"The Hitman's Bodyguard" is a buddy-cop action comedy film starring Samuel L. Jackson and Ryan Reynolds. The story follows bodyguard Bryce and assassin Kincaid as they are paired together to protect a key witness and stop a war criminal from being acquitted. The film is reminiscent of buddy-cop movies from the 80s and is filled with action and gunfire. The chemistry between Reynolds and Jackson is enjoyable and their comedic banter provides some humorous moments. However, the plot is predictable and offers no surprises. The action is well-executed but the Amsterdam chase scene feels overlong and contains cliches. The film also has some questionable special effects, particularly during the chase scene. Overall, while "The Hitman's Bodyguard" is a fun and entertaining film, it is not particularly original or groundbreaking.
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"The Hitman's Bodyguard" es una película de comedia de acción y policías protagonizada por Samuel L. Jackson y Ryan Reynolds. La historia sigue al guardaespaldas Bryce y al asesino Kincaid mientras se unen para proteger a un testigo clave y evitar que un criminal de guerra sea absuelto. La película recuerda a las películas de policías amigos de los años 80 y está llena de acción y disparos. La química entre Reynolds y Jackson es agradable y sus bromas cómicas brindan algunos momentos divertidos. Sin embargo, la trama es predecible y no ofrece sorpresas. La acción está bien ejecutada, pero la escena de la persecución en Ámsterdam se siente demasiado larga y contiene clichés. La película también tiene algunos efectos especiales cuestionables, particularmente durante la escena de la persecución. En general, aunque "The Hitman's Bodyguard" es una película divertida y entretenida, no es particularmente original ni innovadora.

No Time To Die, the latest James Bond film, picks up five years after the events of Spectre with Bond in retirement. But when a Russian scientist and a dangerous genetic weapon are kidnapped, Bond's old friend and CIA agent Felix Leiter pulls him back in. The story raises questions about unresolved issues from Bond's past and the threat of global destruction from a new villain. Despite the return of gadgets and the iconic Aston Martin, the film struggles to balance its desire for character depth and a formulaic ending, leaving the audience with mixed feelings. However, the performances of Lashana Lynch and Christoph Waltz provide some highlights in the film. With Daniel Craig leaving the franchise, it remains to be seen how the franchise will continue.
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No Time To Die, la última película de James Bond, comienza cinco años después de los eventos de Spectre con Bond en el retiro. Pero cuando un científico ruso y un arma genética peligrosa son secuestrados, el viejo amigo de Bond y agente de la CIA, Felix Leiter, lo vuelve a atraer. La historia plantea preguntas sobre problemas no resueltos del pasado de Bond y la amenaza de destrucción global de un nuevo villano. A pesar del regreso de los dispositivos y del icónico Aston Martin, la película lucha por equilibrar su deseo de profundidad en los personajes y un final formulado, dejando a la audiencia con sentimientos encontrados. Sin embargo, las actuaciones de Lashana Lynch y Christoph Waltz brindan algunos puntos destacados en la película. Con Daniel Craig dejando la franquicia, queda por ver cómo continuará la franquicia.

"Acorralado" es una obra que se aleja del estereotipo de acción desenfrenada para ofrecer una reflexión sobre los traumas de la guerra, el abandono de los veteranos y las tensiones sociales en un Estados Unidos post-Vietnam. La interpretación de Stallone, lejos de ser un simple héroe de acción, revela una complejidad emocional profunda. Rambo no es solo un hombre extremadamente capaz en combate, sino un ser humano roto, atrapado entre su entrenamiento militar y su incapacidad para reintegrarse a una sociedad que no lo comprende ni lo apoya.
El filme combina hábilmente la acción con la crítica social, presentando a la policía local como una representación de la ignorancia y el miedo hacia los veteranos, lo que lleva a una escalada de violencia innecesaria. El director Kotcheff, con un estilo austero, no glorifica la guerra ni la violencia, sino que muestra las consecuencias de un sistema que no sabe cómo tratar a los hombres que envió a la guerra.
La película también destaca por su capacidad para generar simpatía por un personaje que, en otras circunstancias, podría haber sido visto solo como una figura de violencia imparable. El desarrollo de Rambo como un hombre atrapado en su propio sufrimiento psicológico ofrece una capa de profundidad que no es común en los films de acción de la época.

Acorralado es una película de acción que trata sobre un veterano de la guerra de Vietnam que se enfrenta a la policía de un pueblo pequeño. La película es muy buena, tiene mucha tensión y escenas de violencia muy realistas. El protagonista, John Rambo, es un personaje muy interesante, que muestra su trauma y su habilidad para sobrevivir en situaciones extremas. La película también hace una crítica a la forma en que los veteranos fueron tratados al volver de la guerra. Me gustó mucho la película, creo que es un clásico del cine de acción y que tiene un mensaje muy profundo. La recomiendo a todos los que les guste el género y quieran ver una película diferente.

(Español / English)
_**In this version of the novel Little Women, the director Greta Gerwig makes two interventions: a permanent alternation between the two times in which it passes (which first disconcerts) and the inclusion of metafictional elements; but at the same time she respects the conventions of romantic melodrama and that combination of innovation and classicism ends up working.
En esta versión de la novela Mujercitas, la directora Greta Gerwig realiza dos intervenciones: una permanente alternancia entre los dos tiempos en que transcurre (que primero desconcierta) y la inclusión de elementos metaficcionales; pero al mismo tiempo respeta las convenciones del melodrama rompántico y esa combinación de innovación y clasicismo termina funcionando.**_
Mujercitas aborda ciertos avatares en la vida de las cuatro hermanas March, sus padres, amigos y pretendientes a partir de la Guerra de Secesión. Una de ellas, Jo, escribe y se propone ser una escritora independiente (Saoirse Ronan); Amy pinta (Florence Pugh); Meg actúa (Emma Watson) y Beth toca el piano (Eliza Scanlen). Por el momento su madre, Margaret (Laura Dern) se las arregla sola ya que el padre (Bob Odenkirk) se encuentra en el frente, lo que no le impide permanentes tareas solidarias. Hay una tía acomodada por parte de padre (Meryl Streep) y unos vecinos ricos: un abuelo y su nieto Laurie (Timothée Chalamet) que siempre anda orbitando a las hermanas.
Tanto en la novela original de Louisa May Alcott como en la película planea el tema de qué grado de independencia económica podía lograr una mujer en esa época y qué oportunidades tenían de canalizar sus vocaciones, siendo el matrimonio aparentemente el único destino posible (y no necesariamente salvador). Algo así como el universo de Jane Austin pero en EE.UU. y con las nuevas inquietudes de la época.
Con por lo menos dos versiones cinematográficas anteriores, en ésta, la directora Greta Gerwig realiza dos intervenciones fundamentales: una, en la manera de narrar, ya que alterna permanentemente la época de adolescencia de las hermanas con otra posterior a la Guerra, con las chicas más adultas. Este ir y venir crea en principio confusión, ya que toma al espectador por sorpresa. Por otro lado, en la primera parte de la película, las escenas son más bien corales, lo que sumado al permanente quiebre temporal atenta contra el crecimiento de los personajes y la empatía por ellos. En la segunda parte, en cambio, y ya costumbrados al mecanismo y con abordajes más focalizados, esta forma de relatar crea paralelismos interesantes y el relato se afianza. (Con una historia muy diferente, un planteo temporal similar funciona desde el comienzo en El jilguero, por ejemplo)
La otra intervención, enfatiza el carácter autobiográfico de la novela en la figura de la escritora Jo creando interesantes instancias metaficcionales.
Más allá de esas intervenciones, la realizadora respeta las convenciones del melodrama romántico, que es el que termina cobrando fuerza con sus desencuentros amorosos y rivalidades. De este modo este relato clásico pero intervenido termina funcionando.
Las actrices jóvenes se lucen en sus interpretaciones, Laura Dern luce expresiva y contenida, la tía de la infalible Meryl Streep es la voz del establishment y Chalamet aporta un encanto romántico esencial para su personaje.
La construcción de época es primorosa mientras que la música de Alexander Desplat es innecesariamente enfática.
Es interesante comparar esta película con El seductor (The Beguiled), de Sofia Coppola, donde un internado de señoritas dirigido por Nicole Kidman acoge a un soldado durante la misma Guerra de Secesión.
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Little Women addresses certain vicissitudes in the lives of the four March sisters, their parents, friends and suitors from the Civil War. One of them, Jo, writes and sets out to be a freelance writer (Saoirse Ronan); Amy pint (Florence Pugh); Meg plays (Emma Watson) and Beth plays the piano (Eliza Scanlen). At the moment her mother, Margaret (Laura Dern) manages on her own since her father (Bob Odenkirk) is in front of her, which does not prevent her from permanent solidarity tasks. There is a father's wealthy aunt (Meryl Streep) and wealthy neighbors: a grandfather and his grandson Laurie (Timothée Chalamet) who is always orbiting the sisters.
In both the original novel by Louisa May Alcott and in the film, she plans the issue of what degree of economic independence a woman could achieve at that time and what opportunities they had to channel their vocations, marriage being apparently the only possible destination (and not necessarily savior). Something like the universe of Jane Austin but in the US and with the new concerns of the time.
With at least two previous film versions, in this one, the director Greta Gerwig makes two fundamental interventions: one, in the way of narrating, since it permanently alternates the time of adolescence of the sisters with another after the War, with the girls more adult. This coming and going creates confusion at first, as it takes the viewer by surprise. On the other hand, in the first part of the film, the scenes are rather choral, which, added to the permanent temporary break, threatens the growth of the characters and empathy for them. In the second part, on the other hand, and already accustomed to the mechanism and with more focused approaches, this way of telling creates interesting parallels and the story takes hold. (With a very different story, a similar temporal approach works from the beginning in El jilguero, for example)
The other intervention emphasizes the autobiographical character of the novel in the figure of the writer Jo, creating interesting metafictional instances.
Beyond these interventions, the director respects the conventions of romantic melodrama, which is the one that ends up gaining strength with her love affairs and rivalries. In this way this classic but intervened story ends up working.
Young actresses shine in their performances, Laura Dern looks expressive and restrained, the infallible Meryl Streep's aunt is the voice of the establishment, and Chalamet brings an essential romantic charm to her character.
The period construction is exquisite while Alexander Desplat's music is unnecessarily emphatic.
It is interesting to compare this film with Sofia Coppola's The Beguiled, where a boarding school for young ladies run by Nicole Kidman welcomes a soldier during the Civil War itself.
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El guión de "LA BÚSQUEDA" mezcla las leyendas históricas con la fantasía
Detrás de las aventuras y de los misterios electrizantes de NATIONAL TREASURE (LA BÚSQUEDA) se esconde la inspiración de las leyendas de la verdadera historia de los Estados Unidos. La película es una fuente de infinitas intrigas que van de los rumores basados en la verdadera historia del Secreto de los Caballeros Templarios hasta los códigos secretos que utilizaron en la realidad los Padres Fundadores de América, pasando por los misteriosos símbolos masones que se pueden ver en los billetes de dólar americano.
En un primer momento, crearon un personaje que se ve forzado a robar la Declaración de Independencia cuando se da cuenta de que este documento fundamental de la historia de Estados Unidos, corre grave peligro después de que se descubra que contiene un mapa de un tesoro escondido.
El guionista Jim Kouf no dudó en llevar la historia aún más lejos. "Cuando me entrevisté con Jon Turteltaub, a él le entusiasmó la idea de un tipo que roba la Declaración de Independencia y los dilemas morales que presenta el personaje", recuerda el guionista. Y añade: "Invertí mucho tiempo en escribir el guión. Pasé nueve o diez meses realizando un gigantesco trabajo de investigación sobre la Declaración de Independencia y sobre las leyendas que rodean la caza del tesoro en América. Nos basamos en un montón de acontecimientos históricos y los combinamos para imaginar lo que hubiera podido ocurrir".

**Prefiero la T.I.A.**
Creo que Guy Ritchie no sabía muy bien qué es lo que quería rodar cuando se puso manos a la obra con _Opereracion U.N.C.L.E._ (acrónimo de _United Network Command Law Enforcement_), una película basada en la serie homónima norteamericana de los 60.
Aquí, lo que empieza siendo un film de acción en torno a la Guerra Fría se convierte, pocos minutos después, en una versión de James Bond con calcado ritmo visual y, posteriormente, nos enteramos de que lo que nos está queriendo vender en realidad el ex de Madonna es una comedia en toda regla, que pretende parodiar las cintas clásicas de espionaje con un bombardeo contínuo de _gags_ tan vulgares como manidos.
Y es aquí donde surgen los problemas: el flojísimo reparto (con un Hugh Grant secundario, tan horrible como siempre) es incapaz de conseguir la originalidad y frescura de proyectos similares como _RED_ (2010) y _RED 2_ (2013), y el guión, aunque expuesto de forma potente narrativamente hablando -intentando mantener el estilo de _Snatch_ (2000)-, es tan simple y previsible que apenas aporta la dosis de intriga que, inicialmente, ambicionaba el realizador.

It Follows is a horror film that deviates from many common horror movie tropes, but its main plot device, that a curse can be passed on through sexual intercourse, is weak and comes across as preachy. The twist that the curse can be reversed by killing the current carrier adds an element of tension, but the lack of explanation for the central villain, an entity that slowly stalks its victims, adds an eerie sense of mystery. The film's setting and props create a sense of confusion about the time period, but the performances of the cast are solid. The ending is ambiguous and raises more questions than it answers, but the film does well in creating an air of mystery and avoiding over-explaining the story. However, the central plot device and the messages it sends are not fully developed and the entity is not particularly threatening.
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It Follows es una película de terror que se desvía de muchos tropos comunes de películas de terror, pero su argumento principal, que una maldición puede transmitirse a través de las relaciones sexuales, es débil y parece sermonear. El giro de que la maldición se puede revertir matando al portador actual agrega un elemento de tensión, pero la falta de explicación para el villano central, una entidad que acecha lentamente a sus víctimas, agrega una espeluznante sensación de misterio. El escenario y la utilería de la película crean una sensación de confusión sobre el período de tiempo, pero las actuaciones del elenco son sólidas. El final es ambiguo y plantea más preguntas de las que responde, pero la película crea un aire de misterio y evita sobreexplicar la historia. Sin embargo, el dispositivo central de la trama y los mensajes que envía no están completamente desarrollados y la entidad no es particularmente amenazante.

Everything Everywhere All at Once is a movie that is best experienced without knowing too much about it. In short, it follows a Chinese immigrant family dealing with tax issues and relationship problems, but it's so much more than that. The movie is a unique blend of originality, creativity, heart, and absurdity, with Michelle Yeoh's Evelyn and her daughter Joy (played by Hsu) at the center of the story. The relationship between Evelyn and Joy drives the narrative through its multiverse-spanning journey, with help from other characters like Waymond, Gong Gong, and Deirdre. Yeoh shines in her role as she portrays multiple versions of herself in an action-packed and emotionally charged performance. The movie is filled with weird and wonderful characters, situations, and lifestyles as the Daniels (the filmmakers) fully embrace the madness of the concept. Despite the absurdity, the movie never loses sight of the importance of family and provides a deep look at generational trauma, existentialism, and identity. The movie also takes the audience on an emotional journey, culminating in a tear-inducing finale. It's a truly impressive feat given the eccentric and outlandish nature of the movie, and in a time where audiences are craving originality, Everything Everywhere All at Once delivers with a fearless and nonconformist approach. It's a cinematic maverick that's bonkers, chaotic, and wild - a rare treat.
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Everything Everywhere All at Once es una película que se experimenta mejor sin saber demasiado al respecto. En resumen, sigue a una familia de inmigrantes chinos que se enfrenta a problemas fiscales y de pareja, pero es mucho más que eso. La película es una combinación única de originalidad, creatividad, corazón y absurdo, con Evelyn de Michelle Yeoh y su hija Joy (interpretada por Hsu) en el centro de la historia. La relación entre Evelyn y Joy impulsa la narrativa a través de su viaje que abarca varios universos, con la ayuda de otros personajes como Waymond, Gong Gong y Deirdre. Yeoh brilla en su papel al representar múltiples versiones de sí misma en una actuación llena de acción y carga emocional. La película está llena de personajes, situaciones y estilos de vida extraños y maravillosos, ya que los Daniels (los cineastas) aceptan por completo la locura del concepto. A pesar de lo absurdo, la película nunca pierde de vista la importancia de la familia y ofrece una mirada profunda al trauma generacional, el existencialismo y la identidad. La película también lleva a la audiencia a un viaje emocional, que culmina en un final que provoca lágrimas. Es una hazaña realmente impresionante dada la naturaleza excéntrica y extravagante de la película, y en un momento en que el público anhela la originalidad, Everything Everywhere All at Once ofrece un enfoque intrépido e inconformista. Es un inconformista cinematográfico que es loco, caótico y salvaje, un placer raro.

Buena continuacion de su antecesora pero no ta buena.Lo que cabe dedtacar es la interpretacion y el personaje de Catwoman.Se da demasiado peso en la pelicula a los villanos que al propio Bruce Wayne esto hace que la pelicula quede un poco vacia.

¡Es doctor house! Es el mejor en lo que hace, ¿No te la has visto? Que esperas es una gran serie para pasar un buen rato.

**La jungla blanca**
A Fuqua no se le ha ocurrido otra cosa que aceptar dirigir una copia exacta del guión de _La Jungla de Cristal_ (1988), con el convencimiento de que él tiene el talento de John McTiernan, y que el carisma de Gerard Butler se acerca al de Bruce Willis.
Dos errores fatales. Aquí, el edificio Nakatomi es la casa blanca, pero vamos, eso solo sirve como argumento fácil (facilísimo) para magnificar la profanación patria.
Artificio a raudales, talento cinematográfico escaso y patriotismo casposo y chirriante para una cinta que carece del más mínimo detalle de originalidad. El edulcorado mensaje final del presidente pone la guinda a un pastel que no sabe a nada.

(ESPAÑOL) Dirigida por Clint Eastwood, Mystic River es una poderosa exploración del trauma, el dolor y la ambigüedad moral, todo ello envuelto en un thriller intenso. Basada en la novela de Dennis Lehane, la película profundiza en las emociones humanas y en los efectos duraderos de los traumas infantiles, dibujando un retrato oscuro de una comunidad marcada por la violencia y la pérdida.
La historia sigue a tres amigos de la infancia —Jimmy Markum (Sean Penn), Dave Boyle (Tim Robbins) y Sean Devine (Kevin Bacon)— cuyas vidas cambian drásticamente tras un trágico evento en su juventud. Años después, sus caminos vuelven a cruzarse en circunstancias dolorosas, lo que reaviva viejas tensiones y saca a la luz secretos que permanecían ocultos. El desarrollo de la trama difumina las líneas entre el bien y el mal, haciendo que el espectador se plantee cuestiones sobre la justicia, la culpa y la redención.
La dirección de Eastwood es meticulosa y contenida, permitiendo que la historia se desarrolle de forma natural. El ambiente de inquietud está presente durante toda la película, con los barrios obreros de Boston sirviendo como telón de fondo perfecto para una historia cargada de sufrimiento y retribución. La fotografía de Tom Stern refuerza esta sensación de pesadez emocional, utilizando sombras y tonos apagados que enfatizan la gravedad de la historia.
Uno de los aspectos más destacados de Mystic River es, sin duda, su reparto. Sean Penn entrega una de las actuaciones más memorables de su carrera, interpretando a un hombre consumido por el dolor y la venganza. Su Jimmy es un personaje complejo, que combina un profundo amor por su familia con una violenta oscuridad que no puede reprimir. Tim Robbins, por su parte, es igualmente impresionante en su papel de Dave, un hombre marcado por un trauma de infancia, cuya angustia y lucha interna quedan patentes en cada escena. Kevin Bacon, como el detective que investiga el caso, aporta equilibrio y serenidad a la historia, siendo una presencia calmada frente a la intensidad emocional de Penn y Robbins.
El reparto secundario también brilla. Laura Linney, en el papel de Annabeth, la esposa de Jimmy, entrega un monólogo hacia el final de la película que es simplemente escalofriante y añade una dimensión completamente nueva al personaje. Marcia Gay Harden, quien interpreta a Celeste, la esposa de Dave, muestra una vulnerabilidad conmovedora, capturando la desesperación de una mujer dividida entre la lealtad y la duda.
El guion, escrito por Brian Helgeland, respeta el material original de Lehane y logra captar la profundidad emocional y la complejidad moral de la historia. La película no recurre a giros de guion impactantes ni a un dramatismo exagerado, sino que se enfoca en el desarrollo de los personajes y en el impacto psicológico de los eventos. El ritmo es pausado, lo que permite que la tensión crezca de forma gradual, desembocando en un final poderoso y lleno de carga emocional.
Uno de los mayores aciertos de Mystic River es su capacidad para explorar temas como la culpa, la redención y la naturaleza cíclica de la violencia. Eastwood presenta un mundo en el que la justicia no siempre es clara ni sencilla, y donde las decisiones tienen consecuencias devastadoras y duraderas. La película obliga al espectador a enfrentarse a preguntas incómodas sobre la moralidad, la responsabilidad y las diferencias entre justicia y venganza.
Aunque la película es indudablemente una obra maestra en muchos aspectos, algunos espectadores pueden encontrar su ritmo demasiado lento o su tono excesivamente sombrío. Sin embargo, ambos elementos son esenciales para la atmósfera de la película y su profundidad temática. El ritmo pausado permite que los personajes y sus historias se desarrollen de forma natural, mientras que el tono oscuro refleja la gravedad de los temas tratados.
Comparada con otras películas de Eastwood como Sin perdón o Million Dollar Baby, Mystic River destaca por su intrincado estudio de personajes y por la intensidad emocional de sus interpretaciones. Aunque todas estas películas exploran temas similares de justicia y redención, Mystic River lo hace desde un enfoque más humano y emocional, lo que la convierte en una de las obras más memorables y profundas del director.
En conclusión, Mystic River es una película impactante y reflexiva que explora los rincones más oscuros del alma humana. Con interpretaciones excepcionales, una dirección magistral y una narrativa que no deja indiferente, es una de esas películas que permanecen en la mente mucho tiempo después de haberla visto. Eastwood demuestra una vez más su habilidad para contar historias profundas y complejas, creando una obra que es tanto un thriller como un estudio profundo sobre el dolor, la culpa y las difíciles decisiones que enfrentamos en la vida.
(ENGLISH) Directed by Clint Eastwood, Mystic River is a powerful exploration of trauma, grief, and moral ambiguity, woven into the fabric of a tense thriller. Based on the novel by Dennis Lehane, the film dives deep into human emotions and the long-lasting effects of childhood trauma, painting a grim portrait of a community shattered by violence and loss.
The film revolves around three childhood friends — Jimmy Markum (Sean Penn), Dave Boyle (Tim Robbins), and Sean Devine (Kevin Bacon) — whose lives are forever altered by a traumatic event. Years later, their paths cross again under tragic circumstances, reigniting past tensions and revealing long-buried secrets. The narrative unfolds in a way that blurs the lines between right and wrong, challenging the viewer to question the nature of justice and morality.
Eastwood's direction is meticulous and restrained, allowing the story to build slowly and naturally. He crafts an atmosphere of unease that lingers throughout the film, with Boston’s working-class neighborhoods serving as a fitting backdrop for this tale of pain and retribution. The cinematography by Tom Stern is somber and moody, emphasizing shadows and muted tones that reflect the emotional weight of the story.
The performances in Mystic River are nothing short of extraordinary. Sean Penn delivers one of the most powerful performances of his career, portraying a man consumed by grief and vengeance. His portrayal of Jimmy is both heartbreaking and terrifying, a complex character driven by love for his family but also by a dark, violent past. Tim Robbins is equally compelling as Dave, a man haunted by his childhood trauma, navigating life with a quiet, simmering anguish. Kevin Bacon, as the detective investigating the case, brings a calm and measured presence to the story, balancing out the raw intensity of Penn and Robbins.
The supporting cast also shines, particularly Laura Linney as Jimmy’s wife Annabeth, who delivers a chilling and memorable monologue that adds a new layer of complexity to the narrative. Marcia Gay Harden portrays Dave’s wife, Celeste, with vulnerability and fear, capturing the emotional turmoil of a woman torn between loyalty and doubt.
The screenplay by Brian Helgeland does justice to Lehane’s novel, capturing its emotional depth and moral complexity. The film doesn't rely on sensational twists or melodrama but instead focuses on character development and the psychological impact of the events. The pacing is deliberate, allowing the tension to build gradually, culminating in a powerful and emotionally charged climax.
One of the film’s greatest strengths is its exploration of themes like guilt, redemption, and the cyclical nature of violence. Eastwood presents a world where justice is not always clear-cut, and the consequences of actions are far-reaching and often devastating. The film forces the audience to grapple with uncomfortable questions about morality and accountability, leaving a lasting impact.
While Mystic River is undoubtedly a masterpiece in many ways, some may find its pacing slow or its tone overly grim. However, these elements are essential to the film’s atmosphere and thematic depth. The deliberate pace allows the characters and their stories to unfold naturally, while the somber tone reflects the weight of the subject matter.
Comparisons to other films in Eastwood’s filmography, such as Unforgiven or Million Dollar Baby, are inevitable, as all three explore themes of justice, loss, and moral ambiguity. However, Mystic River stands out for its intricate character study and the raw emotional intensity of its performances. It’s a film that resonates on a deeply human level, making it one of Eastwood’s most memorable and profound works.
In conclusion, Mystic River is a haunting and thought-provoking film that delves into the darkest corners of the human soul. With outstanding performances, masterful direction, and a gripping narrative, it’s a film that stays with you long after the credits roll. Eastwood crafts a powerful story of pain, loss, and the complexities of justice, making Mystic River a must-watch for fans of intense, character-driven dramas.

**Red de Espías Desconectados**
Estupenda comedia de acción al frente de la cual se halla un intrascendente director que, no obstante, consigue aquí una cinta de serie B con mucho ritmo y cierta técnica narrativa.
El elenco es sensacional, un homenaje caricaturesco a grandes protagonistas de la pantalla: Willis, Malkovich, Mirren, Freeman, Dreyfuss, Borgnine... Todos al servicio del espectáculo, el artificio y la autocrítica.
Es de esas películas que te dejan una sonrisa tonta al salir del cine.

**Otro de los suyos**
_The Irishman_ es larga, pausada, egocéntrica, redundante. Muy Scorsese. Maestría omnisciente, sin duda, pero se antoja el déjà vu (_Uno de los Nuestros, Casino..._). No hay frescura y tampoco evolución en el cine actual de este maestro, pero es impecable en su propuesta, como casi siempre.
No me parece que hiciera falta volver a contar con los actores de siempre, sobre todo si necesitas ayudas digitales experimentales para rejuvenecer aspectos: el resultado presenta semblantes chuscos, hilarantes y caricaturescos. Grandes actores de hoy en día nos podían haber ahorrado este homenaje, merecido, ciertamente, pero quizás no para este proyecto.
Por lo demás, una _master class_ cinematográfica que ya hemos visto varias veces casi de forma calcada, y muchas, muchas ganas de ofrecer mensajes morales y filosóficos, como la alegoría final, tan dura y sentimental como interminable.

> Una gran película sobre la mafia, la historia de alguien que llega a lo mas alto de aquella élite, Robert De Niro a mi gusto, en el 90% de la película fue el mismo, no sentí la encarnación de un personaje, hasta la llegada del final del filme, fue conmovedor, sientes la pena y te conmueve. El elenco en conjunto fue grande, Al Pacino, Joe Pesci y De Niro, formaron un triangulo que hace que esta película de mafia sea visiblemente tan atrapante.
> ⭐⭐⭐⭐
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Historia de espías ambientada en plena Guerra Fría, que combina intriga, tensión y humanidad con la maestría narrativa característica de Steven Spielberg. La trama se desarrolla entre negociaciones legales y misiones diplomáticas en un escenario marcado por el telón de acero, con Berlín dividido como telón de fondo. El equilibrio entre los ideales de justicia y los intereses políticos está presente en cada escena, destacando la complejidad moral de los personajes y las decisiones que deben tomar.
Tom Hanks lidera el reparto con una interpretación sólida y convincente, encarnando los valores de integridad y humanidad frente a un sistema que a menudo privilegia la conveniencia sobre la ética. Mark Rylance aporta una actuación memorable y matizada, añadiendo profundidad al personaje que interpreta. La recreación histórica y la atmósfera de la época son impecables, y el ritmo narrativo mantiene al espectador cautivado, incluso en los momentos más pausados. Aunque no busca reinventar el género, sobresale por su capacidad para explorar la dimensión humana detrás del espionaje y los conflictos ideológicos.

**Qué malos eran los rusos...**
En el siglo XXI tiene muy poco sentido vendernos de nuevo la moto de que en la Guerra Fría los buenos eran los americanos y los malos, malísimos, los rusos.
Los cineastas del momento tenían razones propagandísticas justificables (o no) para generar grandes películas de espionaje que sirvieran para enaltecer el ego patrio y el proselitismo de su Democracia (la suya, con mayúsculas, claro).
Pero el binomio Spielberg-Hanks lamentablemente vuelve a fracasar y a defraudar aquí con una historia muy bien escrita por los hermanos Coen, por supuesto, llevada a la gran pantalla con la solvencia y el talento de un gran director, sin duda, pero con la poca madurez psicológica que casi siempre imprime este realizador a sus obras que, aprovechando que es una institución en su país, se permite licencias lacrimógenas innecesarias con planos superfluos e interminables (especialmente en los finales).
Y cuando la mediocridad artística de Hanks está en medio de todo eso se consigue que, lo que podría ser la obra maestra del año, se convierta en una _peli_ más de domingo por la tarde, esas que al final nos escriben blanco sobre negro lo felizmente americanos que son los personajes que han formado parte de la trama. Y si resulta que alguno ha muerto, no pasa nada, fue en un accidente, pero sirvió a su patria con gran orgullo y satisfacción (¿de qué me suena eso?).
Spielberg siempre será un niño.

Está claro que Spielberg sabe hacer cine y ha encontrado en Hanks a una de sus musas interpretativas. La película despide una sensibilidad asombrosa, sin quitarle intriga ni entretenimiento. Posiblemente sea el film que mejor recrea el contexto de la construcción del muro de Berlin. La ambientación es fabulosa. En definitva una notable película.

**La verdad me parece una pelicula demasiado sobrevalorada**
Como idea es buena, pero llevada al cine no deja de ser una cinta repleta de errores, tecnicos y de guion
Esta reseña esta repleta de spoilers, por favor no sigas leyendo si no viste la pelicula.
Empezando por lo bueno, como dije antes, la idea es brillante, por otro lado las actuaciones.
Las principales incongruencias que le encuentro a la película
La plataforma, simplemente flota en el aire, no hay ningun mecanismo que la maneje.
La cantidad de pisos, y aca es donde se encuentra la mayor cantidad de errores que posee la película, 333 pisos, por el dialogo que mantienen los protagonistas, hay unos 7 metros por pisos, lo que daria una profundidad de unos 2300 metros, ninguna persona podria estar viviendo a una profundidad semejante, en el caso que fuera una estructura vertical, no hay edificios de mas de 1000 metros, este lo estaria duplicando.
Ahora bien, supongamos que la gente pudiera vivir en estas circunstancias, cuanto demoraría la plataforma en bajar piso por piso? hagamos una estimación de 5 minutos por piso, entre que baja y se detiene para que la gente coma (supongamos que no se detiene en todos los pisos, ya que cuando no hay nadie no frena, tomemos como referencia 300 pisos), eso daria un total de 25Hs, por lo tanto entre que empieza a bajar hasta que vuelve a subir tenemos mas de un dia, por lo tanto la gente haría una comida cada 25hs.
Sin embargo el detalle que mas me llama la atencion es, como cambian de piso a las 666 personas? estas deberían estar dormidas un promedio de 2 dias aproximadamente para que pudieran bajarlas y subirlas, algo también sumamente absurdo.
Otras cosas que tampoco me terminan de convencer, es una carcel? por que hay gente que entra en forma voluntaria, y les ponen tantas trabas?. Al protagonista le sacan un pedazo de carne, y no se le infecta? encima no es que esta en las mejores condiciones de higiene. Como hacia para sobrevivir la nena en el ultimo piso?, los que estaban en los niveles de abajo, por que no se subían a la plataforma para tratar de escapar?
En resumen, una bueno idea arruinada por una cantidad inmensa de errores

The Rock stars in Rampage, a movie loosely based on the classic arcade and video game series, as primatologist Davis Okoye, who leads a personal charge to save a friendly gorilla named George after a top secret experiment conducted in space goes wrong. The movie is filled with destruction and chaos as the mutated creatures, including a giant gorilla, winged wolf, and alligator, rampage across America. The movie is filled with action and destruction, and while it may not be a good movie, it is an enjoyable one. The Rock's likable performance and the monsters themselves are the highlights of the film. However, the writing and characterizations are weak, and the villains are cookie cutter. Overall, Rampage is a fun, mindless action film, but not much more.
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The Rock protagoniza Rampage, una película vagamente basada en la clásica serie de juegos de arcade y videojuegos, como el primatólogo Davis Okoye, quien lidera un encargo personal para salvar a un gorila amigable llamado George después de que un experimento ultrasecreto realizado en el espacio sale mal. La película está llena de destrucción y caos a medida que las criaturas mutadas, incluido un gorila gigante, un lobo alado y un caimán, arrasan América. La película está llena de acción y destrucción, y aunque puede que no sea una buena película, es agradable. La agradable actuación de The Rock y los propios monstruos son los aspectos más destacados de la película. Sin embargo, la escritura y las caracterizaciones son débiles, y los villanos son perfectos. En general, Rampage es una película de acción divertida y sin sentido, pero no mucho más.

La película combina humor negro, momentos emotivos y una crítica sutil a la obsesión por el éxito y la imagen en la sociedad estadounidense. Con actuaciones brillantes y un guion lleno de ironía y ternura, Pequeña Miss Sunshine es una conmovedora historia sobre la familia, la perseverancia y la autenticidad.

**Top of the world**
Magnífica puesta en escena y estética gótica a lo Burton para una historia bastante estúpida en la que Johnny Depp hace lo de siempre, o sea, sobreactuar con cierta gracia, y donde la Pfeiffer se muestra tan sosa como de costumbre.
No destaca nada en esta cinta, salvo lo dicho antes: el arte de Burton. El ritmo está lleno de altibajos y, aunque tiene _gags_ divertidos, da la sensación de que aquí quien se ha divertido de verdad es el reparto, mientras que a los demás nos dejan sólo una pizca de lo que se pretendía.

¡"50 Primeras Citas" es como un soplo de aire fresco en el mundo de las comedias románticas! Es tan adorable y dulce que te deja con una sonrisa tonta en la cara durante toda la película. La premisa es increíblemente única: imagina conocer a alguien increíble, enamorarte perdidamente de ella, solo para descubrir que ella tiene un problema de memoria a corto plazo y olvida todo lo que sucede al día siguiente.
Adam Sandler y Drew Barrymore son simplemente perfectos juntos. Tienen una química natural que hace que su relación en la pantalla sea súper creíble y entrañable. Adam Sandler interpreta a Henry, quien se enamora de Lucy, interpretada por Drew Barrymore, y está dispuesto a hacer todo lo posible para ganar su corazón todos los días, literalmente. Es tan conmovedor ver cómo Henry encuentra formas creativas y divertidas de conquistar a Lucy día tras día, incluso sabiendo que al día siguiente ella no recordará nada de lo que sucedió.
La película está llena de momentos hilarantes que te harán reír a carcajadas, pero también tiene esos momentos tiernos que te hacen sentir cálido por dentro. La familia de Lucy y sus amigos añaden capas adicionales de diversión y emoción a la historia. Además, Hawaii, donde está ambientada la película, le da un telón de fondo increíblemente hermoso y relajante a toda la historia.
Lo que realmente me encanta de "50 Primeras Citas" es su mensaje sobre el verdadero amor y la dedicación. Henry muestra un nivel de paciencia y devoción que es realmente conmovedor. La película nos hace reflexionar sobre lo lejos que estamos dispuestos a llegar por el amor verdadero y cómo cada día puede ser una nueva oportunidad para enamorarse, incluso si el día anterior no se recuerda.
En resumen, si buscas una película encantadora y divertida para ver con tu pareja o tus amigos, "50 Primeras Citas" es una opción perfecta. Es una montaña rusa emocional de risas, amor y ternura que te dejará con una sensación cálida en el corazón y una sonrisa en el rostro.

Soy fan de esta serie y desde mi punto de vista la mejor ha sido la uno, la 9 tiene buenos efecto y buenos actores pero es la misma historia ya es hora de tomar un aire fresco y renovarla.

"8 Millas" es como un vistazo a un mundo completamente diferente para mí. La película es una inmersión total en la cultura del rap, y Eminem simplemente lo clava en su papel. La historia sigue a un chico llamado B-Rabbit que sueña con salir de su barrio difícil y triunfar como rapero.
Lo que más me impactó fue lo real que se sentía todo. Los problemas familiares, las luchas diarias, y la pasión por la música; todo estaba retratado de una manera que te hacía sentir como si estuvieras allí, viviendo esas experiencias junto a los personajes. Las batallas de rap son intensas y emocionantes, y cada palabra que dicen tiene peso y significado.
Eminem, siendo un rapero en la vida real, trae una autenticidad increíble al papel. Puedes sentir su energía y su dedicación en cada escena. Además, la banda sonora es simplemente genial. Las canciones son poderosas y te hacen sentir la emoción en cada letra.
Lo que realmente me llevó a conectar con la película fue la lucha de B-Rabbit. Todos podemos relacionarnos con querer algo más en la vida y luchar por nuestros sueños, incluso cuando las probabilidades están en nuestra contra. La película me hizo sentir inspirado y motivado, y también me dio una nueva apreciación por el arte del rap y las historias que se cuentan a través de la música.
En general, "8 Millas" es una película que te golpea en el corazón. Te hace sentir las emociones crudas y te sumerge en un mundo que puede ser completamente ajeno para algunos, pero que a través de la película se siente increíblemente real y humano. Es una experiencia cinematográfica que te hace reflexionar sobre la vida, el amor y la pasión por lo que haces, ¡y eso es algo poderoso!

The 2017 reboot of The Mummy franchise, directed by Alex Kurtzman, is a disappointment. The film is focused on setting up an extended universe, but fails to create a world worth spending time in. Tom Cruise plays the lead character, a rogue named Nick Morton, who along with his friend, discovers the tomb of an ancient Egyptian princess who was mummified alive. The plot follows Nick's journey as he is cursed by the princess and must stop her from bringing an ancient god into the mortal world. The film is filled with exposition and dull characters. The performance of Russell Crowe as Dr [Spoiler], the leader of a monster-busting secret organization, is particularly painful to watch. The Mummy is not only a bad film, but it is also not entertainingly bad.
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El reinicio de 2017 de la franquicia The Mummy, dirigida por Alex Kurtzman, es una decepción. La película se enfoca en establecer un universo extenso, pero no logra crear un mundo en el que valga la pena pasar el tiempo. Tom Cruise interpreta al personaje principal, un pícaro llamado Nick Morton, quien junto con su amigo, descubre la tumba de una antigua princesa egipcia que fue momificado vivo. La trama sigue el viaje de Nick cuando la princesa lo maldice y debe evitar que traiga a un dios antiguo al mundo de los mortales. La película está llena de exposición y personajes aburridos. La actuación de Russell Crowe como el Dr. [Spoiler], el líder de una organización secreta que caza monstruos, es particularmente dolorosa de ver. La momia no solo es una mala película, sino que tampoco es entretenidamente mala.

**Excesos y suciedad**
Hasta la fecha era inconcebible para mí una tragicomedia negra americana setentera sin un solo acontecimiento violento explícito ni una sola escena de sexo.
Pues he aquí _La Gran Estafa Americana_. Y aún así, el ritmo no decae ni un solo minuto. Este guión es tan sólido que ni siquiera un director de segunda fila se lo carga.
Es más, Russell lo resuelve con gran acierto y consigue que todo se entienda. No se oye ni un solo disparo, y la tensión sexual es casi subliminal.
Esta es, pues, una cinta muy curiosa y muy acertada, al estilo de Scorsese o Soderbergh, pero sin el impacto visual y la maestría de éstos últimos, sin ese estilo personal que la convertiría en un clásico.

Woody Allen's 'Midnight in Paris' is a unique blend of mismatched lead actors, a bewildering plot, and a stunning Parisian backdrop. Despite its odd combination of elements, the film manages to be endearing in its own way. Owen Wilson delivers a relaxed performance, while Rachel McAdams struggles to connect with him as the spoiled fiancee. However, the real star of the film is the city of Paris, which is captured in all its glory throughout the film. The supporting cast, including Carla Bruni and Adrien Brody, add depth to the film, but ultimately it is the artful storytelling that makes 'Midnight in Paris' a work of art in its own offbeat and clumsy way.
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'Midnight in Paris' de Woody Allen es una combinación única de actores principales que no coinciden, una trama desconcertante y un impresionante telón de fondo parisino. A pesar de su extraña combinación de elementos, la película logra ser entrañable a su manera. Owen Wilson ofrece una actuación relajada, mientras que Rachel McAdams lucha por conectarse con él como la prometida mimada. Sin embargo, la verdadera estrella de la película es la ciudad de París, que se captura en todo su esplendor a lo largo de la película. El elenco de apoyo, que incluye a Carla Bruni y Adrien Brody, agregan profundidad a la película, pero en última instancia, es la ingeniosa narración lo que hace de 'Midnight in Paris' una obra de arte a su manera poco convencional y torpe.

(ESPAÑOL) A veces, una película logra capturar aquello que sentimos pero no podemos expresar con palabras. Esa sensación de vacío y desconexión que, sin embargo, guarda dentro una chispa de esperanza y comprensión. Este filme explora el encuentro de dos almas perdidas, lejos de casa y de sí mismas, en una ciudad que late como un personaje más, lleno de luces, caos y un silencio ensordecedor. Tokio se convierte en el marco perfecto para esta historia donde cada mirada y cada pausa dicen más que cualquier diálogo.
Bill Murray entrega una actuación magistral, construyendo a un hombre atrapado entre el peso de su pasado y una apatía que parece devorarlo. Scarlett Johansson, con su frescura y vulnerabilidad, es el contrapunto perfecto. Juntos, desarrollan una conexión tan sutil y auténtica que resulta imposible no sentirse reflejado en algún momento. Hay en ellos una humanidad que traspasa la pantalla y una química que no necesita grandes gestos para emocionar.
La dirección de Sofia Coppola demuestra una madurez excepcional. Su habilidad para encontrar belleza en lo cotidiano y para convertir momentos aparentemente simples en instantes inolvidables es un regalo para el espectador. Cada escena está impregnada de una melancolía que acaricia el alma, mientras que la música, en especial ese cierre con "Just Like Honey" de The Jesus & Mary Chain, se siente como un abrazo que consuela y, al mismo tiempo, deja una herida abierta.
Es un relato sobre encuentros improbables, sobre lo que significa ser visto de verdad, incluso cuando uno mismo se siente invisible. Habla del tiempo y de cómo, a veces, lo único que necesitamos es que alguien nos tome de la mano en medio de nuestra soledad. Esa conexión, tan efímera como inolvidable, es un recordatorio de que incluso en la distancia emocional más grande puede haber belleza.
Por último, la película logra algo especial: convierte lo cotidiano en algo profundamente conmovedor. Es un recordatorio de cómo, a veces, en los momentos más simples, encontramos las emociones más grandes. Ese tipo de historias nos invitan a mirar hacia adentro y a valorar las conexiones que dejan huella en nosotros, esas que, aunque se queden en el pasado, siguen latiendo con fuerza en el presente.
(ENGLISH) Sometimes, a film manages to capture what we feel but cannot express in words. That sense of emptiness and disconnection that, somehow, holds within it a spark of hope and understanding. This story explores the meeting of two lost souls, far from home and from themselves, in a city that pulses like another character, filled with lights, chaos, and a deafening silence. Tokyo becomes the perfect backdrop for a tale where every glance and every pause speaks louder than any dialogue.
Bill Murray delivers a masterful performance, portraying a man trapped between the weight of his past and an apathy that seems to consume him. Scarlett Johansson, with her freshness and vulnerability, is the perfect counterpart. Together, they build a connection so subtle and authentic that it’s impossible not to see yourself in it at some point. There’s a humanity in them that transcends the screen, a chemistry that doesn’t need grand gestures to move you.
Sofia Coppola’s direction demonstrates exceptional maturity. Her ability to find beauty in the everyday and transform seemingly simple moments into unforgettable ones is a gift to the viewer. Every scene is imbued with a melancholy that touches the soul, while the music—especially the closing with "Just Like Honey" by The Jesus & Mary Chain—feels like a comforting embrace that simultaneously leaves an open wound.
This is a story about improbable connections, about what it means to truly be seen, even when you feel invisible to yourself. It speaks of time and how, sometimes, all we need is for someone to take our hand in the midst of our loneliness. That connection, fleeting yet unforgettable, is a reminder that even in the deepest emotional distance, there can be beauty.
Finally, the film achieves something remarkable: it turns the ordinary into something profoundly moving. It reminds us that, in the simplest of moments, we often find the most profound emotions. Stories like this invite us to look inward and cherish the connections that leave a mark on us—those that, even when they belong to the past, continue to beat strongly in the present.