_**UN SEXO GUTURAL, Y UN AMOR ÚNICO: EL DE SIESO**_
Me siento mal. Porque hasta poquito antes del estreno en cines desconocía los libros de Sara Mesa, y por lo visto, le pertenecen historias que a mi me hacen levitar. Tanto como Isabel Coixet y Laia Costa aquí, en Un amor. Ellas dos, este año se merecen demasiado. Laia costa por Un amor, El maestro que prometió el mar y Els encantats. E Isabel Coixet también por Un amor y La contadora de películas. Todas estos títulos coinciden en esas fibras que me conmueven constantemente. También me hacen experimentar nuevos sentimientos y me sacian con tal de no necesitar nada más en mi extraña existencia. Es bonito ver a este dúo, uno de mis favoritos, y en esta película respiro gracias a ellas.
Constantemente pienso en irme y desaparecer, me siento raro aquí, también muy inútil, poco valorado, y no congenio con nada ni nadie. Algo parecido le pasa a Nat, pero sobre todo por su doloroso trabajo, por eso escapa de su estresante vida para ir a La Escapa, un pueblo dónde se sabe todo al más mínimo segundo, dónde aparecen vecinos tan “majos” como Piter (Hugo Silva) o tan cabrones como el propietario de la arruinada casa (Luis Bermejo) donde Nat va a vivir. Consigue un perro, en muy mal estado, y junto a él intenta reconducir su vida durante esa temporada, pero conocerá a Andreas ‘El Alemán’. No simplemente le va a conocer, sino que va a dejar que él se meta dentro de ella sexualmente por la propuesta que le hace. Y todo esto conlleva a una Nat en busca de una superación personal y del tipo de mujer que quiere ser.
Me ocurren esas fibras increíbles y escalofriantes cuando observo y escucho cada segundo de esta, parecida a la última película de Elena Trapé, también con Laia. Y aunque Un amor no esté al pie de la letra de las hojas de Sara Mesa, solo me ocurre un desperfecto con ella que tampoco me incomoda: desearía poder conocer más a fondo a Nat y su pasado, conocer la razón de su decisión. Pero, de todas maneras, nada malo me ocurre. Todo me hubiera parecido algo más simple sin ese baile y su significado, aún siendo una historia, que es formidable, en un pueblo mórbido e inhóspito y poco desagradable para lo que busca Nat.
Un amor es de esas películas intrépidas, agrias y secas (como las mismas vidrieras de Piter), que ponen en situación un deseo y su castigo a una persona vulnerable, con estas dos sustentas interpretaciones que, una vez más, destaca la femenina, Laia, con un baile poderoso (que a muchos les crea estorbo) y lleno de manoseos personales y libertadores, y rabia y gritos que, por fin, escapan después de esa exalta agonía por lo vivido. Pero el único amor es Sieso.
_**-RICHIE VALERO**_

(CASTELLANO) La inteligencia artificial es un tema con muchas posibilidades en el cine, especialmente dentro del thriller. Justicia artificial arranca con una idea interesante: un futuro en el que los algoritmos deciden el destino de las personas. Sin embargo, lo que podría haber sido un thriller absorbente se queda a medio camino, sin terminar de desarrollar todo lo que plantea.
Desde el inicio, la película consigue crear una atmósfera bien construida y una estética cibernoir que resulta atractiva. La ambientación está bien conseguida y ayuda a meterte en ese mundo futurista. Se nota el esfuerzo en el diseño de producción, y en ese aspecto la película cumple. El problema es que, conforme avanza, la historia va perdiendo fuerza y cuesta mantener el interés. Lo que al principio parecía una buena idea sobre los dilemas de la inteligencia artificial se va desinflando, y al final queda una trama predecible con situaciones que no terminan de encajar.
Los actores hacen un trabajo correcto, pero sus personajes no tienen suficiente desarrollo. Falta profundidad, falta evolución, y eso hace que la película no consiga conectar en lo emocional. La protagonista, en particular, parece estar más al servicio de la trama que viviendo su propia historia. Eso hace que su recorrido se sienta frío y sin impacto.
Cuando llega el tramo final, la película intenta pisar el acelerador y añadir tensión, pero lo hace de manera precipitada y sin el peso suficiente para que el desenlace realmente importe. En vez de cerrar con fuerza, acaba sintiéndose más como un trámite que como un final que deje huella. Los giros argumentales no sorprenden y el desenlace se siente más como una formalidad que como una conclusión bien construida. En definitiva, Justicia artificial deja la sensación de que, con un guion más pulido y personajes mejor trabajados, podría haber sido una propuesta mucho más interesante.
La idea era buena, el apartado visual funciona, pero al final le falta el alma y la fuerza necesarias para dejar huella.
(ENGLISH) Artificial intelligence is a topic with endless possibilities in cinema, especially in the thriller genre. Artificial Justice starts with an intriguing premise: a future where algorithms determine people's fate. However, what could have been a gripping thriller falls short, never fully developing its ideas.
From the beginning, the film establishes a well-crafted atmosphere with an appealing cyber-noir aesthetic. The world-building is convincing, and the futuristic setting feels immersive. The effort in production design is evident, and in that regard, the film delivers. The problem is that as the story progresses, it loses momentum and struggles to hold interest. What initially seemed like an engaging exploration of AI dilemmas gradually deflates, leaving behind a predictable plot with moments that don't quite fit together.
The cast does a decent job, but the characters lack depth and development. There’s little evolution, which makes it hard for the film to establish an emotional connection. The protagonist, in particular, feels more like a narrative device than a fully realized character. Her journey comes across as distant and lacks impact.
As it approaches its final act, the film attempts to ramp up the tension, but it does so hastily, without the necessary weight to make the climax meaningful. Instead of delivering a powerful conclusion, it feels more like an obligatory wrap-up than a memorable ending. The plot twists fail to surprise, and the resolution feels more like a formality than a well-constructed payoff.
The concept had potential, and visually the film works, but in the end, it lacks the soul and weight needed to leave a lasting impression.

El bus de la vida es una película que, aunque aborda un tema sensible con buenas intenciones y cuenta con actuaciones destacadas, puede resultar predecible y excesivamente sentimental para algunos espectadores.

(ESPAÑOL) "Volveréis" es un claro ejemplo del estilo único de Jonás Trueba, quien en esta película despliega su habilidad para capturar los matices de las emociones humanas y las complejidades de las relaciones interpersonales. La película, con su tono delicado y melancólico, consigue explorar el amor, el desamor y las decisiones que definen nuestras vidas, todo ello a través de un guion que combina momentos de profunda reflexión con toques de humor sutil.
La narrativa se construye alrededor de unos personajes cuya autenticidad es el corazón del filme. Trueba logra que sus protagonistas se sientan vivos y cercanos, permitiendo que el espectador se identifique con ellos. A través de diálogos naturales y cuidadosamente elaborados, "Volveréis" ahonda en las contradicciones y los anhelos de sus protagonistas, mientras estos enfrentan las realidades del amor y el paso del tiempo.
Visualmente, la película es un deleite. Trueba utiliza los escenarios madrileños para crear un paisaje emocional que enmarca perfectamente las vivencias de los personajes. La cámara, en constante movimiento, refuerza la sensación de inmediatez y vida cotidiana que caracteriza su cine. Además, la dirección de arte y la banda sonora complementan el tono introspectivo del filme, envolviendo al espectador en una atmósfera íntima y envolvente.
Una de las características destacables de "Volveréis" es su capacidad para equilibrar la ligereza de una comedia romántica con la profundidad de una reflexión existencial. Trueba no se conforma con el tratamiento superficial de sus temas; en cambio, construye una experiencia cinematográfica rica en matices y cargada de significado. Las referencias culturales y la autorreferencialidad, tan presentes en su obra, añaden capas adicionales de interpretación para aquellos que deseen explorarlas.
Si bien algunos podrían argumentar que el ritmo pausado de la película y su enfoque introspectivo pueden no ser del gusto de todos, es precisamente esta cadencia lo que permite a "Volveréis" destacar como un filme que privilegia la calidad sobre la inmediatez. Trueba se toma su tiempo para construir sus momentos, dejando que la emoción fluya de manera natural y sincera.
"Volveréis" es, en definitiva, un testimonio del talento de Jonás Trueba como narrador y cineasta. Es una película que captura con sensibilidad la esencia de las relaciones humanas, dejando una impresión duradera en aquellos dispuestos a dejarse llevar por su ritmo y profundidad. Una obra imprescindible para los amantes del cine introspectivo y emocional.
(ENGLISH) "Volveréis" is a clear example of Jonás Trueba's unique style, where he showcases his ability to capture the nuances of human emotions and the complexities of interpersonal relationships. The film, with its delicate and melancholic tone, explores love, heartbreak, and the decisions that shape our lives, all through a screenplay that blends moments of profound reflection with subtle touches of humor.
The narrative revolves around characters whose authenticity forms the heart of the film. Trueba makes his protagonists feel alive and relatable, allowing the audience to connect with them on a personal level. Through natural and carefully crafted dialogues, Volveréis delves into the contradictions and desires of its characters as they confront the realities of love and the passage of time.
Visually, the movie is a treat. Trueba uses the Madrid setting to create an emotional landscape that perfectly frames the characters' experiences. The constantly moving camera enhances the sense of immediacy and everyday life that defines his work. Furthermore, the production design and soundtrack complement the introspective tone of the film, immersing the audience in an intimate and engaging atmosphere.
One of the standout features of Volveréis is its ability to balance the lightness of a romantic comedy with the depth of existential reflection. Trueba doesn’t settle for a superficial treatment of its themes; instead, he crafts a rich cinematic experience full of layers and meaning. Cultural references and self-awareness, so present in his work, add extra dimensions for viewers willing to explore them.
While some might argue that the film’s slow pace and introspective focus might not appeal to everyone, it is precisely this cadence that allows Volveréis to stand out as a work that prioritizes quality over immediacy. Trueba takes his time to build moments, letting emotions flow naturally and sincerely.
Ultimately, Volveréis is a testament to Jonás Trueba’s talent as a storyteller and filmmaker. It is a film that sensitively captures the essence of human relationships, leaving a lasting impression on those willing to embrace its rhythm and depth. A must-watch for fans of introspective and emotionally resonant cinema.

_**¿ENTRAÑABLE? SÍ ¿MEMORABLE? NO **_
Bueno, que confuso todo ¿no? O sea, lo que hace este título con su fama es, para nuestro país, fabuloso. Pero, me siento un poco avergonzado por el poco paladar humorístico de la mayoría de las personas en estos últimos años. Lo mismo me pasa con Campeonex. La primera fue hermosa y un 10/10. Esta segunda fue algo ridícula, seguía siendo bonita, pero no le encontraba la gracia ya. Y me pasó un poco con Ocho apellidos catalanes –he de decir que era pequeño aún, y me hacía gracia casi todo, pero ya iba poniendo alguna mala cara–. Y Ocho apellidos vascos la recuerdo con los mismos sentimientos que Campeones: perfecta, memorable y muy graciosa, claro. Y pues siento que la gente busca el humor básico, un humor estereotipado además.
Sin embargo, en esta nueva, creo que lo estoy siendo, o al menos, noto algo de hipocresía en mí –bueno ¿cuándo no?– Porque ha habido ciertos momentos, no muy numerosos, que me han dado alguna carcajada. Pero, luego reflexionando me doy cuenta y asimilo que no son para tanto, que incluso, he parecido un poco tonto, o exagerado. Se supone que la saga, hasta el momento, de Ocho apellidos… tienen que ser hilarantes, pero también, al ser comedias románticas, tienen que ser tiernas. La ternura no se desvanece fácilmente en estos títulos, es difícil ya, y los espectadores inusuales también están aferrados al simplismo amoroso. Pero tampoco me irritan estos aires románticos.
De todas maneras, puede que haya sido una pérdida de tiempo observar y escuchar esta repetitiva historia, además no noto esa cierta alma que sí contienen las anteriores. En cuanto a personajes e interpretaciones no necesito más que lo que veo. Aunque una Elena Irureta algo sobreactuada pero no tan fatigosa, es más, es ella quién da algo de vividez al avance de la historia. El choque cultural de Ocho apellidos marroquís es lo único que me llevó al bolsillo, ya que puede traer reflejos de didactismo para los más reflexivos y una bofetada a aquellos españoles rancios, xenófobos y probablemente derechistas.
-RICHIE VALERO

Luego de ver las 3 películas me dio la sensación de haber terminado de mirar una miniserie separada en 3 partes...
Para pasar el rato esta bien. Lo positivo es que todo el tiempo trata de dejar mensajes sociales

"Los destellos" (2024) es una película que ha generado interés por su enfoque visual y narrativo. La historia sigue a un grupo de personajes cuyas vidas se entrelazan a través de momentos de revelación y transformación. La dirección se destaca por su estilo visual cautivador, utilizando una cinematografía vibrante que complementa la narrativa emocional.
Las actuaciones son sólidas, con un elenco que logra transmitir la complejidad de sus personajes. Sin embargo, algunos críticos han señalado que la trama puede resultar confusa en ciertos momentos, lo que podría dificultar la conexión del público con la historia. A pesar de esto, "Los destellos" ofrece una experiencia visualmente impactante y reflexiva, explorando temas de conexión humana y autodescubrimiento. En general, es una película que, aunque no está exenta de fallos, invita a la reflexión y deja una impresión duradera

(CASTELLANO) Soy Nevenka es una película que logra captar la angustia y el sufrimiento de su protagonista con una precisión emocional que impacta. Mireia Oriol brilla en su interpretación de Nevenka, transmitiendo con sutileza la vulnerabilidad y la fortaleza de una mujer enfrentada a un entorno hostil. Urko Olazabal, por su parte, ofrece una actuación que provoca rechazo inmediato, llenando la pantalla con la misma intensidad que ha demostrado en Detective Touré y Maixabel.
La película, aunque en algunos momentos pudo haber profundizado más en los matices de sus personajes, mantiene la tensión y el respeto hacia los hechos reales que retrata. Icíar Bollaín dirige con pulcritud, creando una narrativa que, aunque pueda parecer fría para algunos, pone el foco en la importancia del relato y en la dignidad de su protagonista.
Si bien algunos críticos mencionan una falta de riesgo o una aproximación algo académica, la película cumple con su cometido de visibilizar una historia clave en la lucha contra el acoso en España. Un film que, sin duda, invita a la reflexión y deja huella gracias a sus poderosas interpretaciones.
(ENGLISH) Soy Nevenka is a film that captures the anguish and suffering of its protagonist with an emotional precision that resonates deeply. Mireia Oriol shines in her portrayal of Nevenka, subtly conveying the vulnerability and strength of a woman confronting a hostile environment. Urko Olazabal, on the other hand, delivers a performance that elicits immediate disdain, commanding the screen with the same intensity he's shown in Detective Touré and Maixabel.
While the film could have delved deeper into the nuances of its characters at times, it maintains a tense and respectful narrative toward the real events it portrays. Icíar Bollaín directs with meticulous care, crafting a story that, while some may find it somewhat cold, focuses on the importance of the narrative and the dignity of its protagonist.
Though some critics point out a lack of risk or an overly academic approach, the film succeeds in its mission to shed light on a key story in the fight against harassment in Spain. It’s a film that undeniably invites reflection and leaves a mark thanks to its powerful performances.

(CASTELLANO) Soy Nevenka es una película que logra captar la angustia y el sufrimiento de su protagonista con una precisión emocional que impacta. Mireia Oriol brilla en su interpretación de Nevenka, transmitiendo con sutileza la vulnerabilidad y la fortaleza de una mujer enfrentada a un entorno hostil. Urko Olazabal, por su parte, ofrece una actuación que provoca rechazo inmediato, llenando la pantalla con la misma intensidad que ha demostrado en Detective Touré y Maixabel.
La película, aunque en algunos momentos pudo haber profundizado más en los matices de sus personajes, mantiene la tensión y el respeto hacia los hechos reales que retrata. Icíar Bollaín dirige con pulcritud, creando una narrativa que, aunque pueda parecer fría para algunos, pone el foco en la importancia del relato y en la dignidad de su protagonista.
Si bien algunos críticos mencionan una falta de riesgo o una aproximación algo académica, la película cumple con su cometido de visibilizar una historia clave en la lucha contra el acoso en España. Un film que, sin duda, invita a la reflexión y deja huella gracias a sus poderosas interpretaciones.
(ENGLISH) Soy Nevenka is a film that captures the anguish and suffering of its protagonist with an emotional precision that resonates deeply. Mireia Oriol shines in her portrayal of Nevenka, subtly conveying the vulnerability and strength of a woman confronting a hostile environment. Urko Olazabal, on the other hand, delivers a performance that elicits immediate disdain, commanding the screen with the same intensity he's shown in Detective Touré and Maixabel.
While the film could have delved deeper into the nuances of its characters at times, it maintains a tense and respectful narrative toward the real events it portrays. Icíar Bollaín directs with meticulous care, crafting a story that, while some may find it somewhat cold, focuses on the importance of the narrative and the dignity of its protagonist.
Though some critics point out a lack of risk or an overly academic approach, the film succeeds in its mission to shed light on a key story in the fight against harassment in Spain. It’s a film that undeniably invites reflection and leaves a mark thanks to its powerful performances.

(CASTELLANO) Hay películas que te mantienen en vilo, pero La infiltrada va más allá. No es solo la tensión de un thriller bien construido, es la sensación constante de peligro real, de estar atrapado en una situación imposible sin saber si la protagonista podrá salir de ella. Desde el primer minuto, la historia atrapa y no suelta.
Carolina Yuste está increíble. Su personaje carga con una presión brutal, y ella lo transmite sin necesidad de grandes gestos. Basta con una mirada o un silencio para notar todo lo que lleva dentro. La película consigue que te pongas en su piel, que sientas su miedo y su desgaste emocional a medida que el riesgo aumenta. Saber que está basada en hechos reales solo hace que todo sea aún más impactante.
El ritmo es perfecto. No hay escenas de relleno ni momentos que bajen la tensión. Cada situación parece una bomba a punto de estallar, y el peso de la doble vida de la protagonista se hace insoportable. Para cuando llega el desenlace, la carga emocional acumulada es tan grande que el llanto es casi inevitable. La infiltrada es un thriller crudo, directo y angustiante, que deja huella mucho después de que termine.
(ENGLISH) Some films keep you on edge, but La infiltrada goes even further. It’s not just the tension of a well-constructed thriller; it’s the constant feeling of real danger, of being trapped in an impossible situation without knowing if the protagonist will make it out. From the very first minute, the story grabs hold of you and never lets go.
Carolina Yuste is incredible. Her character carries an overwhelming pressure, and she conveys it effortlessly—no need for grand gestures. A single look or silence is enough to reveal everything she’s feeling. The film puts you in her shoes, making you feel her fear and emotional exhaustion as the stakes get higher. Knowing that it’s based on real events makes it all the more impactful.
The pacing is perfect. There are no filler scenes or moments where the tension eases. Every situation feels like a ticking time bomb, and the weight of the protagonist’s double life becomes unbearable. By the time the ending arrives, the emotional buildup is so intense that tears are almost inevitable. La infiltrada is a raw, direct, and suffocating thriller that stays with you long after it’s over.

"La infiltrada" se destaca como un thriller íntimo y claustrofóbico que no solo aborda la lucha antiterrorista, sino que también profundiza en los dilemas personales y emocionales de su protagonista, ofreciendo una perspectiva única sobre un período complejo de la historia reciente de España.

(CASTELLANO) El llanto es una película que consigue inquietar sin necesidad de grandes artificios. Su atmósfera densa y la forma en que mezcla el terror sobrenatural con una historia profundamente humana la hacen destacar en el panorama del cine español. Me ha recordado, en parte, a El Ente, pero aquí el enfoque cambia: en lugar de una madre de familia, las protagonistas son jóvenes que enfrentan sus propios miedos y traumas.
Lo que más me ha atrapado es la dirección de Martín-Calero. Cada plano está pensado para incomodar y generar tensión, pero sin caer en el exceso. La luz, los sonidos y los silencios juegan un papel crucial en esa sensación constante de desasosiego. Las actrices principales también brillan, mostrando una vulnerabilidad que se siente muy real. No son personajes planos ni estereotipados; hay algo en sus miradas y gestos que hace que uno empatice con ellas.
A pesar de sus aciertos, la película no está exenta de altibajos. En algunos tramos, la narrativa parece perder el rumbo, como si quisiera abarcar más de lo necesario, dejando ciertos aspectos sin desarrollar del todo. Esto puede generar la sensación de que algunas piezas no encajan del todo, restando fuerza a la historia principal.
Con todo, El llanto consigue impactar. No se limita a ser un simple relato de terror sobrenatural; es una película que habla del dolor y la violencia de una forma que cala hondo. Más allá de los sustos, lo que realmente permanece es la incomodidad que deja su trasfondo, invitando a la reflexión mucho después de que los créditos hayan terminado.
(ENGLISH) The Wailing is a film that manages to unsettle without relying on grand theatrics. Its dense atmosphere and the way it blends supernatural horror with a deeply human story make it stand out in the landscape of Spanish cinema. It reminded me, in part, of The Entity, but here the focus shifts: instead of a mother, the protagonists are young women facing their own fears and traumas.
What captivated me the most is Martín-Calero's direction. Every shot is designed to create discomfort and tension, but without going overboard. The use of light, sounds, and silences plays a crucial role in maintaining that constant sense of unease. The lead actresses also shine, displaying a vulnerability that feels very real. They aren't flat or stereotypical characters; there's something in their eyes and gestures that makes you empathize with them.
Despite its strengths, the film isn't without its ups and downs. At times, the narrative seems to lose its way, as if trying to tackle more than it can handle, leaving certain aspects underdeveloped. This can create the feeling that some pieces don't quite fit, weakening the main storyline.
Even so, The Wailing leaves an impact. It's not just a simple supernatural horror tale; it's a film that speaks about pain and violence in a way that lingers. Beyond the scares, what truly stays with you is the discomfort of its underlying message, inviting reflection long after the credits have rolled.

La serie arranca con una intención clara de transgredir en el relato con un tema tan sensible en nuestro país como es la monarquía, a mi juicio un concepto claramente medieval, superfluo y antidemocrático al que todos debemos pleitesía, pues somos unos súbditos. Así que, deambulando entre la típica comedia gruesa española de siempre y la acidez narrativa, donde la realidad parece que ya ha superado a la ficción, por un momento me ha dado la sensación de que, con Amazon Studios, por fin se puede hacer broma de la ignominia más recalcitrante que afecta a la Corona desde hace ya décadas, sin acabar vetado, censurado o, simplemente, en la cárcel (aún hay raperos encerrados por escribir canciones en las que se atrevían a “diagnosticar” que el emérito Juan Carlos I “supuestamente” robaba a manos llenas…). Los gags tales como el “yo hago y deshago a mi puta bola” o el hilarante episodio de los jueces del Supremo yéndose de marcha ebrios de poder y alcohol, al más puro estilo Torrente, no es en verdad ningún paradigma ficticio o novelado, sobre todo si, simplemente, recordamos el contenido de algunos Whatsapps de un grupo de magistrados, filtrados hace ya un tiempo, o básicamente recuperamos algunos tuits de los altos mandos del poder judicial posteando barbaridades contra los “enemigos de España”. Siempre amparados por seudónimos, por supuesto. La exposición jocosa del episodio, que incluso transmite cierta simpatía y un toque de humor británico, es solo un espejismo de lo que nos espera más adelante, donde finalmente se adopta un carácter más intimista e introspectivo entre los personajes y, por lo tanto, un intento de blanquear definitivamente a la propia institución, transmitiendo lo sensible y buena persona que es en realidad la futura reina, y lo “poco ejemplar” que era su padre, con una red de “picaderos” por toda la ciudad, o decenas de millones en paraísos fiscales. Es entonces cuando comprendo porqué esta serie no ha sido eliminada de la parrilla de Amazon o, incluso, porqué le sirve a Zarzuela como icono publicitario para vender la supuesta “nueva cara” de una “reformada” realeza, bajo el inevitable foco de una sociedad cada vez más desconcertada y desconectada de un organismo obsoleto que se resiste a desaparecer.

(Español / English)
**_Una dolorosa y soprendente parábola cristiana_**
**Sumario**
La iglesia de la salvación es una película notable, una dolorosa parábola cristiana que tiene la virtud de plantear la religiosidad y la misión pastoral como un problema existencial antes que místico, como un compromiso que puede tomar caminos insospechados. Y lo hace de la mano del Reverendo Toller, un personaje reconcentrado y de un callado dolor, a cargo de Ethan Hawke en una actuación excepcional.
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**Reseña**
El reverendo Toller (Ethan Hawke) llega al norte del Estado de Nueva York para hacerse cargo de la antigua iglesia protestante First Reformed, de origen calvinista, que está administrada por el moderno centro cristiano Abundant Life, que a su vez se propone volverla a consagrar. El encuentro de Toller con Michael, un activista ecológico (Philip Ettinger) y su esposa Mary (Amanda Seyfried) llevará al religioso a serios replanteos sobre su misión pastoral.
Ese encuentro de Toller (quien llega a la iglesia acarreando una historia de pérdidas y enfermedad) con ese matrimonio (siendo Michael, un activista profundamente escéptico) dispara el recorrido del reverendo y de la película por una cantidad de situaciones que tienen que ver con la religiosidad y su ejercicio, con el contraste entre su iglesia y el modelo de gestión de Abundant Life y por un camino de revelación para Toller, un personaje reconcentrado y dolorido.
La película de Paul Schrader, si bien muy estadounidense en parte de su temática, tiene un estilo muy cercano al cine europeo, con varios planos fijos y un ritmo tranquilo pero nunca quieto respecto del devenir de su protagonista. Ethan Hawke, con su Reverendo Toller, nos brinda una actuación extraordinaria, sobria y dolorosa, secundado por una Amanda Seyfried notable.
Este film tiene la rara virtud de tratar la religiosidad y la parábola religiosa de su protagonista de un modo existencial antes que místico, de una manera que puede conmover a un espectador no religioso, derribando sus resistencias, con una trascendencia que recuerda a la de los filmes de Bruno Dumont y coronado por un final absolutamente epifánico.
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**_A painful and surprising Christian parable_**
**Summary**
First Reformed is a remarkable film, a painful Christian parable that has the virtue of posing religiosity and pastoral mission as an existential problem rather than a mystical one, as a commitment that can take unexpected paths. And it does so from the hand of Reverend Toller, a concentrated character and quiet pain, in charge of Ethan Hawke in an exceptional performance.
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**Review**
Reverend Toller (Ethan Hawke) arrives in Upstate New York to take over the former Calvinist First Reformed Protestant Church, which is run by the modern Christian Abundant Life Center, which in turn intends to re-consecrate it. . Toller's encounter with Michael, an ecological activist (Philip Ettinger), and his wife Mary (Amanda Seyfried) will lead the priest to serious rethinks about his pastoral mission.
That meeting of Toller (who comes to church carrying a history of loss and illness) with that marriage (being Michael, a deeply skeptical activist) triggers the reverend and the film's journey through a number of situations that have to do with the religiosity and its exercise, with the contrast between his church and the management model of Abundant Life and on a path of revelation for Toller, a concentrated and in pain.
Paul Schrader's film, although very American in part of its theme, has a style very close to European cinema, with several fixed shots and a calm but never still rhythm regarding the future of its protagonist. Ethan Hawke, with his Reverend Toller, gives us an extraordinary, sober and painful performance, backed up by a remarkable Amanda Seyfried.
This film has the rare virtue of treating the religiosity and the religious parable of its protagonist in an existential rather than mystical way, in a way that can move a non-religious viewer, breaking down their resistance, with a transcendence reminiscent of that of the films by Bruno Dumont and crowned by an absolutely epiphanic ending.

**Aquella melancólica rubia de bote**
Hay en _Blonde_ cosas que me gustan más que otras. Por ejemplo, desconozco si la cinta respeta la novela de Oates en la que se basa la película, pero sí que he descubierto cosas. A Ana de Armas, por supuesto, que está sensacional, pero también a un Andrew Dominik que ha conseguido expresar con sutil crudeza y ausencia de censura los desequilibrios mentales de una mujer que, desde el principio, fue objeto de todo tipo de vejaciones, manipulaciones y maltratos. Situaciones que solo podían culminar de una forma.
Creo que el director se entusiasma con una suerte de permutaciones entre el color y el blanco y negro totalmente superfluas, y peca de un ritmo lento y pausado que consigue alcanzar el aburrimiento tras más de dos horas de metraje con cámaras lentas y redundancias gráficas. Aún así, agradezco que se haya conseguido superar esa estúpida censura tan característica del cine comercial norteamericano, ofreciendo planos de semidesnudos naturales, no tanto para mostrar un contexto erótico o morboso, sino como puro lenguaje cinematográfico frente a una historia tan dura como triste.

The Strangers: Prey at Night is a sequel to the 2008 horror movie The Strangers, in which a family is stalked by three masked assailants. The sequel takes place in a trailer park, with the family trying to survive against the same attackers. However, the sequel is not as good as the original due to a reliance on cliches and weak characters. The pacing is slow, and the plot is predictable. The villains are the best part of the movie, but the movie is bogged down by the bad decisions made by the characters. The soundtrack is good, and the visuals are well done. The final scene is unbelievable and the ending is unsatisfying. Overall, it is not a terrible movie, but it is not as good as the original.
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The Strangers: Prey at Night es una secuela de la película de terror de 2008 The Strangers, en la que tres asaltantes enmascarados acechan a una familia. La secuela tiene lugar en un parque de casas rodantes, con la familia tratando de sobrevivir contra los mismos atacantes. Sin embargo, la secuela no es tan buena como la original debido a la dependencia de clichés y personajes débiles. El ritmo es lento y la trama es predecible. Los villanos son la mejor parte de la película, pero la película se empantana por las malas decisiones que toman los personajes. La banda sonora es buena y las imágenes están bien logradas. La escena final es increíble y el final es insatisfactorio. En general, no es una película terrible, pero no es tan buena como la original.

O is Netflix's latest low-budget sci-fi film directed by Jonathan Helpert. It follows the story of Margaret Qualley and Anthony Mackie as the last remaining people on Earth, ravaged by human neglect and Mother Nature. Everyone else has fled to IO, the largest of Jupiter's moons, to rebuild civilization. Qualley plays Sam, who stays behind to conduct tests to find a resolution to Earth's problem. Despite an intriguing premise, the movie unfolds at a slow pace and doesn't offer much to engage the audience. The plot lacks depth and the characters are not fully developed. The performances of the lead actors are decent, but not particularly convincing. The cinematography and score are the highlights of the film. However, the overall mood of the film is gloomy and the ending is unsatisfying. IO is a disappointingly average effort from Netflix, that does not fully realize its potential.
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IO es la última película de ciencia ficción de bajo presupuesto de Netflix dirigida por Jonathan Helpert. Sigue la historia de Margaret Qualley y Anthony Mackie como las últimas personas que quedan en la Tierra, devastados por la negligencia humana y la Madre Naturaleza. Todos los demás han huido a IO, la luna más grande de Júpiter, para reconstruir la civilización. Qualley interpreta a Sam, quien se queda atrás para realizar pruebas para encontrar una solución al problema de la Tierra. A pesar de una premisa intrigante, la película se desarrolla a un ritmo lento y no ofrece mucho para atraer a la audiencia. La trama carece de profundidad y los personajes no están completamente desarrollados. Las actuaciones de los actores principales son decentes, pero no particularmente convincentes. La cinematografía y la partitura son los aspectos más destacados de la película. Sin embargo, el estado de ánimo general de la película es sombrío y el final es insatisfactorio. IO es un esfuerzo decepcionantemente promedio de Netflix, que no se da cuenta completamente de su potencial.

Dos visiones de la Turquía contemporánea aunque mas focalizada en la Turquía rural, con su división de poderes entre hombres y mujeres y sus arcaicismos sociales, en buena parte potenciado por las mismas mujeres.
La película es PRECIOSA con mayúsculas, con las 5 chicas haciendo el papel de su corta vida, todas ellas, aunque resalta el personaje de Lale con su rebeldía y frescura. La realización fantástica, la banda sonora una maravilla, el ritmo perfecto, la interpretación "undiez", el guión fabuloso, ... quizás, por poner una pega, hubiera buscado en el guión una alternativa al amigo "pelolargo" (no recuerdo el nombre) de Lale, por ser quizás lo menos creible del filme y aún así, no ser increible.
Lo que es alegremente increible es que todavía se hagan películas así.

(Español / English)
Una angustiante reconstrucción de la identidad
Sumario:
Oxígeno es mucho más que un film sobre el encierro o un mero ejercicio claustrofóbico que transcurre en tiempo real: es una elegía espacial que nos habla de la indisoluble relación entre la identidad y la memoria, de la angustiosa reconstrucción de esta última y que al mismo tiempo que luce elegantes y sobrios dispositivos high-tech, prodiga momentos de una inefable poesía y más de una epifanía.
Es otra de esas películas con muchos méritos (e innegables filiaciones) que en lugar de analizarla por lo que es, algunos critican por lo que no es o por lo que “debería ser”.
Reseña:
La película comienza con Elizabeth Hansen (Mélanie Laurent) “despertando” en una cápsula criogénica que cuenta con un asistente médico virtual llamado M.I.L.O (en la voz de Mathieu Amalric) que le informa que por un desperfecto técnico los niveles de oxígeno del módulo están descendiendo constantemente. Pero ¿quién es Elizabeth? ¿por qué está allí? ¿dónde está esa cápsula? La protagonista buscará respuestas y una posible salida a su angustiante situación.
Oxígeno es otra de esas películas con muchos méritos que en lugar de analizarla por lo que es, algunos critican por lo que no es o por lo que debería ser según ellos o establecen comparaciones o filiaciones superficiales con otras. Se trata de un filme de ciencia ficción intimista donde la protagonista debe enfrentar una situación inicial de confusión absoluta (no sabe quién es, ni dónde está ni por qué), como si su despertar fuese un nuevo nacimiento, una crisálida tratando de salir de su encierro. Por eso Oxígeno es mucho más que un film sobre el encierro o un mero ejercicio claustrofóbico.
La película transcurre en tiempo real dentro de la cápsula y constituye para la protagonista un extenuante ejercicio de reconstrucción de su identidad a partir de la memoria (con sus pantallazos de exterior), interactuando con el amable pero implacablemente algorítmico M.I.L.O (reminiscente del HAL de 2001 pero también de los asistentes virtuales actuales)
El director Alexandre Aja sabe sacarle el máximo partido al logrado diseño de la cápsula y hábilmente no incurre en repeticiones (filmar en una locación tan estrecha es todo un desafío) contando para ello con la gran actuación de Laurent (en un verdadero tour de force actoral).
Si hemos de buscarle filiaciones, yo señalaría a Gravity y a 7500 (que transcurre casi íntegramente en una cabina de avión) y otras que no puedo revelar, si bien en este caso las coordenadas son claramente de ciencia ficción futurista.
Hay en esta película una cierta poesía inefable y más de un momento epifánico, ayudados por la notable música electrónica de ROB.
Oxígeno es una elegía espacial que tiene todos los recursos para conmover al espectador.
(Spanish / English)
An anguished reconstruction of identity
Summary:
Oxygen is much more than a film about confinement or a mere claustrophobic exercise that takes place in real time: it is a spatial elegy that tells us about the indissoluble relationship between identity and memory, about the anguished reconstruction of the latter and that at the same time time that wears elegant and sober high-tech devices, lavishes moments of ineffable poetry and more than one epiphany.
It is another of those films with many merits (and undeniable affiliations) that instead of analyzing it for what it is, some criticize it for what it is not or for what it "should be".
Review:
The film begins with Elizabeth Hansen (Mélanie Laurent) "waking up" in a cryogenic capsule that has a virtual medical assistant called MILO (in the voice of Mathieu Amalric) who informs her that due to a technical malfunction, the oxygen levels in the module are dropping. constantly. But who is Elizabeth? Why is she there? Where is that capsule? The protagonist will look for answers and a possible way out of her distressing situation.
Oxygen is another of those films with many merits that instead of analyzing it for what it is, some criticize it for what it is not or what it should be according to them or establish superficial comparisons or affiliations with others. It is an intimate science fiction film where the protagonist must face an initial situation of absolute confusion (she does not know who she is, or where she is or why), as if her awakening were a new birth, a chrysalis trying to get out of her confinement. That is why Oxygen is much more than a film about the confinement or a mere claustrophobic exercise.
The film takes place in real time inside the capsule and constitutes for the protagonist a strenuous exercise of rebuilding her identity from memory (with her exterior screenshots), interacting with the friendly but relentlessly algorithmic MILO (reminiscent of the HAL of 2001 but also of current virtual assistants)
The director Alexandre Aja knows how to make the most of the successful design of the capsule and skilfully does not incur repetitions (filming in such a narrow location is a challenge) counting on the great performance of Laurent (in a true tour de force acting ).
If we have to look for affiliations, I would point to Gravity and 7500 (which takes place almost entirely in an airplane cabin) and others that I cannot reveal, although in this case the coordinates are clearly futuristic science fiction.
There is in this film a certain ineffable poetry and more than one epiphanic moment, aided by ROB's remarkable electronic music.
Oxygen is a spatial elegy that has all the resources to move the viewer.

(Español / English)
English Abstract
A crisis between a film director and his partner and actress, is triggered after the premiere of the former's debut.
Malcolm & Marie has a virtuous camera direction that seeks to energize the theatrical essence of dialogues and good performances; however, the lack of dramatic progression and the overly analytical and cerebral nature of the dialogues and discussions, which erupt almost from the beginning and with little incubation time, hinder the emotional (and even intellectual) connection with the characters.
Abstract Español
Una crisis entre un director de cine y su pareja actriz se detona luego del estreno de la opera prima del primero.
Malcolm & Marie luce una virtuosa dirección de cámaras que busca dinamizar la esencia teatral de lo diálogos y buenas actuaciones; sin embargo, la falta de progresión dramática y la naturaleza demasiado analítica y cerebral de los diálogos y discusiones, que estallan casi desde el comienzo y con poco tiempo de incubación, obstaculizan la conexión emocional (e incluso intelectual) con los personajes.
English Review
The young couple of Malcolm and Marie (John David Washington and Zendaya) arrive at an impressive house in Malibu. He is a film maker who has just released his debut feature, and everything indicates that it will be a success. She, an actress who has had addiction problems. Both will engage in a series of recriminations and arguments.
Sam Levinson directs this elegant drama, beautifully photographed in black and white and aims to reflect a crisis triggered by that premiere.
Malcolm & Marie has no shortage of themes, which, like theatrical works, reveal ever deeper facets of their characters: inspiration in real people and situations (with their permissions and implications), their relationship with critics, their belongings cultural and racial and its presumed legitimizing role, the link between a director and an actress wife.
Malcolm is an outgoing, narcissistic, and partly resentful character. His character begins very "up" and borders on the unbearable and from the beginning marks the contrast with the more introverted Marie, who feels displaced.
The structure of the film could be summarized as a series of verbal skirmishes in charge of one or the other with successful moments of silence, with a virtuous camera direction that seeks to translate the theatrical essence of the dialogues into cinematographic terms.
But unfortunately we are not facing "Who's Afraid of Virginia Woolf" far from it. There is something that is not working (despite the good acting, especially Zendaya's) that hinders the emotional (and also the intellectual) connection with the characters: the lack of dramatic progression and the overly analytical or cerebral nature of the dialogues. and discussions, which erupt almost from the beginning and with little incubation time.
Finally, an interesting metafictional aspect is worth noting: Levinson directed Zendaya in the remarkable series Euphoria, with a similar character, but in her adolescence, in such a way that Malcolm & Marie could be seen in this sense almost as a sequel to Euphoria.
Reseña Español
La joven pareja integrada por Malcolm y Marie (John David Washington y Zendaya) llega a una impresionante casa en Malibú. Él es un director que acaba de estrenar su ópera prima, y todo indica que será un éxito. Ella, una actriz que ha tenido problemas de adicción. Ambos se enzarzarán en una serie de recriminaciones y discusiones.
Sam Levinson dirige este elegante drama, bellamente fotografiado en blanco y negro y pretende reflejar una crisis detonada por ese estreno.
No le faltan temas a Malcolm & Marie, que a la manera de las obras teatrales, va revelando facetas cada vez más profundas de su personajes: la inspiración en personas y situaciones reales (con sus permisos, identificaciones e implicancias), la relación con la crítica, las pertenencias culturales y raciales y su presunto rol legitimador, el vínculo entre un director y una esposa actriz.
Malcolm es un personaje extrovertido, narcisista y en parte resentido. Su personaje comienza muy “arriba” y roza lo insoportable y desde el vamos marca el contraste con la más introvertida Marie, quien se siente desplazada.
La estructura de la película podría resumirse como una serie de escaramuzas verbales a cargo de uno u otro con logrados momentos de silencio, con una virtuosa dirección de cámaras que busca que la esencia teatral de los diálogos se traduzca en términos cinematográficos.
Pero lamentablemente no estamos ante “Quién le teme a Virginia Woolf” ni mucho menos. Hay algo que no funciona (a pesar de las buenas actuaciones, sobre todo la de Zendaya) y que obstaculiza la conexión emocional (y también la intelectual) con los personajes: la falta de progresión dramática y la naturaleza demasiado analítica o cerebral de los diálogos y discusiones, que estallan casi desde el comienzo y con poco tiempo de incubación.
Por último, cabe destacar un aspecto metaficcional interesante: Levinson dirigió a Zendaya en la notable serie Euphoria, con un personaje parecido, pero en su adolescencia, de tal modo que Malcolm & Marie podría ser vista en este sentido casi como una secuela de Euphoria.

The Thicket es una propuesta que destaca por las sólidas actuaciones de su elenco principal y una ambientación lograda del viejo oeste. Sin embargo, sufre de una narrativa predecible y un desarrollo insuficiente de algunos personajes secundarios. Recomendada para aficionados al género western que buscan una historia tradicional con interpretaciones destacadas.

(ESPAÑOL) De vuelta a la acción busca reunir el carisma de Cameron Diaz y Jamie Foxx en una comedia de acción ligera. Dirigida por Seth Gordon, la película combina espionaje internacional con humor peculiar, pero no logra superar los clichés del género, dejando una sensación de oportunidad desaprovechada a pesar del talento de sus protagonistas.
El mayor atractivo del filme es, sin duda, su reparto principal. Cameron Diaz regresa a la pantalla grande tras casi una década, y su química con Jamie Foxx sigue siendo evidente, recordando sus colaboraciones previas. Ambos actores ofrecen interpretaciones sólidas y aprovechan su carisma natural, pero el guion limita sus posibilidades, sin brindarles diálogos memorables ni desarrollo profundo de personajes. El elenco secundario cumple su función, pero no logra destacar.
Visualmente, De vuelta a la acción cuenta con una cinematografía elegante y escenas de acción bien ejecutadas. Sin embargo, la trama resulta genérica, apoyándose en tópicos sobreexplotados del espionaje y giros argumentales predecibles. Aunque algunos momentos logran entretener con humor o adrenalina, estos son escasos y quedan eclipsados por la falta de originalidad en la narrativa.
El ritmo de la película también presenta altibajos, con escenas que se alargan innecesariamente mientras otras apresuran subtramas con potencial. Los elementos cómicos son inconsistentes, apoyándose en chistes gastados y situaciones incómodas que no siempre funcionan. Las secuencias de acción, aunque dinámicas, no ofrecen nada novedoso que las distinga dentro del género.
En resumen, De vuelta a la acción es una propuesta pasable pero fácilmente olvidable dentro del ámbito de las comedias de acción. Los seguidores de Diaz y Foxx pueden disfrutar viendo a estos dos carismáticos actores compartir pantalla nuevamente, pero la película no aprovecha del todo su talento. Es un entretenimiento ligero para un fin de semana, pero no deja una huella duradera.
(ENGLISH) Back in Action aims to bring together the star power of Cameron Diaz and Jamie Foxx in a lighthearted action-comedy. Directed by Seth Gordon, the film showcases a mix of globe-trotting espionage and quirky humor, but it struggles to elevate itself beyond the clichés of its genre, leaving much to be desired despite its promising cast.
The movie's biggest strength lies in its leads. Cameron Diaz makes her return to the screen after nearly a decade, and her chemistry with Jamie Foxx is evident from their previous collaborations. Both actors deliver solid performances with their natural charisma, but they are limited by a script that fails to provide them with memorable dialogue or meaningful character development. The supporting cast is serviceable but doesn’t add much depth to the story.
Visually, Back in Action features slick cinematography and well-executed action sequences. However, the narrative often feels generic, relying heavily on overused spy tropes and predictable plot twists. While some moments provide humor and excitement, they are fleeting and overshadowed by a lack of originality and ambition in the storytelling.
The film also falters in pacing, with certain scenes dragging unnecessarily while others rush through potentially interesting subplots. The comedy elements are hit-or-miss, often leaning on tired jokes and awkward setups that don’t quite land. While the action is fast-paced, it doesn’t bring anything new to the table, making it hard for the movie to stand out in a crowded genre.
Ultimately, Back in Action serves as a watchable but forgettable entry in the action-comedy category. Fans of Diaz and Foxx might appreciate seeing them reunite on-screen, but the movie doesn’t fully capitalize on their talents. It’s an easy weekend watch, but not one that leaves a lasting impression.

Es solamente la segunda película que veo de este director (cuando ha dirigido medio centenar) y no es extraño porque la temática que suele abordar (la realidad social británica) es poco agradable y el resultado es más bien gris y desesperanzador. No obstante, también lo considero un tema necesario así que intentaré ver alguna más de sus películas. Al menos sirve para encontrar cosas en común con los hijos de la gran bretaña. Algo es algo.

Comedia romántica para mujeres mayores y ancianas. Ahí teneis lo que os podeis encontrar con este film pero viendo las películas dirigidas por Nancy Meyers, no es ninguna sorpresa ver que realiza largometrajes para ese público, que cada vez acude más a los cines y esperan ver en cartelera este tipo de film. Y la directora sabe elegir bien los actores y actrices, siempre grandes estrellas entradas ya en buena edad, como gancho, pero no se lo trabaja tanto en los argumentos.
La película trata de una mujer separada que tiene un romance con su ex pero conoce a otra persona y durante todo el film es un tira a floja, para ver con quien se queda. Aunque maree mucho la perdiz, la directora cae en algunos tópicos y tiene el típico final esperado. No aporta nada nuevo al género, es "plana" pero sus espectadores no quieren comederos de cabeza; sólo distraerse, pasar un buen rato y listo. Y eso lo consigue en las casi dos horas de duración aunque tenga un ritmo lento pero consigue que no mires mucho el reloj.
Lo mejor del largometraje es el reparto, que es lo que salva y da vida a la película, tanto el trío protagonista (Meryl Streep, Alec Baldwin y Steve Martin) como John Krasinski, en el papel de novio de la hija de los protagonistas que toda madre quiere tener para su hija y que hace de cuarto ocupante en el "trío". Lo hacen de maravilla y sólo por verlos actuar, merece la pena.
Y poco más que destacar; un film para el sector femenino más mayor de la casa que cumple con el objetivo de entretener pero poco más.
NOTA: 5
LO MEJOR: El reparto al completo.
LO PEOR: No sorprende en ningún momento. Final predecible.

Lo siento, pero Ser padre ha sido una experiencia decepcionante. La película, protagonizada por Kevin Hart en el papel principal, intenta tocar el corazón del espectador con una historia emotiva sobre la paternidad, pero se queda atrapada en un guion plano y predecible que no logra profundizar en las emociones que promete. Aunque el tema tiene potencial, el enfoque es tan formulaico que las escenas clave parecen diseñadas únicamente para buscar la lágrima fácil, sin realmente ganársela.
Kevin Hart, conocido por su destreza en la comedia, demuestra carisma en ciertos momentos, pero no consigue convencer en las partes dramáticas. Su interpretación carece de la autenticidad y vulnerabilidad necesarias para transmitir el peso emocional de la historia, haciendo que muchas escenas se sientan forzadas o poco creíbles. La química con Melody Hurd, quien interpreta a su hija, tiene destellos de ternura, pero no logra sostener la trama debido a la superficialidad del guion. Alfre Woodard, en el rol de la suegra, aporta una actuación sólida, pero su presencia se siente subutilizada en un guion que no le da mucho con qué trabajar.
En términos técnicos, la película no presenta nada particularmente destacable, ni en su dirección a cargo de Paul Weitz, ni en su banda sonora, que parecen más preocupadas por seguir el manual del género que por aportar algo único. La relación padre-hija tiene momentos genuinos, pero incluso estos destellos se ven opacados por el ritmo pesado de la narrativa.
Ser padre podría haber sido una exploración sincera y conmovedora de la paternidad y el duelo, pero se conforma con ser un drama tibio que no arriesga ni sorprende. En lugar de emocionarte, te deja con la sensación de haber visto algo más enfocado en cumplir con los clichés que en contar una historia que realmente importe.

Johannes Roberts' 47 Meters Down: Uncaged is the sequel to his 2017 film, which received mixed reviews. The sequel takes place in an unexplored and submerged Mayan city where four young girls, Mia, Sasha, Alexa, and Nicole, find themselves in a dangerous situation with hungry sharks. Unlike the first movie, this sequel has nothing to do with the first one, and it would have been better if it were not related to the first one in any way. The characters in the movie are unsympathetic and the movie seems to be an excuse to show young women in bikinis. The visual and visual effects are not noteworthy, and some of the attacks are predictable. The setting of the movie is interesting but it does not lend itself to exciting moments, and it felt like the movie is becoming ridiculous by the end. The movie shot a part of the movie nearby in Basildon, Essex which is a local positive. The sequel does not justify the need for this sequel, and it falls short across the board.
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47 Meters Down: Uncaged de Johannes Roberts es la secuela de su película de 2017, que recibió críticas mixtas. La secuela tiene lugar en una ciudad maya inexplorada y sumergida donde cuatro jóvenes, Mia, Sasha, Alexa y Nicole, se encuentran en una situación peligrosa con tiburones hambrientos. Esta secuela no tiene nada que ver con la primera película, y hubiera sido mejor si no tuviera ninguna relación. Los personajes de la película son antipáticos y la película parece ser una excusa para mostrar mujeres jóvenes en bikini. Los efectos visuales y no visuales no son dignos de mención, y algunos de los ataques son predecibles. El escenario de la película es interesante pero no se presta a momentos emocionantes, y daba la sensación de que la película se estaba volviendo ridícula al final. La película grabó una parte de la misma cerca de Basildon, Essex, lo cual es un punto positivo para el negocio local. La precuela no justifica la necesidad de esta secuela, y se queda corta en todos los ámbitos.

"Paranormal Activity: The Marked Ones" fails to live up to the success of the original film in the franchise. Despite introducing a new family, the story feels unoriginal and the use of familiar camera techniques falls flat. The characters lack depth and the only one who evokes sympathy is the matriarch, Irma. The film attempts to tie the series together but ultimately falls short in delivering a satisfying conclusion.
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"Paranormal Activity: The Marked Ones" no está a la altura del éxito de la película original de la franquicia. A pesar de presentar una nueva familia, la historia se siente poco original y el uso de técnicas de cámara familiares fracasa. Los personajes carecen de profundidad y la única que suscita simpatía es la matriarca, Irma. La película intenta unir la serie, pero finalmente no logra llegar a una conclusión satisfactoria.

Interesante y bien llevada intriga alrededor de un nidito de amor compartido entre amigos. Se nota la factura europea a pesar de los intentos por seguir los modelos hollywoodienses; esa dicotomía es quizás el punto mas flaco del filme, pues a pesar de la buena fotografía y cierta calidad interpretativa, mantiene estereotipos algo irreales. A la parte final, sin hacer spoiler, le sobra el último giro. Un 6, aunque si pudiera iría a algo mas de un 5'5 pero sin llegar al Bien.

"He was my friend"
Jerry es dejado por su novia, al tener que cumplir un ultimo trabajo, pero es secuestrada.
Cómica. Caótica. Intrigante.
Una clasica representacion gringa de México, con musicalización de guitarra acústica, colores sepia, mexicanos con chanclas y sombreros, cantinas de mala muerte y pueblos abandonados. De repente estan en Toluca, y a continuación estan en un carretera en el desierto, lo que es bastante incongruente geográficamente. No todo México es un desierto.
La vida criminal, una enigmática leyenda mexicana y el caos de una situación absurda con grandes consecuencias. Aborda la homosexualidad vagamente con muy mal desarrollo y sin conclusion.
Es entretenida, te atrapa con su conflicto, perfecta para dominguear o para pasar un momento ameno en pareja.
La empecé a ver mientras resolvia unas cosas en mi celular, luego la pause por un compromiso, la segui viendo y la pause 11 minutos antes para dormir una soesta de 2 horas, y finalmente la concluí. Bastante ligero, pero me saboteo mucho.
¿En que piensan los gringos?
El amor y la confianza pueden superar cualquier obstáculo.
Técnica: 6.5
Expresión: 4.2
Efecto: 5.3
Experiencia: 5.9
Calificación: 5.5/10
¿

(Español / English)
Un ajedrez narrativo lleno de situaciones forzadas
Sumario
Es uno de esos típicos filmes basados en un concepto y en los giros narrativos y de género que conlleva. En este caso se trata del cambio del punto de vista. Pero el guion reduce a los personajes a meras piezas de un ajedrez narrativo y exhibe lagunas y situaciones forzadas e inverosímiles destinadas a mantener el interés del espectador pasada la primera sorpresa.
Reseña
La familia Harper vive en una enorme casa junto al mar. La madre, Jackie (Helen Hunt) es psicóloga, el padre, Greg (Jon Tenney) es policía. La relación entre ellos no anda nada bien y esto se refleja en la conducta de Connor, su hijo adolescente (Judah Lewis). Por otro lado, Greg toma a su cargo la investigación de la desaparición de un menor en un caso que recuerda a otros ocurridos 10 años atrás, cuyo culpable está preso. Pero en la casa comienzan a suceder inexplicables algunos sucesos inexplicables…
Todo esto parecería indicar el punto de partida de uno de esos buenos thrillers o películas de terror basados en un buen drama familiar. Pero lamentablemente no es así.
El de Adam Randall es de esos típicos filmes basados en un concepto y en los giros narrativos y de género que conlleva. En este caso se trata del cambio del punto de vista y la nueva información que eso suministra al espectador. Pero una buena idea no alcanza para hacer una buena película. En primer lugar, los personajes no se desarrollan y se convierten en meras piezas de la puesta en escena de un ajedrez narrativo. Pero el problema principal es que el guion presenta numerosos forzamientos, inverosimilitudes y lagunas (ver zona spoiler abajo) que malogran un planteo que era interesante, acaso con el objeto de sostener el impacto de la sorpresa que causa en el espectador.
De todos modos, la película (en definitiva más un thriller que una de terror), mientras va acumulando incoherencias, logra momentos de buen suspenso y luce una puesta en escena elegante, con una banda sonora por momentos efectiva para apuntalar la debilidad del relato.
A narrative chess full of forced situations
Summary
It is one of those typical films based on a concept and the narrative and genre twists that it entails. In this case it is about the change of point of view. But the script reduces the characters to mere pieces of a narrative chess and exhibits gaps and forced and unlikely situations designed to keep the viewer interested after the first surprise.
Review
The Harper family lives in a huge house by the sea. The mother, Jackie (Helen Hunt) is a psychologist, the father, Greg (Jon Tenney) is a policeman. The relationship between them is not going well at all and this is reflected in the behavior of Connor, his teenage son (Judah Lewis). On the other hand, Greg is in charge of investigating the disappearance of a minor in a case reminiscent of others that occurred 10 years ago, whose culprit is in prison. But some inexplicable events begin to happen in the house ...
All of this would seem to indicate the starting point of one of those good thrillers or horror movies based on a good family drama. But unfortunately it is not like that.
Adam Randall's is one of those typical films based on a concept and the narrative and genre twists that it entails. In this case it is about the change of point of view and the new information that this provides to the viewer. But a good idea is not enough to make a good movie. In the first place, the characters do not develop and become mere pieces in the staging of a narrative chess. But the main problem is that the script presents numerous forcings, implausibilities and loopholes (see spoiler area below) that spoil a proposal that was interesting, perhaps in order to sustain the impact of the surprise it causes on the viewer.
Anyway, the film (in short, more a thriller than a horror one), while accumulating inconsistencies, achieves moments of good suspense and shows an elegant staging, with an effective soundtrack at times to shore up the weakness of the story.