encontrar al semidiós perdido Maui y devolver el corazón de la diosa Te Fiti a su legítimo dueño para poder salvarla. isla natal. La película está dirigida por Ron Clements y John Musker, quienes originalmente planeaban adaptar Mort de Terry Prachett como su próximo proyecto, pero problemas de derechos lo impidieron. Moana es un clásico de Disney, pero no está exento de defectos. La historia es intrincada pero familiar, y la película tiene sorprendentes similitudes con los clásicos anteriores de Disney. Moana es un cambio refrescante de la habitual historia de amor de Disney, el Príncipe aquí, y el desarrollo del personaje es encantador y genuino. La animación es impresionante y la película también es muy divertida, con un puñado de carcajadas genuinas. A pesar de su historia familiar y tipos de personajes, Moana es una película para todas las edades que dejará a los espectadores con canciones de gusanos auditivos y un corazón cálido.

La novela de Frank Herbert de 1965 "Dune" se ha considerado durante mucho tiempo "inadecuable" para el cine, pero el director Denis Villeneuve demuestra estar más que preparado para la tarea con su última oferta cinematográfica. La historia sigue a la Casa Atreides, dirigida por el duque Leto (Isaac), cuando se ven obligados a una guerra por el control del planeta Arrakis contra la Casa Harkonnen y los nativos Fremen. El planeta es la única fuente de la poderosa droga "spice", y el Emperador tiene planes nefastos para su destrucción. Paul Atreides (Chalamet) está plagado de visiones de un futuro peligroso que podría amenazar la existencia de la Casa Atreides. Villeneuve navega magistralmente por las complejas capas de tramas secundarias y hilos narrativos, creando una epopeya visualmente impresionante y bien actuada. Aunque el pesado diálogo y la densa tradición pueden no ser accesibles para todos, la película tiene un aire persistente de terror e intriga que dejará a los espectadores con ganas de más.

**Cine _"independiente"_**
Mi conclusión es que es tan precaria la calidad del cine contemporáneo en general, que cuando una cinta se desplaza algo más allá de las convenciones meramernte comerciales, o de los patrones tópicos hollywoodienses, la colman de premios y de reconocimiento.
Lo siento, pero yo no veo tanto mérito en _Drive_. Ni tanto talento en Refn. Es cierto que se antoja una película extraña, diferente, pero solo es porque pretende adoptar los patrones del cine independiente sin conseguirlo.
Los directores que tanto se empeñan en mamar de la teta autárquica deberían saber que no solo se trata de poner buena música en determinadas secuencias, y que la reiteración de las cámaras lentas gratuitas son un recurso muy peligroso porque, cuando no hay nada relevante que mostrar, se hacen eternas.
No obstante, la cinta es interesante y, hacia el final, se torna trepidante y romántica de verdad.

**Segunda parte, y mejor**
Siete años después de dirigir la que fuera una de las míticas cintas de ciencia ficción de los ochenta, el maestro Cameron vuelve a sorprendernos con una segunda parte rebosante de calidad técnica y cinematográfica.
Repleta de inolvidables y ya clásicas escenas de acción, el filme es mucho más que una simple secuela. De hecho, el alarde de efectos especiales (todavía sorprendentes hoy) son el contrapunto justo a un guión muy trabajado en el que la frustración, el desasosiego y la necesidad de huir de un mundo injusto son los cimientos con los que se educa a un pubescente John Connor ninguneado por sus tutores legales, y que debe enfrentarse a una madre de apariencia esquizofrénica (sensacional la Hamilton) encerrada en un sanatorio mental.
Es un ambiente marginal que forja al héroe que deberá asumir el liderazgo en una futura guerra apocalíptica contra las máquinas. Un clásico muy recomendable.

Este es un tiempo de adaptaciones de libros para adolescentes.
Desde Harry Potter hasta Twilight, todos con temáticas diferente pero dirigido al mismo publico.
Aunque sin duda es mucho mejor que Twilight, no tiene el nivel de Harry Potter ni de The Hunger Games, realmente se encuentra en un término medio.
En si la historia podría decirse que es una copia de The Hunger Games, futuro distopico, gobierno corrupto, chica que desafia a su sistema, pero por lo menos tiene algo de poder narrativo. Las actuaciones son buenas, Shailene Woodley entrega una convincente interpretación, Kate Winslet como siempre increíble,Theo James y Ansel Elgort no están mal, pero el que se lleva la corona es Miles Teller interpretando a irritante pendejo..., este chico es un increíble actor, vean Wiplash, por dios véanlo.
Otros aspectos remarcables son los sets y el sonido, que te emergen n este mundo...., pero ni todo eso es suficiente para cubrir su tremenda falla de guion, conversaciones aburridas, explicando cosas q ya son obvias, metiéndose mucho en el sentimentalismo, l libro no es tan cursi.
En fin, una película decepcionante que no supo explotar sus material. No pudo ser otro The Hunger Games, pero x lo menos no es otro Twilight.