**La pornografía de la violencia**
Esta serie de Hulu ha acabado convirtiéndose en una presentación abierta y cruda de la violencia gratuita sin una intención narrativa clara, aunque siempre con el objeto de conseguir producir esa excitación que atrapa al espectador ávido de euforia audiovisual.
Desde la segunda temporada, Margaret Atwood ha dado luz verde a MGM para que un ejército de guionistas mediocres escriban un relleno infame, que nada tiene que ver con la novela original, y que les sirve a todos para perpetuar en la parrilla una historia confusa y absurda que apenas ofrece un avance en el relato.
El personaje de June Osborne parece estancado en un bucle absurdo en el que siempre acaba tropezando con la misma piedra. Me imagino que en algún momento de la última temporada acabarán enlazando la historia con la novela original, pero me temo que será ya demasiado tarde para tomarnos en serio este despropósito argumental, lleno de primeros planos absurdos, y aburrida hasta la nausea.
Esta estrategia empresarial de saturación, que no ha sido capaz de aportar ni un ápice de originalidad o de sentido común explicativo, se ha acabado traduciendo en una de las series más mediocres de la parrilla de pago por visión, desde el punto de vista intelectual.

Que levanten la mano los que crean que se puede ser un genio y un psicópata a la vez!!!

(Inglés/Español)
The Florida Project is a powerful and moving film that shines a light on the struggles of the residents living in budget motels in Kissimmee, Florida, just a stone's throw away from Disney World. The story centers around six-year-old Moonee, her mother Halley, and the motel manager Bobby as they navigate the hardships of poverty and the daily struggles to make ends meet. The film is gritty and raw, but also manages to capture moments of beauty and joy amidst the hardship. The performances by the cast, particularly by newcomer Brooklynn Prince and Willem Dafoe, are outstanding, and the film's cinematography adds vibrancy and life to the otherwise dull and dingy setting. The film manages to avoid sentimentality and romanticizing the characters' situation, and instead presents a realistic and nuanced portrayal of their lives. While the story does follow a somewhat predictable path, it still manages to be compelling and satisfying for the most part. Overall, The Florida Project is a thought-provoking and emotionally resonant film that offers a stark glimpse into a world that often goes unseen.
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The Florida Project es una película poderosa y conmovedora que arroja luz sobre las luchas de los residentes que viven en moteles económicos en Kissimmee, Florida, a tiro de piedra de Disney World. La historia se centra en Moonee, de seis años, su madre Halley y el gerente del motel, Bobby, mientras atraviesan las dificultades de la pobreza y las luchas diarias para llegar a fin de mes. La película es descarnada y cruda, pero también logra capturar momentos de belleza y alegría en medio de las dificultades. Las actuaciones del elenco, particularmente del recién llegado Brooklynn Prince y Willem Dafoe, son sobresalientes, y la cinematografía de la película agrega vitalidad y vida al escenario, que de otro modo sería aburrido y lúgubre. La película logra evitar el sentimentalismo y la romantización de la situación de los personajes y, en cambio, presenta un retrato realista y matizado de sus vidas. Si bien la historia sigue un camino algo predecible, aún logra ser convincente y satisfactoria en su mayor parte. En general, The Florida Project es una película que invita a la reflexión y emocionalmente resonante que ofrece una mirada cruda a un mundo que a menudo pasa desapercibido.

Impresionante película sobre las miserias del primer mundo en uno de sus templos, como lo es el entorno rosado y fantasioso del parque Disney de Orlando. Es difícil encontrarle defectos a esta obra maestra del neo-sub-post-loquesea-realismo cinematográfico americano, ni siquiera ese final escéptico donde las niñas llegan milagrosamente al parque Disney sin haber pagado entradas ni tener dinero para ello ... pero es que da igual, es que no importa, es la imagen de espaldas de dos angelitos caminando hacia el castillo central del parque, escapando inutilmente de una realidad dura que llegará en minutos y de la que el director ya nos ha dado muestras en las escenas previas.
Tampoco hay que reprocharle al filme esa sensación de que los protagonistan van a cámara lenta hacia el desastre, sin que nososotros, los espectadores podamos hacer mas que echarnos las manos a la cabeza, taparnos los ojos o mejor todavía, cruzar los dedos para que el increiblemente versatil Willem Dafoe resuelva el entuerto y vaya poniendo parches al cada vez mas agujereado presente de la protagonista principal y su hija, con dosis de humanidad y pragmatismo encomiables y que bien hubieran merecido algún que otro premio de academias, asociaciones o grupos de amigos.
La labor actoral es alucinante, particularmente la de la niña protagonista y sus amigos. Pocas veces he visto a niños actuando de forma tan creible, en papeles muchísimo mas complejos que la mayoría de papeles de adultos del cine actual. La actriz protagonista y madre de la niña parece sacada de algún suburbio neoyorkino y resulta increíblemente creíble ... resulta que su origen es Lituano ... es una actriz a seguir de cerca. Willem Dafoe está como siempre, pero quizás un poco mas, asumiendo ya un papel de ángel de la guarda en un infierno rosa, papel que le va viniendo al pelo en un estatus que se acerca ese universo de actores que están por encima del bien y del mal entrando el mundo de los mitos.
Una atención aparte merece el propio escenario del filme y su entorno, un motel cutre de vacaciones recién pintado de lila que muestra cómo nuestro primer mundo es paradisíaco en fachada e infernal en interior ... ¿al revés que el tercer mundo? ... Los edificios colindantes del motel, las tiendas de souvenirs, urbanizaciones de colorines abandonadas .... todo ello es otro de los protagonistas del filme, al que dan título ... El proyecto Florida es un proyecto fallido, pero el filme que lo explica es una obra mucho mas que notable.

47 Meters Down is a suspenseful thriller about two sisters, Lisa and Kate, who are trapped in a shark cage that has plummeted to the depths of the ocean. The sisters, who are vacationing in Mexico, are confronted with the terrifying reality of being surrounded by large, flesh-eating sharks while their oxygen levels rapidly decline. The movie uses close-ups and the darkness of the ocean to create a sense of claustrophobia and tension. The visuals and music are effectively used to create a sense of dread. The performances by Moore and Holt are solid, but the script is not particularly strong. The relationship between the sisters is cliche and the story has been done before. The movie relies heavily on its visuals, but if the script had been stronger, it would have been more successful. Overall, 47 Meters Down is a thrilling B-movie that effectively uses visuals to create a sense of suspense and danger in the deep sea.
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47 Meters Down es un thriller de suspenso sobre dos hermanas, Lisa y Kate, que están atrapadas en una jaula de tiburones que ha caído en picado a las profundidades del océano. Las hermanas, que están de vacaciones en México, se enfrentan a la aterradora realidad de estar rodeadas de grandes tiburones carnívoros mientras sus niveles de oxígeno disminuyen rápidamente. La película utiliza primeros planos y la oscuridad del océano para crear una sensación de claustrofobia y tensión. Las imágenes y la música se utilizan de manera efectiva para crear una sensación de pavor. Las actuaciones de Moore y Holt son sólidas, pero el guión no es particularmente fuerte. La relación entre las hermanas es un cliché y la historia se ha hecho antes. La película se basa en gran medida en sus imágenes, pero si el guión hubiera sido más sólido, habría tenido más éxito. En general, 47 Meters Down es una emocionante película de serie B que utiliza imágenes de manera efectiva para crear una sensación de suspenso y peligro en las profundidades del mar.

Aunque algo exagerado el eslogan "La mejor película con monstruo de la historia", la verdad es que la película sorprende, por sus efectos especiales, por su argumento, por esa particularidad de los guiones coreanos que mezcla imaginación con realismo, con ese "no tener claro el final".... El filme merece la pena, antihéroe, desmitificación de "lo americano", una visión chapucera de la ciencia y exaltación de la familia rara, convertidos sus miembros casi en superhéroes pero sin la parafernalia hollywoodiense ... En fin, es un buen filme para los amantes del terror de monstruos y para los enamorados del cine coreano del tercer milenio.

**Crecer sufriendo**
El descubrimiento del riesgo, de la amistad, el amor y la decepción... Nichols transmite esos valores vitales con gran acierto, pero con un ritmo narrativo bastante irregular.
La cinta se hace un poco larga ya que la historia no da mucho de sí o, al menos, el guión no está lo suficientemente trabajado como para fidelizar.
La América profunda queda bien retratada creando una bella postal en un entorno infestado de perdedores. Celebro también el tono serio y trascendente que aquí se transmite alrededor de la pubertad y sus intrincadas consecuencias.
Final previsible y sin sorpresas.

**El mundo ShondaLand**
Puedo comprender que los espectadores más críticos con la serie, entre los que me encuentro, culpen de toda esta mediocridad a la plataforma Netflix. Pero en realidad, el delito deberíamos achacarlo a ese exceso de demanda, semana tras semana, que deriva inexorablemente hacia lo vulgar, lo tosco, lo chabacano, y que es, precisamente, lo que nos ocupa hoy y ahora. Y, sobre todo, hacer realmente responsables a los concurrentes que devoran toda esta mierda y la llevan a los puestos más altos de los rankings. Netflix solo ofrece lo que la gente consume con avidez. Y claro, no todos los espectadores son tan exigentes como algunos de nosotros.
Dicho esto, no debe pasarse por alto que _Bridgerton_ nace en la factoría ShondaLand, un espacio creativo de fantasías absurdas e incoherentes, romanticismos blanqueados e infantiles, presentadas sin despeinarse por la gran Shonda Rhimes (_Anatomía de Grey_, _Sin Cita Previa_ y, la estupidez más reciente, _¿Quién es Anna?_).
Por lo tanto, querido lector, queda bajo tu exclusiva responsabilidad la permanencia frente al televisor… de los seres humanos.

Con un comienzo algo paranoico desarrolla de forma inquietante una dura relación entre una madre y un hijo desde su nacimiento hasta su adolescencia en un entorno familiar aparentemente ideal. El filme ataca directamente a sentimientos muy encontrados.

Ferdinand is an animated film based on the children's book "The Story of Ferdinand" by Munro Leaf and Robert Lawson. The movie, directed by Carlos Saldanha and produced by the studio behind the Ice Age and Rio films, follows the story of a Spanish fighting bull named Ferdinand (voiced by John Cena) who dreams of a non-violent life. When he is mistaken for a fierce fighter and recaptured by his former trainer, he is determined to prove himself as the peaceful bull he knows himself to be. The film is visually pleasing, with a colorful animation style and a playful, light-hearted tone. It also touches on themes of conventional masculinity and animal cruelty, and is suitable for younger viewers. While it may not be highly original, Ferdinand is a fun and heartwarming film that should leave parents and children smiling.
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Ferdinand es una película animada basada en el libro infantil "La historia de Ferdinand" de Munro Leaf y Robert Lawson. La película, dirigida por Carlos Saldanha y producida por el estudio detrás de las películas Ice Age y Rio, sigue la historia de un toro de lidia español llamado Ferdinand (con la voz de John Cena) que sueña con una vida no violenta. Cuando lo confunden con un luchador feroz y su antiguo entrenador lo vuelve a capturar, está decidido a demostrar que es el toro pacífico que sabe que es. La película es visualmente agradable, con un estilo de animación colorido y un tono alegre y juguetón. También toca temas de masculinidad convencional y crueldad animal, y es adecuado para espectadores más jóvenes. Si bien puede no ser muy original, Ferdinand es una película divertida y conmovedora que debería dejar a padres e hijos sonriendo.

En el primer intento abandonamos mi chica y yo a los 15 minutos; ni entendiamos, ni nos gustaba, ni nos dormiamos. No es una peli para un Sábado noche, palomitas y chica estupenda al lado; al menos como yo entiendo el cine de Sábado. Segundo intento: yo solo (bueno, con mi perro), Martes a las 21:30. Empiezo de nuevo, aguanto esos 15 minutos, otros 5 mas, empieza a gustarme a pesar de lo fuerte, fortísimo, de la escena de violencia en el club gay, el argumento adquiere sentido, mi perro sale de su letargo, gruñe, y a los 5 segundos empieza la escena de la violación, fuerte, fortísima; ni yo ni mi perro podemos dejar de mirar a la pantalla; bajo el volumen, no quiero que "Chespir" (el susodicho can) se me pervierta ni que se traumatice. Ya estoy (estamos) enganchados. Yo aguanto hasta el final y Chespir ya lleva unos minutos durmiendo.
Ni bodrio ni genialidad ... aprobaillo raspao (un 5).

> Muy buena, con diversos problemas internos y lo que se hace cuando quieres salvar a esa persona

**Torpeza sobre el mar**
Si alguien quiere ver a Tom Hanks haciendo lo único que sabe hacer de verdad, es decir, sobre actuar, que se acerque a la gran _The Ladykillers_ (2004) de los hermanos Coen. Ellos han sido los únicos realizadores capaces de entender las limitaciones interpretativas del actor para sublimarlas y sacarles el máximo provecho. El resultado es notable, el mejor Hanks que hemos visto nunca, un actor tan limitado como mediocre, sobrevalorado por su público y por la crítica más comercial.
Y _Greyhound_ no es más que otra de sus apariciones estelares a manos de un director intrascendente y vulgar, incapaz de insuflar vida a ninguno de los personajes, centrando el supuesto atractivo de la cinta en los meros efectos especiales en momentos muy concretos, es decir, en las cuatro batallas navales, torpedo va y torpedo viene.
No hay nada más en Greyhound. El protagonista no nos da pena ni gracia, no nos emociona ni nos decepciona. Simplemente existe para regurgitar jerga marinera y para escoltarnos (nunca mejor dicho) hasta el final de la obra.

**Larsvontrimaniac. Volumen 2**
En esta segunda entrega el ritmo se acrecenta y la historia se digiere mejor. Se añaden muchas lagunas al guión, en las que el drama principal de la adicción y la autodestrucción desaparece para sustituirlo por una especie de _thriller_ sin sentido alguno.
Lo paradójico es que es precisamente eso lo que aporta un ritmo narrativo más intenso a la obra, pero lamentablemente se aparta del todo de su cometido inicial.
Lo mejor de esta segunda parte: el minuto final.

(español / English)
Trata bien a tu asistente virtual
Sumario:
Alucinante, creativa y adrenalínica comedia animada de ciencia ficción sobre una familia que se ve obligada a enfrentar una rebelión planetaria de robots y otras máquinas (con una impensada líder), en el corazón mismo de Silicon Valley.
Una montaña rusa narrativa con un enorme despliegue visual, un timing humorístico imbatible e irónicas críticas a la conectividad, los asistentes virtuales y la vida online como panacea y los peligros del fascismo informático.
Reseña:
Katie vive con sus padres y su hermano menor. Consigue ser aceptada en una escuela de cine, pero su padre le cancela el vuelo en avión y decide llevarla a la escuela en auto con toda la familia. En pleno viaje son sorprendidos por una rebelión mundial de robots comandada por una impensada líder (con la voz de Olivia Colman).
Ya pocos dudan que, desde hace algunos años, los mejores guiones y las ideas más creativas son provistos en gran parte por las películas de animación. Y como en este caso, dotan también a sus personajes de una complejidad y una humanidad muchas veces ausente en sus homólogos de carne y hueso.
En esta película, la dinámica familiar frente a la crisis que se desata sobre ella está muy bien desarrollada: sus integrantes aprenden a conocerse y respetarse y a redefinir sus roles. Hay una reivindicación de la familia que no luce conservadora sino como un reconstrucción colectiva y superadora y no como acatamiento al statu quo previo.
Pero indudablemente, el fuerte de esta película de Michael Rianda y Jeff Rowe es la alucinante, creativa y adrenalínica montaña rusa narrativa con esta familia (sin olvidarnos de su perro, protagonista de un recurrente gag conceptual desopilante) enfrentando esta rebelión mundial de robots y otras máquinas en el corazón mismo de Silicon Valley, con su enorme despliegue visual (que combina diversos efectos de animación), su timing humorístico imbatible y sus irónicas críticas a los jóvenes genios informáticos y la puja software vs. hardware y a la conectividad, los asistentes virtuales y la vida online como panacea. Un posible mundo con un fascismo liderado por un software.
Para ver en la pantalla más grande que tengan.
Treat your virtual assistant well
Summary:
Mind-blowing, creative and adrenaline-pumping narrative roller coaster about a family that is forced to face a planetary rebellion of robots and other machines (with an unthinkable leader), in the very heart of Silicon Valley, with an enormous visual display, an unbeatable humorous timing and ironic criticisms of connectivity, virtual assistants and online life as a panacea. An up-to-date warning about the dangers of computer fascism.
Review:
Katie lives with her parents and her younger brother. She gets accepted to a film school, but her father cancels her plane flight and decides to take her to school by car with the whole family. In the middle of the journey they are surprised by a world rebellion of robots commanded by an unthinkable leader (voiced by Olivia Colman).
Few doubt that, for some years now, the best scripts and the most creative ideas have been largely provided by animated films. And as in this case, they also endow their characters with a complexity and humanity often absent from their flesh and blood counterparts.
In this film, the family dynamics in the face of the crisis that it must face is very well developed: its members learn to know and respect each other and to redefine their roles. There is a vindication of the family that does not look conservative but rather as a collective and overcoming reconstruction and not as compliance with the previous status quo.
But undoubtedly, the strength of this Michael Rianda and Jeff Rowe film is the mind-blowing, creative and adrenaline-pumping narrative roller coaster about this family (not forgetting their dog, the protagonist of a recurring hilarious conceptual gag) that is forced to face this rebellion. world of robots and other machines in the very heart of Silicon Valley, sporting a huge visual display (combining various animation effects), unbeatable humorous timing and ironic criticism of young computer geniuses and the bidding software vs. hardware and connectivity, virtual assistants and online life as a panacea. And an updated alert about the dangers of computer fascism.
To see on the biggest screen you have.

"If you don't smoke tarrlytons, fuck you"
Un hombre inteligente y una mujer torpe son sometidos a un experimento de hibernacion, para terminan accidentalmente despertando muchos años después dn el futuro en una sociedad absurda y destructiva.
Conservadora. Torpe. Reflexiva.
Costco super central de abastos. Una producción mediocre. Tiene una idea interesante pero el argumento y desarrollo es bastante malo, para empezar se extiende cientos de años al futuro, y te presenta una sociedad con avance tecnológicos que ya fueron superados. Ni el ambiente ni los personajes son creíbles, aunque evidentemente tampoco pretende ser una gran historia.
Reino de lo absurdo. Tiene algunos puntos interesantes pero mayormente es una vision mediocre y falsa del futuro, aunque ciertamente refleja una evidente realidad. Todo es cuestion de perspectiva, incluso ahora 20 años después podemos decir que el que pensó esto era un idiota, y hace 20 años pensarían que los idiotas son los de ahora, ambos tendrían razón.
Se hizo canon.
No me acordaba, pero ya la había visto.
"Do you really wanna live in a world where you blow up the only person tbag want to help you?"
La evolución no necesariamente premia a los inteligentes.
Técnica: 4.8
Expresión: 2.9
Efecto: 6.6
Experiencia: 5.4
Calificación: 4.9/10

Cloe Zhao's 'Nomadland' is a hauntingly beautiful portrait of an individual who has persevered through personal and societal challenges to pave her own path forward. Frances McDormand fully immerses herself into her onscreen character, Fern, a woman who must survive on seasonal work due to her choice to live on the open roads of the American West following the loss of her job and the death of her husband. Zhao proves that meaningful stories can be told with the simplest productions, with poetic dialogue, soliloquies, vast landscape shots and strategic use of sound. At this time when many are struggling, 'Nomadland' is an important story that recognizes one's own worth and discovers the motivation to keep driving in spite of the obstacles.
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'Nomadland' de Cloe Zhao es un retrato inquietantemente hermoso de una persona que ha perseverado a través de los desafíos personales y sociales para allanar su propio camino. Frances McDormand se sumerge por completo en su personaje en pantalla, Fern, una mujer que debe sobrevivir con un trabajo estacional debido a su elección de vivir en las carreteras abiertas del oeste americano tras la pérdida de su trabajo y la muerte de su marido. Zhao demuestra que se pueden contar historias significativas con las producciones más simples, con diálogos poéticos, soliloquios, tomas de vastos paisajes y uso estratégico del sonido. En este momento en el que muchos luchan, 'Nomadland' es una historia importante que reconoce el propio valor y descubre la motivación para seguir conduciendo a pesar de los obstáculos.

Damien Chazelle's Babylon is grand in nature and visually striking, but its structure is not entirely solid. Unlike his previous films, Whiplash, La La Land, and First Man, Babylon left me feeling disconnected. The film explores the excesses and debauchery of 1920s Hollywood as the industry transitions from silent films to "talkies." The performances by Brad Pitt, Margot Robbie, and Diego Calva are strong, and the cinematography and score are impressive. However, the writing and runtime detract from the overall impact of the film. The characters feel like caricatures and the second half lacks focus. The movie also pays homage to Singin' in the Rain, which hinders the delivery of the story. While Babylon is a feast for the eyes, it ultimately falls short in delivering a cohesive and emotionally engaging narrative.
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Babylon de Damien Chazelle es grande en su naturaleza y visualmente impresionante, pero su estructura no es del todo sólida. A diferencia de sus películas anteriores, Whiplash, La La Land y First Man, Babylon me dejó con una sensación de desconexión. La película explora los excesos y la decadencia de Hollywood de los años 20 mientras la industria se transiciona de las películas mudas a las "habladas". Las actuaciones de Brad Pitt, Margot Robbie y Diego Calva son sólidas y la fotografía y la banda sonora son impresionantes. Sin embargo, la escritura y la duración restan impacto a la película. Los personajes se sienten como caricaturas y la segunda mitad carece de enfoque. La película también rinde homenaje a Singin' in the Rain, lo que dificulta la entrega de la historia. Aunque Babylon es una delicia para los ojos, finalmente falla en la entrega de una narrativa cohesiva y emocionalmente atractiva.

(ESPAÑOL) Mañana empieza todo es un remake francés de la película mexicana No se aceptan devoluciones, y aunque sigue el mismo esquema argumental, logra tener una identidad propia gracias, principalmente, a la carismática actuación de Omar Sy. La historia se centra en Samuel, un hombre despreocupado y algo inmaduro que ve su vida completamente transformada cuando una expareja le deja a su cargo a una hija pequeña, Gloria. La trama explora cómo este inesperado vínculo entre padre e hija evoluciona a lo largo de los años, mostrando tanto los momentos más divertidos como los más emotivos de su relación.
La película está construida para emocionar al espectador. Desde sus primeras escenas se percibe una intención muy clara de buscar la lágrima fácil, una estrategia que divide opiniones: mientras que algunos pueden encontrar la historia conmovedora, otros pueden considerar que recurre a recursos sentimentales demasiado evidentes y a veces manipuladores. Hugo Gélin intenta equilibrar humor y drama en una fórmula que resulta efectiva en algunos momentos, aunque previsible en muchos otros.
Uno de los puntos fuertes del film es la química que existe entre Omar Sy y la joven actriz Gloria Colston. Ambos logran transmitir una relación auténtica y cercana, y sus escenas juntos son las que mejor funcionan. Omar Sy brilla especialmente en los momentos más emotivos, y consigue que el espectador se encariñe con su personaje pese a lo estereotipado que pueda parecer. Por otro lado, Gloria Colston aporta frescura y naturalidad, evitando caer en los clichés habituales de los niños actores.
El guion, sin embargo, no escapa de los lugares comunes y se apoya demasiado en fórmulas conocidas. La película parece diseñada para seguir un manual que dicta cuándo reír, cuándo llorar y cuándo emocionarse. Esto resta espontaneidad a la historia y deja la sensación de que todo está demasiado calculado para impactar en el espectador de la manera más básica.
A nivel visual, Gélin opta por una puesta en escena colorida y dinámica, lo que le da un tono de cuento moderno. Este estilo visual encaja bien con la naturaleza optimista de la película, pero también refuerza esa sensación de "anuncio largo de televisión" que han señalado algunos críticos. La banda sonora, compuesta por canciones suaves y sentimentales, refuerza aún más los momentos lacrimógenos, pero en algunos casos peca de ser demasiado evidente.
Uno de los aspectos más criticados es la vuelta de tuerca final. Sin entrar en spoilers, es un giro que puede resultar impactante para algunos espectadores, pero que también puede parecer forzado y manipulador para otros. Este tipo de desenlaces dividen a la audiencia, ya que algunos lo ven como un recurso emocional válido y otros lo perciben como una forma burda de arrancar emociones.
En definitiva, Mañana empieza todo es una película emotiva y accesible, diseñada para conectar con el gran público a través de una historia conmovedora y actuaciones carismáticas. Sin embargo, su excesiva dependencia de los tópicos y su intención constante de buscar la lágrima fácil pueden hacer que pierda autenticidad y frescura. Aun así, quienes disfruten de melodramas familiares encontrarán en ella una propuesta entretenida y emotiva, ideal para una tarde en la que apetezca desconectar y dejarse llevar por las emociones.
(ENGLISH) Two Is a Family (Demain tout commence) is a French remake of the Mexican film Instructions Not Included. While it follows a familiar narrative structure, it manages to carve out its own identity largely due to the magnetic performance of Omar Sy. The story revolves around Samuel, a carefree man whose life takes a sudden turn when a former lover leaves a baby girl, Gloria, in his care. The film explores the evolving bond between father and daughter, balancing lighthearted moments with more emotional beats.
From the start, it’s clear that the film is crafted to tug at the audience’s heartstrings. The narrative is packed with sentimental moments that are sure to draw tears from viewers, though this approach may come across as manipulative to some. Director Hugo Gélin attempts to strike a balance between humor and drama, achieving a mix that works in some scenes but feels predictable in others.
The film’s strongest asset is the chemistry between Omar Sy and young actress Gloria Colston. Their interactions feel genuine and heartfelt, bringing warmth to the screen. Sy shines in emotional scenes, making his character endearing despite the somewhat stereotypical portrayal. Meanwhile, Colston’s natural performance avoids the usual pitfalls of child acting, bringing freshness and authenticity to her role.
However, the screenplay leans heavily on clichés and well-trodden tropes. The story follows a clear formula that dictates when the audience should laugh, cry, and feel moved. This calculated approach can make the film feel less spontaneous, leaving little room for genuine surprises.
Visually, Gélin opts for a bright, colorful style that gives the film a modern fairy-tale feel. This aesthetic suits the film’s optimistic tone but also reinforces the criticism that it resembles a long TV commercial. The soundtrack, filled with soft and sentimental tracks, amplifies the emotional moments, though at times it can feel overly obvious in its intentions.
One of the most divisive aspects of the film is its plot twist towards the end. Without giving away spoilers, the twist aims to be shocking and emotionally impactful. However, it may come across as forced or manipulative to some viewers, undermining the authenticity of the story.
In conclusion, Two Is a Family is a heartfelt and accessible film, designed to connect with a wide audience through its touching story and strong performances. Despite its reliance on familiar tropes and its tendency to seek easy emotional responses, it remains an enjoyable and moving experience for those who appreciate family dramas. It’s a film that invites viewers to disconnect from reality for a while and let themselves be carried away by its emotional journey.

En ciencia ficción lo mejor que puede ver

La mejor pelicula de ciencia ficcion que he visto

(Español / English)
**Un juicio con pocas sorpresas**
**Extracto**
El juicio de los 7 de Chicago es el tipo de película “basada en hechos reales” y de “denuncia política” que les gusta a los electores de los Oscars, un drama tribunalicio-político con la guerra de Vietnam como telón de fondo, bien montado, bien actuado (destacan Frank Langella y Joseph Gordon-Levitt), con buenos diálogos, pocas sorpresas y que está lejos de ser un gran film.
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**Reseña**
El juicio de los 7 de Chicago relata el juicio llevado adelante en esa ciudad en 1969 en el que se acusó de conspiración a siete activistas y dirigentes que habían concurrido a la Convención Demócrata para manifestarse contra el envío de tropas a Vietnam, protesta que derivó en violentos incidentes con la policía.
Como es habitual en estas películas “basadas en hechos reales”, su introducción expone una abrumadora cantidad de información, presentando a los actores del drama antes de los incidentes que eran líderes o dirigentes de diversas agrupaciones estudiantiles, políticas y civiles: Estudiantes por una Sociedad Democrática (SDS), hippies del Youth International Party (Yippies), Mobilization to End the War in Vietnam (The Mobe) y un presidente de los Panteras Negras, entre otros.
Luego Aaron Sorkin (director y guionista) procede a una acertada elipsis que nos ubica directamente en el juicio. El desarrollo es el de un típico drama tribunalicio y son los flashbacks, a veces en montaje paralelo con las declaraciones testimoniales, los que van reconstruyendo los hechos y su cronología. El lenguaje no es altisonante y aparecen inesperados rasgos de humor durante las audiencias, pero lamentablemente, como película estadounidense no puede privarse de algún momento culminante efectista. También se abordan las disidencias (a veces profundas) entre los acusados en función de sus grupos de pertenencia.
Sólo hay dos situaciones de verdadera e inesperada tensión (una de ellas muy dura) durante un juicio que fue planteado desde el vamos como un montaje aleccionador y donde se manifiesta también el racismo de siempre.
A pesar de su longitud, no decaen ni el ritmo ni el interés, sobresaliendo las actuaciones de Frank Langella como un imponente y por momentos iracundo juez y la de Joseph Gordon-Levitt como el solvente y contenido fiscal que cumple instrucciones pero no carece de consciencia.
En suma, el juicio de los 7 de Chicago es el tipo de película “basada en hechos reales” y de “denuncia política” que les gusta a los electores de los Oscars pero que dista bastante de ser un gran film.
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**A trial with few surprises**
**Abstract**
The Chicago 7 trial is the kind of "based on real events" and "political denunciation" film that the voters of the Oscars like, a court-political drama with the Vietnam War as a backdrop, well mounted, well acted (Frank Langella and Joseph Gordon-Levitt stand out), with good dialogue, few surprises and it is far from being a great film.
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**Review**
The Chicago 7 trial recounts the trial carried out in that city in 1969 in which seven activists and leaders who had attended the Democratic Convention to demonstrate against the sending of troops to Vietnam were accused of conspiracy, a protest that led to violent incidents with the police.
As is usual in these films "based on real events", their introduction exposes an overwhelming amount of information, presenting the actors of the drama before the incidents who were leaders or leaders of various student, political and civil groups: Students for a Democratic Society (SDS), hippies from the Youth International Party (Yippies), Mobilization to End the War in Vietnam (The Mobe) and a chairman of the Black Panthers, among others.
Then Aaron Sorkin (director and screenwriter) proceeds to a successful ellipsis that places us directly in the trial. The development is that of a typical courtroom drama and it is the flashbacks, sometimes in parallel montage with the testimonial statements, which reconstruct the events and their chronology. The language is not high-sounding and unexpected traits of humor appear during audiences, but sadly, as an American film it cannot be without some gimmicky climactic moment. Dissenting (sometimes deep) between the accused according to their group membership is also addressed.
There are only two situations of real and unexpected tension (one of them very hard) during a trial that was raised from the beginning as a sobering montage and where the usual racism is also manifested.
Despite its length, neither the pace nor the interest wane, standing out the performances of Frank Langella as an imposing and at times irate judge and that of Joseph Gordon-Levitt as the solvent and fiscal content who follows instructions but does not lack conscience. .
In sum, The Trial of the Chicago 7 is the kind of "fact-based" and "political denunciation" movie that Oscars voters like but is far from being a great movie.
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Buen filme, muy bueno, realmente. Empieza como filme erótico ambientado en la posguerra alemana, con algunos flashbacks hasta 1995, sigue como un drama judicial y acaba como una alegoría contra el analfabetismo en un marco de historia de recuerdos e introspección. La ambientación excelente, la música cautivadora, la caracterización de los personajes, la realización, la fotografía ... definitivamente una muy buena película. Ahh ... Kate lo borda.

"Austin Powers en Miembro de Oro" es como una fiesta psicodélica que te transporta directamente a los años 60 y 70, pero con un toque descarado y exageradamente divertido. La película es una locura de colores vibrantes, trajes estrafalarios y chistes que van desde lo ingenioso hasta lo totalmente absurdo. Es como si Mike Myers hubiera decidido hacer una parodia de las películas de James Bond, pero con un giro completamente loco.
La trama puede parecer un poco disparatada, con Austin Powers viajando en el tiempo para detener al malvado Dr. Maligno y su astuto clon en miniatura. Pero honestamente, no importa mucho la lógica cuando estás ocupado riéndote de las ocurrencias ridículas de Austin y los personajes extravagantes que lo rodean. Mini-Yo, en particular, es simplemente hilarante. Además, el estilo visual retro y los guiños a la cultura pop de la época hacen que la película sea como un festín nostálgico, incluso si no viviste esa era.
La comedia descarada y las actuaciones exageradas hacen que "Austin Powers en Miembro de Oro" sea una experiencia única. Puede que no tenga la trama más profunda, pero ¿quién necesita profundidad cuando estás ocupado riéndote a carcajadas? Es un cóctel de diversión y locura que te deja con una sonrisa y te hace olvidar cualquier preocupación del mundo real.

Tag is a comedy film that follows a group of five friends who spend the month of May traveling across the country to play a wild game of tag. Based on a true story that was reported by the Wall Street Journal, the film tells the tale of these friends and their journey to keep the game going. The characters in the movie are likable and unlikable at different times, and the humor is hit or miss. Some moments are funny, while others fall flat. The movie also tries to add emotional depth, but it feels unearned and doesn't quite work. The soundtrack is good and features a mix of different songs. Overall, Tag is an entertaining film that is fun to watch, but it could have been better with more consistent humor and a stronger finale.
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Tag es una película de comedia que sigue a un grupo de cinco amigos que pasan el mes de mayo viajando por todo el país para jugar un salvaje juego de etiqueta. Basada en una historia real reportada por el Wall Street Journal, la película cuenta la historia de estos amigos y su viaje para mantener el juego en marcha. Los personajes de la película son agradables y desagradables en diferentes momentos, y el humor es impredecible. Algunos momentos son divertidos, mientras que otros fracasan. La película también intenta agregar profundidad emocional, pero se siente inmerecida y no funciona del todo. La banda sonora es buena y presenta una mezcla de diferentes canciones. En general, Tag es una película entretenida que es divertida de ver, pero podría haber sido mejor con un humor más consistente y un final más fuerte.

Trainspotting, a movie about drug addiction and the hedonistic British scene of the 90s, returns with its sequel T2: Trainspotting. Twenty years have passed since the first film and the band is back together, with Renton (McGregor) returning to Edinburgh to reconnect with old friends and confront his past actions. Spud (Bremner) is still struggling with addiction and Sick Boy (Miller) has switched to cocaine and runs a pub while participating in blackmail sex schemes with his girlfriend Veronika (Nedyalkova). Begbie (Carlyle), who has been in prison for 25 years, escapes and seeks revenge on Renton. The film retains the same style as the original, with freeze frames, words floating on-screen, frenetic camera angles, and classic music cues. The cast has aged and the characters have changed, with themes of growing old and the disappointments of life being at the forefront. The movie is a poignant look at the lives of these four anti-heroes and how they are linked by their past.
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Trainspotting, una película sobre la adicción a las drogas y la hedonista escena británica de los 90, regresa con su secuela T2: Trainspotting. Han pasado veinte años desde la primera película y la banda vuelve a estar junta, con Renton (McGregor) regresando a Edimburgo para reconectarse con viejos amigos y confrontar sus acciones pasadas. Spud (Bremner) todavía está luchando contra la adicción y Sick Boy (Miller) ha cambiado a la cocaína y dirige un pub mientras participa en esquemas sexuales de chantaje con su novia Veronika (Nedyalkova). Begbie (Carlyle), que lleva 25 años en prisión, escapa y busca vengarse de Renton. La película conserva el mismo estilo que la original, con fotogramas congelados, palabras flotando en la pantalla, ángulos de cámara frenéticos y pistas de música clásica. El elenco ha envejecido y los personajes han cambiado, con temas de envejecimiento y las decepciones de la vida al frente. La película es una mirada conmovedora a la vida de estos cuatro antihéroes y cómo están vinculados por su pasado.

**"El ejército de las tinieblas"** es una icónica película de terror y comedia dirigida por Sam Raimi y estrenada en 1992. Este filme, protagonizado por el inigualable Bruce Campbell, es la tercera entrega de la saga "Evil Dead" y combina magistralmente el terror con un humor extravagante y slapstick.
**Reparto Principal:**
Bruce Campbell como Ash Williams
Embeth Davidtz como Sheila
Marcus Gilbert como Lord Arthur
Ian Abercrombie como Wiseman
Richard Grove como Duke Henry the Red
La historia sigue a Ash Williams (Bruce Campbell), quien es transportado accidentalmente al año 1300 d.C. tras los eventos de "Evil Dead II". Armado con su fiel motosierra y una escopeta recortada, Ash debe encontrar el Necronomicón, un antiguo libro de los muertos, para regresar a su tiempo. Sin embargo, al intentar recuperar el libro, Ash comete un error que despierta a un ejército de muertos vivientes liderado por su malvado alter ego, Evil Ash.
La película es conocida por sus efectos prácticos innovadores, humor absurdo y diálogos memorables. Bruce Campbell ofrece una actuación icónica, llena de carisma y comedia física, que ha convertido a Ash Williams en un personaje de culto. **Sam Raimi dirige con su característico estilo visual dinámico y exagerado, creando una experiencia cinematográfica única.**

"Master and Commander: The Far Side of the World" is an epic film that explores the principles of duty and love of country among the crew of the HMS Surprise. The film, which debuted during the same time as the popular "Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl," targeted an older audience due to its serious subject matter.
Russell Crowe was an excellent choice to play the role of Captain Jack Aubrey, as he perfectly embodies the character of a British naval captain. The film's success lies in its narrow focus on a specific mission, allowing the audience to get to know the characters, particularly Paul Bettany's character, a part-time surgeon and part-time zoologist. This makes it easy to care about what happens to them during their adventures.
"Master and Commanders" also boasts impressive special effects and well-crafted action sequences, making the setting at sea work effectively in the film. It may not have the most thrilling story, but it's executed flawlessly and serves as a masterclass in period action-adventure films.
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"Master and Commander: The Far Side of the World" es una película épica que explora los principios del deber y el amor a la patria entre la tripulación del HMS Surprise. La película, que se estrenó al mismo tiempo que la popular "Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra", estaba dirigida a un público mayor debido a la seriedad del tema.
Russell Crowe fue una excelente elección para interpretar el papel del Capitán Jack Aubrey, ya que encarna a la perfección el carácter de un capitán naval británico. El éxito de la película radica en su estrecho enfoque en una misión específica, lo que permite a la audiencia conocer a los personajes, en particular al personaje de Paul Bettany, un cirujano a tiempo parcial y un zoólogo a tiempo parcial. Esto hace que sea más fácil preocuparse por lo que les sucede durante sus aventuras.
"Master and Commanders" también cuenta con impresionantes efectos especiales y secuencias de acción bien elaboradas, lo que hace que el escenario en el mar funcione de manera efectiva en la película. Puede que no tenga la historia más emocionante, pero se ejecuta a la perfección y sirve como una clase magistral en las películas de acción y aventuras de época.

(ESPAÑOL) Una joven prometedora es un debut cinematográfico audaz y provocador de Emerald Fennell que subvierte las convenciones del thriller de venganza. La película aborda temas como el trauma, la complicidad social y la búsqueda de justicia de una forma innovadora, perturbadora y profundamente relevante en el contexto cultural actual. Mezclando elementos de comedia negra, suspense y crítica social, Fennell construye una historia que se rehúsa a ser encasillada o olvidada fácilmente.
La protagonista es Cassie (Carey Mulligan), una mujer que dejó atrás una prometedora carrera en medicina tras un trágico evento en su pasado. Ahora, vive una doble vida: de día, trabaja en una cafetería, y de noche frecuenta bares fingiendo estar borracha para desenmascarar a los hombres que se aprovechan de mujeres vulnerables. Su misión es confrontar a quienes cometen estos actos y forzar a la sociedad a reflexionar sobre la complicidad en una cultura que, con demasiada frecuencia, excusa o ignora el abuso sexual.
Carey Mulligan ofrece una interpretación excepcional, equilibrando con maestría la complejidad emocional de Cassie. Su personaje es a la vez vulnerable y ferozmente determinado, y Mulligan logra transmitir ese dolor contenido que impulsa cada una de sus acciones. Su actuación dota al personaje de humanidad y ambigüedad, haciendo que el espectador empatice con ella incluso cuando sus decisiones resultan inquietantes.
Visualmente, la película es llamativa y colorida, lo que contrasta de manera deliberada con la oscuridad de su historia. Fennell utiliza una paleta de colores vivos y una estética que recuerda a las comedias románticas, lo que refuerza la ironía del relato. La banda sonora, repleta de canciones pop que adquieren nuevos significados dentro del contexto de la película, aporta otra capa de profundidad y refuerza su tono subversivo.
Lo que diferencia a Una joven prometedora de otros thrillers de venganza es su negativa a seguir un camino predecible. La película está llena de giros inesperados que mantienen al espectador en vilo, y su tono fluctúa entre lo cómico y lo trágico, reflejando el viaje emocional de su protagonista. Emerald Fennell no busca ofrecer respuestas fáciles ni finales complacientes; en su lugar, invita a los espectadores a enfrentarse a verdades incómodas sobre la responsabilidad, el perdón y los límites de la justicia.
El final de la película ha generado debate, y es uno de los elementos más divisivos del film. Sin revelar spoilers, es un desenlace que desafía las expectativas y deja huella. Algunos espectadores pueden encontrarlo frustrante o incluso nihilista, mientras que otros lo interpretan como un poderoso comentario sobre el carácter cíclico del trauma y la dificultad de obtener justicia real en un mundo plagado de desigualdades.
El reparto secundario también está a la altura, con destacadas interpretaciones de Bo Burnham, Alison Brie y Clancy Brown. En particular, Burnham aporta carisma y complejidad a su personaje, haciendo que su evolución sea uno de los aspectos más interesantes de la película.
El guion de Fennell es agudo y directo, tratando temas complejos con ingenio y perspicacia. Los diálogos son tanto mordaces como emotivos, reflejando esa mezcla de sátira y profundidad emocional que define la película. El comentario sobre las dinámicas de género y la cultura del silencio en torno a los abusos sexuales resulta urgente y oportuno, pero nunca moralizador. En cambio, la película presenta preguntas éticas que resuenan mucho después de que los créditos hayan terminado.
Una joven prometedora no busca consolar ni ofrecer una catarsis fácil. Es una película que exige atención, desafía las suposiciones y genera conversaciones necesarias. Con este debut provocador y valiente, Emerald Fennell se posiciona como una cineasta a seguir de cerca, mientras que la interpretación de Carey Mulligan es, sin duda, una de las mejores de su carrera. Es un film que deja huella, perturbador y conmovedor a partes iguales, y que invita a reflexionar sobre el peso del trauma y la importancia de la justicia en todas sus formas.
(ENGLISH) Emerald Fennell’s Promising Young Woman is a bold and provocative debut that subverts the conventions of the revenge thriller genre. It’s a film that explores themes of trauma, complicity, and justice in a way that feels fresh, unsettling, and deeply relevant in today’s cultural climate. Blending elements of dark comedy, thriller, and social commentary, Fennell crafts a story that refuses to be easily categorized — or forgotten.
The film follows Cassie (Carey Mulligan), a woman haunted by a tragedy from her past who has abandoned her promising medical career and now leads a secret double life. By day, she works at a coffee shop. By night, she frequents bars, pretending to be intoxicated in order to expose men who take advantage of vulnerable women. Her mission? To hold people accountable for their actions and force society to confront its own complicity in a culture that too often excuses or ignores sexual misconduct.
Carey Mulligan delivers a powerhouse performance, navigating the emotional complexity of Cassie with precision and nuance. She portrays the character as a deeply wounded yet fiercely determined woman who has weaponized her grief. Mulligan’s portrayal balances vulnerability and strength, making Cassie both sympathetic and, at times, terrifying in her resolve.
The film’s visual style is striking. Fennell uses bright, candy-colored aesthetics to contrast the darkness of the story, creating a world that feels deceptively light and playful. The soundtrack, filled with pop songs that take on new meaning within the context of the film, adds another layer of irony to the narrative. These choices underscore the film’s subversive nature — it looks and sounds like a rom-com, but its message is far from comforting.
What sets Promising Young Woman apart from other revenge thrillers is its refusal to follow a predictable path. The film’s twists and turns keep the audience guessing, and its tone shifts from darkly comedic to deeply tragic in a way that mirrors the protagonist’s emotional journey. Fennell is not interested in offering easy answers or satisfying resolutions; instead, she forces viewers to grapple with uncomfortable truths about accountability, forgiveness, and the limits of justice.
One of the film’s most debated aspects is its ending, which has sparked divided opinions. Without revealing spoilers, it’s a conclusion that challenges expectations and leaves a lasting impression. Some may find it frustrating or nihilistic, while others see it as a powerful statement on the cyclical nature of trauma and the difficulty of achieving true justice.
The supporting cast, including Bo Burnham, Alison Brie, and Clancy Brown, also deserves praise for their nuanced performances. Burnham, in particular, brings charm and complexity to his role, making his character’s arc one of the film’s most compelling elements.
Fennell’s screenplay is sharp and unflinching, tackling serious issues with wit and insight. The dialogue is both biting and poignant, reflecting the film’s blend of satire and emotional depth. The film’s commentary on gender dynamics and the pervasive culture of silence around sexual assault feels timely and urgent, yet it never comes across as preachy or didactic. Instead, it presents a series of moral questions that linger long after the credits roll.
Promising Young Woman is not a film that seeks to comfort or offer catharsis. It’s a story that demands attention, challenges assumptions, and sparks conversations. Emerald Fennell has crafted a provocative and fearless debut that marks her as a filmmaker to watch, and Carey Mulligan’s performance is nothing short of exceptional. It’s a film that stays with you, leaving an emotional impact that’s as haunting as it is thought-provoking.

**_"Scream"_: Una recuela mas brutal y sangrienta.**
"Siempre es alguien que conoces". Esa es la frase con la que se presenta Scream, estrenada el 13 de Enero del presente año. Scream no tiene numeración, pero cronológicamente corresponde a la quinta entrega de esta saga iniciada en 1996. La ausencia de numeración puede indicar una suerte de reinicio, o también una saga dentro de la franquicia, como lo son las distintas realidades dentro del universo Halloween (Saga original, Saga H20, Saga H40, Reboot). Esto dado que la cinta perfectamente puede ser la secuela directa de la primera entrega, de ahí su denominación como "recuela". Por cierto, no hará falta ver la 2, 3 y 4 para comprender esta historia de 2022, sin embargo sugiero verlas todas y en orden. Lo anterior resulta importante porque marca una dirección hacia donde podría dirigirse la franquicia.
**El pasado vuelve al presente.**
Tara Carpenter (Jenna Ortega), recibe un llamado en su casa en Woodsboro. Ghostface, tras el teléfono, una vez mas pregunta ¿Cuál es tu película de terror favorita? En un claro guiño a la conversación de la primera entrega con Casey. Y le propone a Tara un juego de pregunta/respuesta que podría salir peor de lo que espera. La franquicia Scream pretende satirizar con el metacine, esta suerte de películas dentro de otras películas, y lo hace como ninguna otra, porque esta misma ironía del género del terror es lo que le brinda un equilibrio y su esencia.
En Woodsboro, 25 años después de los hechos ocurridos en Scream 1996, parece todo ir de maravilla. Ya conocemos a Tara y pronto conoceremos a Sam (Melissa Barrera), su hermana. Es la historia de estas hermanas el tronco central de la obra y donde gira la mayor parte de los momentos más brutales de la cinta.
**El carisma como pieza clave.**
Además de las hermanas, también conoceremos a un grupo de adolescentes muy carismáticos y alegres, quienes pronto se ven, sin que sepan el porqué, dentro de la nueva ola de asesinatos que arrasa con la tranquilidad del pueblo y que promete traer el pasado al presente. Entre ellos están Wes (Dylan Minnete), Amber (Mickey Madison), Chad (Masón Gooding), Mindy (Jasmin Brown) y Liv (Sonia Ammar). Todos ellos se unirán en la búsqueda de el o de los asesinos.
**Un trio de antología.**
Sidney Presscot, que se encuentra fuera de la ciudad, es contactada por su amigo Dewey Riley, quien al saber de los nuevos asesinatos en el pueblo, la llama para alertarla y pedirle que no regrese. Además, Dewey esta separado ya de su ex esposa Gale Weathers, quien también esta en otra ciudad al inicio del film. No hace falta que les mencione las ganas que tienen ellos de acabar y descubrir la identidad de Ghostface, por lo que su reencuentro es pura emoción.
**Un Segundo y Tercer acto redondo.**
Las películas de horror muchas veces fracasan cuando deben hacer carne lo espiritual o cuando tienen que revelar los secretos o la identidad del asesino. Scream comprende muy bien como controlarlo y sabe ocupar los guiños, las pistas y las revelaciones, siendo principal merito de los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillet, quienes representan con maestría el legado de Wes Craven. En muchas escenas finales de la franquicia emergen pequeñas obras dramáticas cuando Sidney y sus amigos deben liquidar a quien se enconde tras la máscara. Y esta cinta no falla tampoco, las muertes son absolutamente más brutales y sádicas que las anteriores entregas. Los giros y la llegada al clímax, en la misma casa del pasado de Woodsboro, es sencillamente brillante. Otro acierto es que las actuaciones, fluidas y refrescantes, le otorgan un nuevo impulso al genero y, en particular, a esta franquicia.
En síntesis, Scream es la mejor secuela, sin desmerecer a las demás, pero muchas sagas fracasan porque no se renuevan, porque no prueban nuevos conceptos y repiten las mismas formas una y otra vez. Esta hace lo contrario, le agrega más terror, más brutalidad, mas juventud pero mantiene el alma de Wes y la sátira al género. La franquicia está en buenas manos, Matt y Tyler han hecho un trabajo formidable en la dirección y augura un muy buen futuro. Wes Craven puede descansar tranquilo.