(CASTELLANO) Hay veces que una película te deja con un sabor agridulce. Te atrapa por el tema, pero después te quedás pensando que se pudo haber hecho mucho mejor. Así me pasó con esta película.
La historia de la Colonia Dignidad es desagradable, tanto por lo increible como por lo espeluznante, pero la cinta se queda a medias. Quiere ser un drama histórico/político y, de repente, se convierte en un thriller de acción, sin encajar bien en ninguno de los dos. Emma Watson y Daniel Brühl hacen lo suyo, pero el guion se ve forzado. Watson interpreta a una protagonista decidida a rescatar a su pareja, pero a veces se nota que le falta llegar a que te creas al personaje; mientras tanto, Brühl transmite la sensación de estar muy atrapado, aunque los diálogos a veces se le quedan demasiado cortos.
Lo que más me molesta es que, a pesar de tratar un tema como este, el golpe de estado de Pinochet en Chile, la película no logra transmitir la verdadera gravedad de estos hechos. En lugar de entrar en el meollo de lo histórico y social, se decanta por el típico thriller con escenas de persecución que, aunque entretenidas, le quitan seriedad a todo el conjunto de la historia. Es como querer ser dos cosas y no llegar a ninguna.
Eso sí, debemos reconocer que la ambientación y la fotografía están bien. Crean un clima inquietante que te hace sentir lo opresivo y aterrador de la época, pero ni eso salva la sensación de que se queda solo en la superficie.
En definitiva, es una película interesante por el tema, pero en su intento por ser más comercial pierde mucha de la profundidad que podría haber tenido. No es mala, pero tampoco te marcará.
(ENGLISH) Sometimes a movie leaves you with a bittersweet feeling. It draws you in with its subject matter, but then you’re left thinking it could have been done so much better. That’s exactly how I felt with this film.
The story of Colonia Dignidad is disturbing—both unbelievable and horrifying—but the film falls short. It tries to be a historical/political drama and suddenly shifts into an action thriller, without fully committing to either. Emma Watson and Daniel Brühl do their part, but the script feels forced. Watson plays a determined protagonist on a mission to rescue her partner, but at times, she doesn’t quite sell the character. Meanwhile, Brühl effectively conveys a sense of entrapment, though his dialogue often feels too shallow.
What bothers me the most is that, despite dealing with such a heavy topic—the Pinochet coup in Chile—the film fails to convey the true gravity of these events. Instead of diving into the historical and social core, it leans into a conventional thriller with chase scenes that, while entertaining, take away from the seriousness of the story. It tries to be two things at once and ends up succeeding at neither.
That being said, the cinematography and set design are well executed. They create an eerie atmosphere that captures the oppressive and terrifying nature of the era, but even that isn’t enough to make up for how surface-level the film remains.
Ultimately, it’s an interesting movie because of its subject, but in its attempt to be more commercial, it loses much of the depth it could have had. It’s not bad, but it won’t leave a lasting impression either.

Yo, Frankestein es un film ridículo que se toma demasiado en serio para su propio bien.
La película comienza donde termina la famosa novela de Mary Shelley. Segundos después de que el monstruo enterrara a Victor Frankestein (su creador) un par de demonios aparecen en escena para tomarlo prisionero. A pesar de su fuerza sobre-humana, el monstruo solo logra salir vivo gracias a la ayuda de dos gárgolas, quienes lo lleva su guarida, le dan un nombre (¡Adam!), y lo ponen al día con lo que está ocurriendo: Los demonios son reales forman parte del ejército del Diablo. Dios también existe y las gárgolas son su ejército. De esta forma Adam queda atrapado en una batalla milenaria entre el bien y el mal que se termina extendiendo hasta nuestros días y donde los demonios buscan dar con el monstruo para poder llevar a cabo un plan que podría cambiar el curso de la guerra y, peor aún, acabar con la humanidad.
Enchúlame el monstruo
i-frankenstein-aaron-eckhart-1En lo personal, me gusta dejar pasar un par de días a la hora de escribir una crítica. Esto hace que, por lo menos en mi caso, las ideas se acomoden mejor en mi cabeza. Generalmente en puntaje no suele cambiar, pero con Yo, Frankestein ocurrió algo extraño: cada día que pasaba y recordaba algo específico de la película el puntaje bajaba más y más. Desde que salí de la sala tenía en claro que la película no me había gustado, pero rememorar en mi mente escenas y diálogos hizo que encuentre la verdadera razón detrás de esto. Yo, Frankestein es una película que parte de una premisa ridícula y a lo largo de su historia se las arregla para aplicarle una nueva e importante dosis de ridiculez que, desgraciada, es inintencionada.
Transportar a la creación de Victor Frankestein a nuestros días no es tarea fácil, y mucho menos es convertirlo en héroe de acción. El crédito de que nada saliera como lo esperado tranquilamente puede ser otorgado al director Stuart Beattie (quien también formó parte de la escritura del guión) y a los productores, que quisieron hacer con este film algo (demasiado) similar a la saga de Inframundo (de la cuales también son responsables).
Los problemas de Yo, Frankestein son muchos y todos por culpa guión, el cual ya dijimos que parte de una premisa bastante cuestionable y poco hace para desarrollarla de manera satisfactoria. Como si eso no fuera suficiente, los diálogos son verdaderamente horrendos y en muchos casos hasta risibles. El desarrollo de la historia es casi nulo, con Adam vagando por la ciudad, siendo capturado, liberándose, luchando y no mucho más que eso. En definitiva, la película se toma demasiado en serio a sí news_photo_43456_1379523734misma como para nosotros como espectadores podamos comenzar a disfrutarla. La trama pide a gritos dosis de humor para poder digerir con mayor facilidad las incoherencias y ridiculeces de la historia, pero eso nunca sucede…. Al menos no de manera voluntaria.
Quizás se hayan percatado del “error” que hay en el titulo. Si conocen la historia original de Mary Shelley, entonces sabrán que Frankestein es el apellido del científico y todos se refieren al monstruo como tal o como la criatura. Este “error” del título no es tan así, tiene una explicación… aunque luego de conocerla hubiéramos preferido que si se trate de un error. Si bien lo siguiente no arruina para nada la experiencia de la película, quienes quieran dejarse “sorprender” por esta explicación pueden NO leer lo siguiente: El monstruo de Frankestein, a quien las gárgolas renombran como Adam, tiene daddy-issues o problemas de padre ausente. Si bien esto pretende ser una parte crucial de la historia el desarrollo es casi nulo, pero durante los últimos segundos, antes de fundir a negro pero luego de Adam comprenda que si está vivo es gracias a su creador, por fin acepta su verdadera identidad y lanza el dialogo al que hace referencia el título: Yo, Frankestein.
Aaron Eckhart interpreta a la criatura más fachera y en mejor forma desde que tengo memoria, algo así como un súper-modelo dentro de la famosa galería de monstruos existentes en el mundo del cine. A pesar de tener 200 años de edad y estar construido con diferentes partes de diferentes cadáveres lleva un físico perfectamente marcado y con unas pocas cicatrices. Eckhart, en mi opinión, es un gran actor (basta con ver Gracias por Fumar) pero aquí pasa vergüenza. Es una verdadera lástima que su primer gran protagónico absoluto en una superproducción hollywoodense haya sido con este film. Al pobre de Eckhart lo acompaña Yvonne Strahovski (Hannah, de la finalizada serie Dexter) como la científica menos creíble de la historia del cine. Quizás quien adam-aaron-eckhart-and-terra-yvonne-strahovski-in-i-frankenstein-photo-credit-ben-kingmejor parado sale de todo este lio es el gran Bill Nighy (Realmente Amor, Cuestion de Tiempo), quien interpreta al villano del film y con sus pocas escenas le agrega algo de credibilidad a la historia.
Pero no todas son pálidas en Yo, Frankestein. Si bien en el plano artístico fracasa rotundamente, técnicamente es otra cosa. El diseño de producción a cargo de Michelle McGahey es un gran logro, ya que transformó las locaciones australianas en una hermosa metrópolis gótica. Las peleas están muy bien logradas y los efectos especiales, en su mayoría, son de primera línea. También vale la pena mencionar el buen uso que se le dio al formato 3D, ya que lograron una interesante profundidad de campo y las escenas en cámara lenta son, como diría un compañero de Alta Peli, un caramelo visual.
Conclusión
Aun esperando poco y nada de ella, Yo, Frankestein decepciona. La historia es verdaderamente ridícula y su ejecución aun peor. Ni siquiera talentos como Aaron Eckhart o Bill Nighy pueden salvarla. Aburrida e involuntariamente graciosa, lo mejor del film está en sus logros técnicos que lejos están de ser algo revolucionario para la industria.
- Mira mas en: http://altapeli.com/review-yo-frankestein/

(Español / English)
Lamentablemente un refrito antes que homenaje o relectura de varios clásicos del suspenso.
Sumario:
Wright hace un refrito de clásicos de Hitchcock, De Palma y Polanski, pero sólo los usa como cáscaras formales, no hace una relectura de ellos; no los trasciende, reinventa ni resignifica. Clasificar su película como homenaje, es usar un término que le queda grande.
Además, cuando la locura mete la cola para habilitar cualquier licencia narrativa y jugar con el punto de vista del relato y del espectador, un guion puede resentirse y poner en peligro el verosímil y la empatía con los personajes si no es sólido. Y eso es lo que lamentablemente ocurre en esta película.
Reseña
Anna Fox (Amy Adams) es una psicóloga infantil que vive recluida y medicada en una enorme casa de varios niveles en Manhattan. Lucha contra la depresión y no puede superar la agorafobia que la aqueja. Le gusta espiar a sus vecinos, en especial a una familia que se ha mudado recientemente al departamento de enfrente y con cuyos miembros comenzará a interactuar.
El director Joe Wright y su guionista se han propuesto hacer un refrito de varios clásicos del suspenso (de Hitchcock, De Palma y Polanski) e intentar combinarlos (la película, a su vez, se basa en un best seller). El modelo más directo (más allá del obvio que es La ventana indiscreta) por todos los tópicos que combina es una película de Brian de Palma que no revelaré. Pero mientras éste reinventa aquello que de algún modo cita en esa película (dos clásicos de Hitchcock), Wright se queda en la superficie de cada uno de sus modelos ya que funcionan apenas como cáscaras o recursos formales y narrativos y no como relecturas. Clasificar La mujer en la ventana como un homenaje a esos clásicos, es usar un término que le queda grande.
Además, cuando la locura mete la cola para habilitar cualquier licencia narrativa y jugar con el punto de vista del relato y del espectador, un guion puede resentirse y poner en peligro el verosímil y la empatía con los personajes si no es sólido. En este caso el nudo narrativo consiste en que Fox (y nosotros con ella) es testigo de un crimen. Pero luego el relato nos hace dudar, desubicando nuestro punto de vista como espectadores. Esto no estaría mal si el guion fuese consistente y no se dedicara a ciertas maniobras de manipulación.
Por otro lado, hay algo de dinámica teatral en la historia, en la medida en que lentamente se van revelando aspectos de su protagonista que explican su presente y redondean su identidad. Digamos que la casa también es protagonista del relato y el director sabe utilizarla bien regalando además algunos bellos encuadres. La música de Danny Elfman por momentos es reminiscente de los clásicos que se están citando.
El solvente e impresionante elenco hace lo que puede y significativamente , uno de los mejores momentos de la película es uno muy tranquilo y natural que comparten Amy Adams y Julianne Moore (en el papel de su nueva vecina).
Unfortunately, a rehash rather than a tribute or rereading of several suspense classics.
Summary:
Wright does a rehash of classics by Hitchcock, De Palma and Polanski, but he only uses them as formal shells, he does not re-read them; he does not reinvent or resignify them. To classify it as a tribute is to use a term that is too big for it.
Also, when insanity creeps in to enable any narrative license and play with the point of view of the story and the viewer, a script can suffer and jeopardize credibility and empathy with the characters if it is not solid. And that is what unfortunately happens in this movie.
Review
Anna Fox (Amy Adams) is a child psychologist who lives secluded and medicated in a huge multi-level house in Manhattan. She struggles with depression and cannot overcome the agoraphobia that afflicts her. She likes spying on her neighbors, especially a family that has recently moved into the apartment across the street and whose members she will begin to interact with.
Director Joe Wright and his screenwriter have set out to rehash several suspense classics (by Hitchcock, De Palma and Polanski) and try to combine them (the film, in turn, is based on a best seller). The most direct model (beyond the obvious one that is Rear Window) for all the cites it combines is a Brian de Palma film that I will not reveal. But while he reinvents what he somehow cites in that film (two Hitchcock classics), Wright remains on the surface of each of his models since they function only as shells or formal and narrative resources and not as re-readings. To classify The Woman in the Window as a tribute to those classics is to use a term that is too big for it.
Also, when insanity creeps in to enable any narrative license and play with the point of view of the story and the viewer, a script can suffer and jeopardize credibility and empathy with the characters if it is not solid. In this case, the narrative knot is that Fox (and we with her) is a witness to a crime. But then the story makes us doubt, misplacing our point of view as spectators. This would not be bad if the script was consistent and did not engage in certain manipulation maneuvers.
On the other hand, there is some theatrical dynamics in the story, to the extent that aspects of its protagonist are slowly revealed that explain her present and round out her identity. Let's say that the house is also the protagonist of the story and the director knows how to use it well, also giving away some beautiful frames. Danny Elfman's music is at times reminiscent of the classics that are being quoted.
The solvent and impressive cast does what they can and significantly, one of the best moments of the film is a very calm and natural one shared by Amy Adams and Julianne Moore (in the role of her new neighbor).

Una buena película sobre el tema vampirismo, pero vista desde otra perspectiva bastante fresca, no se en su momento por que fue tan criticada para mal...

(CASTELLANO) Octopussy ofrece lo que se espera de una película de James Bond: acción trepidante, chicas deslumbrantes y gadgets ingeniosos. Sin embargo, el paso del tiempo es evidente, especialmente en un Roger Moore que ya no parece tan cómodo en las escenas más físicas, lo que resta algo de frescura a la película.
La trama, con su mezcla de espionaje internacional y villanos excéntricos, es entretenida pero carece de la chispa y la intriga que caracterizaron entregas anteriores. Aun así, la película brilla en sus secuencias de acción, destacando el espectacular trabajo aéreo en la escena de los pre-créditos y un clímax que mantiene la tensión hasta el final.
Si bien la narrativa puede resultar confusa en algunos momentos y el humor se siente algo forzado, Octopussy cumple su cometido como un pasatiempo ligero dentro de la saga Bond. No es la más memorable, pero sigue siendo una aventura disfrutable para los fans del género.
(ENGLISH) Octopussy delivers what you'd expect from a James Bond film: fast-paced action, stunning women, and clever gadgets. However, the passage of time is evident, especially with Roger Moore looking less comfortable in the more physical scenes, which takes away some of the film's freshness.
The plot, blending international espionage and eccentric villains, is entertaining but lacks the spark and intrigue of earlier installments. Still, the film shines in its action sequences, particularly the spectacular aerial stunts in the pre-credit scene and a climax that keeps the tension high until the end.
While the narrative can feel confusing at times and the humor seems somewhat forced, Octopussy fulfills its role as a light, enjoyable addition to the Bond saga. It's not the most memorable, but it remains a fun adventure for fans of the genre.

(CASTELLANO) Una entrega que intenta llevar la saga de James Bond a nuevas alturas, literalmente, pero que termina perdiendo el equilibrio entre el espectáculo y la narrativa. Moonraker destaca por su ambición visual y su apuesta por una aventura espacial que, si bien resultó innovadora en su tiempo, hoy puede sentirse desconectada del espíritu original del personaje creado por Ian Fleming.
La dirección artística de Ken Adam y los efectos especiales de Derek Meddings son los verdaderos protagonistas de esta película. Desde las impresionantes localizaciones hasta las secuencias espaciales, no cabe duda de que el diseño visual alcanza un nivel destacable. Sin embargo, el guion, aunque cumple con los elementos habituales de la franquicia, como los gadgets extravagantes y los villanos caricaturescos, no logra aportar el peso emocional o la intriga que caracterizó a las primeras entregas.
Roger Moore mantiene su estilo relajado y encantador como James Bond, pero su interpretación puede sentirse algo limitada en una trama que se inclina demasiado hacia lo absurdo. Los momentos humorísticos, aunque efectivos en algunos casos, tienden a restar credibilidad a la historia, especialmente cuando se enfrenta a enemigos tan extravagantes como Jaws, que regresa en un tono más caricaturesco.
A pesar de sus puntos débiles, la película logra entretener con sus secuencias de acción bien ejecutadas y su capacidad para mantener un ritmo ágil. Moonraker es, en esencia, una aventura visualmente impresionante, pero que sacrifica el alma de Bond en favor de un espectáculo desmedido. Ideal para quienes busquen una experiencia ligera y sin pretensiones, pero puede no satisfacer a los fans que añoran el enfoque más sobrio de las primeras entregas de la saga.
(ENGLISH) A Bond film that aims to take the franchise to new heights—literally—but ends up losing its balance between spectacle and storytelling. Moonraker stands out for its visual ambition and its bold venture into outer space, which, while innovative at the time, may now feel disconnected from the original spirit of Ian Fleming's creation.
The true stars of the film are Ken Adam's production design and Derek Meddings' special effects. From stunning locations to elaborate space sequences, the visual craftsmanship is undeniably impressive. However, the script, while including the series' trademark gadgets and over-the-top villains, lacks the emotional depth and intrigue that defined earlier entries.
Roger Moore delivers his usual charming and laid-back portrayal of James Bond, but his performance feels somewhat constrained by a story that leans too heavily into absurdity. The comedic moments, though occasionally effective, often undermine the film's credibility—especially when dealing with larger-than-life foes like Jaws, who returns in a more cartoonish role.
Despite its flaws, the film delivers entertainment through well-executed action sequences and a consistently brisk pace. Moonraker is, at its core, a visually dazzling adventure that sacrifices Bond's essence in favor of over-the-top spectacle. It’s a fun ride for those seeking a lighthearted experience, but it may not fully satisfy fans who prefer the more grounded tone of the franchise's earlier days.

(ESPAÑOL)
Con el característico estilo de las películas de la saga Bond, esta entrega nos sumerge nuevamente en un mundo de glamour, acción y villanos extravagantes. La dirección de Lewis Gilbert logra equilibrar los momentos de acción con los toques de humor, elementos distintivos del Bond de Roger Moore. La trama, aunque algo predecible en algunos aspectos, mantiene el interés gracias a un ritmo dinámico y a las locaciones exóticas que son, como siempre, un festín visual.
El desempeño de Roger Moore como James Bond alcanza aquí uno de sus puntos más altos. Su interpretación combina el carisma y la ironía que se espera del agente 007, consolidándolo en el rol tras un par de entregas previas algo irregulares. Barbara Bach se une al elenco como un personaje femenino que, aunque atractivo y elegante, carece de la profundidad necesaria para destacarse por completo. Sin embargo, su interacción con Moore aporta momentos memorables a la historia.
La banda sonora de Marvin Hamlisch merece una mención especial, destacándose como una de las más icónicas de la saga. La canción principal, "Nobody Does It Better", interpretada por Carly Simon, se convirtió en un clásico instantáneo y aporta un tono romántico que equilibra la intensidad de las escenas de acción. La dirección artística y los decorados, aunque no tan impresionantes como en otras entregas, cumplen con los estándares visuales de la franquicia.
El villano principal y su secuaz, un personaje de características exageradas, añaden el toque de fantasía que caracteriza a muchas de las películas de Bond. Sin embargo, algunos de los enfrentamientos se sienten más caricaturescos que tensos, restando algo de impacto a los momentos clave de la trama.
En conjunto, esta película es un ejemplo sólido de la era de Roger Moore como 007. Aunque no llega a ser la más destacada de la saga, contiene suficientes elementos entretenidos para satisfacer tanto a los fanáticos como a los espectadores casuales. La mezcla de acción, humor y estilo sigue siendo efectiva, incluso si algunos detalles narrativos no alcanzan el mismo nivel de excelencia.
(ENGLISH) With the signature style of the Bond saga, this installment once again immerses us in a world of glamour, action, and extravagant villains. Lewis Gilbert's direction balances action-packed sequences with the humor that defines Roger Moore's portrayal of 007. While the plot may feel predictable in some areas, it remains engaging thanks to its dynamic pacing and the exotic locations, which are as visually stunning as ever.
Roger Moore delivers one of his strongest performances as James Bond, blending charisma and wit in his third outing as the iconic agent. Barbara Bach joins the cast as a female lead who, while captivating and elegant, lacks the depth to fully stand out. However, her interactions with Moore create memorable moments that enhance the story.
Marvin Hamlisch's score deserves special mention, standing out as one of the franchise's most iconic soundtracks. The theme song, "Nobody Does It Better," performed by Carly Simon, became an instant classic, adding a romantic tone that complements the film's intense action scenes. While the production design and sets aren't as dazzling as in other entries, they uphold the high visual standards expected of the series.
The main villain and his henchman, a larger-than-life character, bring the fantastical elements that have become a hallmark of the Bond films. However, some of the confrontations lean more toward caricature than genuine tension, slightly diminishing the impact of key moments.
Overall, this film is a solid representation of Roger Moore's era as 007. While it may not rank as the saga's most outstanding entry, it offers enough entertainment to satisfy both die-hard fans and casual viewers. The mix of action, humor, and style remains effective, even if some narrative details fall short of brilliance.

"Ray" is a powerful and moving biopic that delves into the unexpected achievements and intimate struggles of one of America's most beloved artists, Ray Charles. The film, nominated for Best Picture and earning Jamie Foxx an acting Oscar, offers more than just a glimpse of Charles' biggest hits set against scenes from his life. The audience is given a deeper understanding of Charles' humble and tragic upbringing, his struggles with addiction and infidelity, and how his past shaped the rest of his life. Foxx's outstanding transformation into Charles is matched by the authentic performances of his co-stars, including Kerry Washington, Clifton Powell, and Regina King. The film is expertly crafted, keeping the audience engaged through the use of flashbacks, and offers a tribute to an imperfect but inspiring man who overcame the odds.
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"Ray" es una película biográfica poderosa y conmovedora que profundiza en los logros inesperados y las luchas íntimas de uno de los artistas más queridos de Estados Unidos, Ray Charles. La película, nominada a Mejor Película y que le valió a Jamie Foxx un Oscar a la interpretación, ofrece más que solo un vistazo de los mayores éxitos de Charles frente a escenas de su vida. La audiencia obtiene una comprensión más profunda de la crianza humilde y trágica de Charles, su lucha contra la adicción y la infidelidad, y cómo su pasado moldeó el resto de su vida. La extraordinaria transformación de Foxx en Charles se combina con las actuaciones auténticas de sus compañeros de reparto, incluidos Kerry Washington, Clifton Powell y Regina King. La película está diseñada por expertos, mantiene a la audiencia interesada mediante el uso de flashbacks y ofrece un tributo a un hombre imperfecto pero inspirador que superó las adversidades.

Hacia tiempo que no veia una buena película sobre sibmarinos, subgénero que siempre me ha fascinado por su mezcla de claustrofobia y agorafobia en las inmensidades oceanicas. Se le reconocen a este filme diversas innovaciones, como la importancia de los buzos de ataque, actividad que no conocia mas que de segundas referencias, y sobre todo el protagonismo del espectro acústico materializado en su personaje principal, como él mismo se define, como analizador de guerra acústica.
En su visión como filme de guerra mantiene las.líneas generales de este tipo de peliculas en la época en la que ha sido filmada, guerras yihadistas, desmembramiento de la URSs y la amenaza nuclear, pero no lo hace mal, incluso la ambientación en la Francia militarmente nuclearizada es interesante.
Para los amantes de los submarinos la consideraria imprescindible, pero no pasando mucho mas allá del entretenimiento, eso si, de calidad.

**¡No puedes perderte "Nosferatu" de 1922 dirigida por F. W. Murnau!** Esta película de vampiros es un clásico del cine de terror que sigue siendo una referencia en el género. ¡Descubre por qué esta obra maestra perdura en el tiempo!
La historia sigue a Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim), un joven agente inmobiliario que viaja a Transilvania para encontrarse con el misterioso Conde Orlok (Max Schreck), quien desea comprar una propiedad en Alemania. Hutter descubre que Orlok es en realidad un vampiro. Después de una serie de eventos terroríficos en el castillo de Orlok, el conde se dirige a Alemania, causando una plaga en su camino. La esposa de Hutter, Ellen (Greta Schröder), desempeña un papel crucial en la lucha final contra el vampiro.
Max Schreck como Conde Orlok,
Gustav von Wangenheim como Thomas Hutter,
Greta Schröder como Ellen Hutter,
Alexander Granach como Knock,
Georg H. Schnell como Harding,
Ruth Landshoff como Ruth.
**"Nosferatu" es aclamada por su capacidad para crear una atmósfera de terror a través de su cinematografía expresionista y el uso innovador de sombras y luz.** Max Schreck ofrece una actuación inolvidable como Conde Orlok, cuya apariencia monstruosa y movimientos espeluznantes establecen un nuevo estándar para los personajes de vampiros en el cine.
La película utiliza escenarios góticos y técnicas visuales pioneras para generar un sentimiento de inquietud y suspense. Las imágenes del conde Orlok emergiendo de su ataúd o ascendiendo por una escalera oscura son algunas de las más icónicas del cine de terror.
**"Nosferatu" (1922) es una obra maestra atemporal que continúa influenciando el género de terror.** La dirección de F. W. Murnau y la escalofriante actuación de Max Schreck crean una experiencia cinematográfica que sigue siendo tan perturbadora y fascinante como lo fue hace un siglo. Para cualquier amante del cine de terror, esta película es esencial.

#VistoEn2024 #EscapeRoomTournamentofChampions Muy interesante secuela, unida a la primera y muy entretenida. Haciéndote un recap de lo que ocurrió en la anterior y algunas cosas que serán importantes para más adelante en la película, enseguida se pone en marcha con el primer juego. Y es que la película tan solo dura 88 minutos, y no le hace falta más.
Diferentes juegos vistos a los de la primera, muy interesantes tanto sus soluciones como el juego en sí. Muy buenos efectos para ellos, sobre todo el juego del tren, con la electricidad. También se guarda varios giros y revelaciones.
Las actuaciones bien, los personajes heredados enseguida hacen buen equipo con los nuevos. Si tengo que ponerle un, pero, es que se pasa muy rápido. Además, su final, deja todo abierto para continuar, y deja con muchas ganas de más.
Muy entretenida y recomendable.
NOTA: ★★★½ (7/10)

The movie "Slender Man" is a poorly made horror film that fails to deliver on its potential. Despite the intriguing concept of the Slender Man legend, the movie is plagued by subpar performances, a terrible script, and clichéd storytelling. The visual effects are poorly done and the grey filter over every scene adds to the overall lack of atmosphere. Additionally, the removal of certain scenes due to the controversy surrounding the movie's release only served to further weaken the movie. Overall, "Slender Man" is considered one of the worst movies in recent years and is not worth watching.
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La película "Slender Man" es una película de terror mal hecha que no logra cumplir con su potencial. A pesar del intrigante concepto de la leyenda de Slender Man, la película está plagada de actuaciones deficientes, un guión terrible y una narración cliché. Los efectos visuales están mal hechos y el filtro gris sobre cada escena se suma a la falta general de atmósfera. Además, la eliminación de ciertas escenas debido a la controversia en torno al lanzamiento de la película solo sirvió para debilitar aún más la película. En general, "Slender Man" es considerada una de las peores películas de los últimos años y no vale la pena verla.

**Mucha clase tiene Mann**
Es fácil reconocer una película de Michael Mann gracias a ese tratamiento de la imagen tan meticuloso, la peculiaridad en los movimientos de cámara, el ritmo visual que aporta en todas sus secuencias, los efectos de sonido, la banda sonora y los silencios...
Y es precisamente este conjunto de factores tan elaborados el que otorga interés y mucha clase a un thriller que, en realidad, tiene un guión vulgar e intrascendente‪,‬ pero cuya narración acaba atrapando debido a ese cúmulo de virtudes cinematográficas.
Mann es un realizador extraordinario, e incluso sus obras menores nunca dejan indiferente a nadie porque‪,‬ al revisarlas‪,‬ da la sensación de haber experimentado aquello que está ocurriendo en la gran pantalla. Te sientes atrapado e involucrado en primera persona‪,‬ como en un juego, y sales del cine con cara de haber disfrutado de verdad.
Siempre me ha gustado Michael Mann, desde que creara la mítica serie ochentera _Corrupción en Miami_ que, por cierto, marcó tendencia y una forma de hacer series que hoy en día aún perdura‪.‬

(ESPAÑOL) El hombre de la pistola de oro es la novena película de la saga de James Bond y la segunda protagonizada por Roger Moore. Estrenada en 1974, sigue la misión del agente 007 para enfrentarse a Francisco Scaramanga, un asesino de élite que cobra un millón de dólares por cada trabajo y cuya pistola dorada se convierte en su sello distintivo. Aunque la película tiene algunos momentos memorables y ofrece una visión intrigante de la relación entre héroe y villano, adolece de un ritmo lento y una ejecución desigual que la sitúan en un nivel inferior dentro de la franquicia.
Roger Moore aporta a su interpretación de Bond un estilo más relajado y elegante, alejándose del tono más agresivo y rudo que Sean Connery imprimió al personaje. Sin embargo, esta versión de Bond puede parecer demasiado contenida en ciertos momentos, lo que disminuye la sensación de peligro o urgencia que debería impregnar la historia. A pesar de esto, Moore logra aportar el carisma necesario para mantener al espectador interesado en su misión, aunque su actuación carece de la intensidad que requiere el enfrentamiento con un villano tan formidable como Scaramanga.
Uno de los puntos fuertes de la película es la actuación de Christopher Lee como Scaramanga. El personaje está lejos de ser un villano extravagante o caricaturesco. Por el contrario, es un asesino frío y calculador, cuya presencia aporta una sensación de amenaza constante. La relación entre Bond y Scaramanga es uno de los aspectos más interesantes de la trama, ya que ambos personajes comparten similitudes que los convierten en dos caras de la misma moneda. Scaramanga no ve a Bond como un enemigo tradicional, sino como un rival digno, lo que añade una capa de profundidad a su enfrentamiento.
El guion plantea cuestiones interesantes sobre la moralidad y la naturaleza del trabajo de Bond, pero no las desarrolla con la profundidad necesaria. La película intenta explorar los paralelismos entre Bond y Scaramanga, pero estas ideas quedan en segundo plano frente a las escenas de acción y las situaciones más ligeras. A pesar de contar con una premisa interesante, el desarrollo de la trama se siente algo predecible y carece de giros sorprendentes que mantengan al espectador en vilo.
La película destaca por sus localizaciones exóticas, que incluyen escenarios en Tailandia, Hong Kong y Macao. Estos lugares aportan un toque de aventura y exotismo que es característico de las películas de Bond. La isla de Scaramanga, con sus paisajes impresionantes y su atmósfera aislada, se ha convertido en uno de los escenarios más icónicos de la franquicia. La fotografía captura la belleza y el peligro de estos lugares, contribuyendo a la atmósfera general de la película.
A pesar de estos aspectos positivos, El hombre de la pistola de oro se ve afectada por un ritmo desigual que dificulta la inmersión en la historia. Las escenas de acción están bien ejecutadas, pero la película pasa demasiado tiempo en diálogos y situaciones que no aportan mucho a la trama principal. Esto hace que algunas partes se sientan alargadas innecesariamente y que el interés del espectador decaiga en ciertos momentos.
Uno de los elementos más divisivos de la película es la inclusión del personaje del sheriff J.W. Pepper, quien ya había aparecido en Vive y deja morir. Su presencia como alivio cómico puede resultar divertida para algunos espectadores, pero también rompe el tono de la película y resta seriedad a la trama. Esta mezcla de humor y seriedad es una de las características distintivas del Bond de Moore, pero en esta entrega no termina de funcionar del todo.
En cuanto a los personajes femeninos, la película presenta a Britt Ekland como Mary Goodnight y a Maud Adams como Andrea Anders. Goodnight, una agente del MI6, tiene un papel más cómico y ligero, lo que contrasta con la seriedad de la misión de Bond. Aunque aporta un toque de frescura, su personaje carece de profundidad y no tiene un impacto significativo en la trama. Por otro lado, Andrea Anders tiene un papel más relevante en la historia, pero también se siente desaprovechada en términos narrativos.
La dirección de Guy Hamilton sigue la línea de sus trabajos anteriores en la saga, como Goldfinger y Diamantes para la eternidad. Sin embargo, en esta ocasión, su enfoque parece algo desgastado. La película carece del dinamismo y la frescura que caracterizaron sus entregas previas, y algunas decisiones estéticas no terminan de funcionar del todo. La música, compuesta por John Barry, cumple con su función, pero no destaca tanto como en otras entregas de la saga. La canción principal, interpretada por Lulu, es una de las más olvidables dentro de las bandas sonoras de James Bond.
En comparación con otras películas de la franquicia, El hombre de la pistola de oro ocupa un lugar intermedio. No alcanza el nivel de las mejores entregas, como Goldfinger o Casino Royale, pero tampoco es una de las peores. La película tiene algunos elementos interesantes, como la exploración de la dualidad entre Bond y Scaramanga, pero no logra desarrollarlos plenamente. En términos de ritmo y acción, carece del impacto que tuvieron entregas anteriores, y su tono más ligero puede no ser del agrado de todos los espectadores.
La recepción crítica de la película ha sido mixta desde su estreno. Algunos críticos la consideran una de las entregas más flojas de la saga, mientras que otros la ven como un clásico subestimado. Entre los aspectos más elogiados se encuentran la interpretación de Christopher Lee y la ambientación exótica, mientras que los puntos más criticados incluyen el ritmo desigual, el guion predecible y la falta de innovación en comparación con otras películas de Bond.
A pesar de sus defectos, El hombre de la pistola de oro sigue siendo una película entretenida para los fanáticos de James Bond y del cine de espionaje en general. Ofrece momentos memorables y una trama que, aunque no sorprende, mantiene cierto interés. La relación entre Bond y Scaramanga es uno de los aspectos más destacados, y la interpretación de Lee eleva la calidad de la película en varios momentos. Sin embargo, aquellos que busquen una película de Bond llena de adrenalina y acción constante pueden sentirse decepcionados.
En definitiva, El hombre de la pistola de oro es una entrega que tiene sus virtudes y sus defectos. Aunque no alcanza las alturas de las mejores películas de la saga, ofrece una visión interesante de la relación entre héroe y villano, y cuenta con algunos momentos icónicos que han perdurado en la memoria colectiva. Para los fanáticos de la franquicia, es un título que merece ser visto, aunque probablemente no figure entre sus favoritos.
(ENGLISH) The Man with the Golden Gun is the ninth installment in the James Bond saga and the second to star Roger Moore. Released in 1974, it follows agent 007’s mission to confront Francisco Scaramanga, an elite assassin who charges one million dollars per job, with his golden gun as his distinctive mark. Although the film features some memorable moments and presents an intriguing dynamic between hero and villain, it suffers from a slow pace and uneven execution, placing it among the weaker entries in the franchise.
Roger Moore brings a more relaxed and elegant style to his portrayal of Bond, distancing himself from Sean Connery’s rougher, more aggressive take on the character. However, this version of Bond can feel too restrained at times, which diminishes the sense of danger or urgency that should permeate the story. Despite this, Moore manages to inject enough charm to keep viewers engaged in his mission, although his performance lacks the intensity required for a confrontation with such a formidable villain as Scaramanga.
One of the film’s strengths is Christopher Lee’s performance as Scaramanga. The character is far from being a flamboyant or cartoonish villain. Instead, he is a cold, calculating assassin whose presence brings a constant sense of menace. The relationship between Bond and Scaramanga is one of the film’s most compelling aspects, as both characters share similarities that make them two sides of the same coin. Scaramanga doesn’t see Bond as a traditional enemy but rather as a worthy rival, adding depth to their conflict.
The script raises interesting questions about morality and the nature of Bond’s work but fails to explore them in depth. The film attempts to highlight the parallels between Bond and Scaramanga, but these ideas take a backseat to action scenes and lighter moments. Despite an intriguing premise, the plot feels somewhat predictable and lacks surprising twists to keep viewers on edge.
The film excels in showcasing exotic locations, including settings in Thailand, Hong Kong, and Macau. These places add an adventurous, exotic touch that is characteristic of Bond films. Scaramanga’s island, with its stunning landscapes and isolated atmosphere, has become one of the franchise’s most iconic settings. The cinematography captures the beauty and danger of these locations, contributing to the film’s overall atmosphere.
However, despite these positive aspects, The Man with the Golden Gun suffers from an uneven pace that makes it difficult to remain fully immersed in the story. The action scenes are well-executed, but the film spends too much time on dialogue and situations that don’t contribute much to the main plot. As a result, some parts feel unnecessarily prolonged, causing viewers to lose interest at times.
One divisive element of the film is the inclusion of Sheriff J.W. Pepper, who previously appeared in Live and Let Die. His presence as comic relief may entertain some viewers, but it disrupts the film’s tone and detracts from the seriousness of the plot. This mix of humor and seriousness is a distinctive feature of Moore’s Bond, but it doesn’t work entirely well in this installment.
Regarding female characters, the film introduces Britt Ekland as Mary Goodnight and Maud Adams as Andrea Anders. Goodnight, an MI6 agent, brings a more comedic and light-hearted element to the story, contrasting with Bond’s serious mission. While she adds freshness, her character lacks depth and doesn’t significantly impact the plot. On the other hand, Andrea Anders plays a more relevant role in the story, but her character also feels underutilized narratively.
Guy Hamilton’s direction follows the style of his previous works in the franchise, such as Goldfinger and Diamonds Are Forever. However, this time his approach seems somewhat worn-out. The film lacks the dynamism and freshness that characterized his earlier entries, and some aesthetic choices don’t fully work. The music, composed by John Barry, serves its purpose but doesn’t stand out as much as in other installments of the series. The theme song, performed by Lulu, is one of the more forgettable Bond soundtracks.
Compared to other films in the series, The Man with the Golden Gun occupies a middle ground. It doesn’t reach the level of the best entries, such as Goldfinger or Casino Royale, but it’s not among the worst either. The film has some interesting elements, like the exploration of the duality between Bond and Scaramanga, but it doesn’t fully develop them. In terms of pacing and action, it lacks the impact of previous installments, and its lighter tone may not appeal to all viewers.
Critical reception of the film has been mixed since its release. Some critics consider it one of the weaker entries in the saga, while others view it as an underrated classic. Among the most praised aspects are Christopher Lee’s performance and the exotic settings, while the most criticized points include the uneven pacing, predictable script, and lack of innovation compared to other Bond films.
Despite its flaws, The Man with the Golden Gun remains an entertaining film for fans of James Bond and spy cinema in general. It offers memorable moments and a plot that, while not surprising, holds some interest. The relationship between Bond and Scaramanga is one of the highlights, and Lee’s performance elevates the film’s quality in several scenes. However, those seeking a Bond film filled with adrenaline and constant action may be disappointed.
In conclusion, The Man with the Golden Gun has its strengths and weaknesses. While it doesn’t reach the heights of the best films in the saga, it provides an interesting take on the hero-villain relationship and features some iconic moments that have endured in collective memory. For franchise fans, it’s a title worth watching, though it’s unlikely to rank among their favorites.

(ESPAÑOL) "Vive y deja morir" es una película que, para muchos, marca un antes y un después en la saga de James Bond. Fue la primera vez que Roger Moore asumió el icónico rol del agente 007, y desde ese momento quedó claro que su interpretación aportaría un toque diferente al personaje. Si bien Sean Connery había establecido los cimientos del agente británico por excelencia, Moore trajo consigo una mezcla de elegancia, humor y distinción que definiría la franquicia durante los años siguientes.
La dirección de Guy Hamilton, quien ya había dirigido películas previas de la saga como "Goldfinger" y "Diamantes para la eternidad", es sólida, pero algunos han señalado que su trabajo carece del ritmo y entusiasmo que caracterizó a otras entregas. Sin embargo, hay que reconocer que "Vive y deja morir" ofrece una atmósfera única dentro de la serie, con un enfoque más exótico y un tono que mezcla acción, suspense y ciertos elementos sobrenaturales que la hacen memorable.
Uno de los puntos más destacados de la película es su banda sonora. La canción principal, "Live and Let Die" de Paul McCartney & Wings, es una de las más icónicas de la saga y sigue siendo un clásico indiscutible. Desde los primeros acordes, establece el tono de la película: energía, emoción y un toque de misterio. No es de extrañar que muchos fans de Bond la consideren una de las mejores canciones de apertura de toda la franquicia.
La trama de la película combina espionaje internacional con elementos de la cultura vudú y el tráfico de drogas. Esto le da un aire diferente a otras entregas, ya que mezcla el thriller de espías con un toque místico que añade un nivel de intriga adicional. A lo largo de la película, Bond se enfrenta a situaciones cada vez más inverosímiles, pero lo hace con la confianza y el ingenio característicos del personaje.
Uno de los aspectos más recordados de "Vive y deja morir" es la famosa escena de los cocodrilos, que sigue siendo una de las secuencias más impresionantes de la saga. Es una muestra del tipo de acción creativa y emocionante que los fans esperan de una película de Bond.
En cuanto al reparto, Jane Seymour brilla en su papel como Solitaire, uno de los personajes femeninos más interesantes de la saga. Su belleza y su interpretación aportan un aire de misterio y vulnerabilidad al personaje, lo que la convierte en una de las "chicas Bond" más memorables. Roger Moore, por su parte, demuestra desde su primera aparición que está a la altura del personaje. Su versión de Bond es más elegante y sofisticada, y su actuación es uno de los puntos fuertes del filme.
Uno de los elementos más destacados de la película es su ambientación en Nueva Orleans y el Caribe, lo que le da un toque exótico y diferente a otras entregas. El tema del vudú, que atraviesa toda la película, añade un nivel de misterio y peligro que la distingue de otras películas de Bond.
Otro punto a destacar es el villano, interpretado por Yaphet Kotto. Su presencia en pantalla es imponente, y su plan es uno de los más interesantes de la serie. Aunque no alcanza el nivel de otros villanos icónicos de Bond, aporta una amenaza creíble y memorable.
"Vive y deja morir" es una película que ofrece una combinación única de acción, suspense y elementos sobrenaturales. La interpretación de Roger Moore, la belleza de Jane Seymour, la espectacular banda sonora de Paul McCartney & Wings y las escenas memorables, como la de los cocodrilos, hacen que esta película sea una de las más recordadas de la saga. Aunque algunos aspectos no hayan envejecido bien, eso no le resta mérito como una de las películas más emblemáticas de James Bond.
En resumen, "Vive y deja morir" es una película que ofrece una combinación única de acción, suspense y elementos sobrenaturales. La interpretación de Roger Moore, la belleza de Jane Seymour, la espectacular banda sonora de Paul McCartney & Wings y las escenas memorables, como la de los cocodrilos, hacen que esta película sea una de las más recordadas de la saga. Es una entrega que captura la esencia de Bond mientras experimenta con nuevos elementos, logrando mantenerse relevante y entretenida a lo largo del tiempo.
(ENGLISH) "Live and Let Die" is a film that, for many, marks a turning point in the James Bond saga. It was the first time Roger Moore took on the iconic role of Agent 007, and from that moment, it became clear that his portrayal would bring a different touch to the character. While Sean Connery had laid the foundations of the quintessential British agent, Moore brought a blend of elegance, humor, and sophistication that would define the franchise for years to come.
The direction by Guy Hamilton, who had previously helmed Bond films like "Goldfinger" and "Diamonds Are Forever," is solid, though some have noted that his work lacks the pace and enthusiasm seen in other installments. However, it must be acknowledged that "Live and Let Die" offers a unique atmosphere within the series, with an exotic focus and a tone that mixes action, suspense, and certain supernatural elements that make it memorable.
One of the film’s standout features is its soundtrack. The title song, "Live and Let Die" by Paul McCartney & Wings, is one of the most iconic in the series and remains an undisputed classic. From the first chords, it sets the film's tone: energetic, exciting, and mysterious. It’s no wonder that many Bond fans consider it one of the best opening songs in the entire franchise.
The plot of the film combines international espionage with elements of voodoo culture and drug trafficking. This gives it a different vibe compared to other installments, blending the spy thriller genre with a mystical touch that adds an extra level of intrigue. Throughout the movie, Bond faces increasingly improbable situations, but he handles them with the confidence and wit characteristic of the character.
One of the most memorable aspects of "Live and Let Die" is the famous crocodile scene, which remains one of the most impressive sequences in the saga. It showcases the kind of creative and thrilling action that fans expect from a Bond film.
In terms of the cast, Jane Seymour shines in her role as Solitaire, one of the most interesting female characters in the series. Her beauty and performance add an air of mystery and vulnerability to the character, making her one of the most memorable "Bond girls." Roger Moore, for his part, proves from his first appearance that he is up to the role. His version of Bond is more elegant and sophisticated, and his performance is one of the film’s strengths.
One of the film’s standout elements is its setting in New Orleans and the Caribbean, giving it an exotic and distinctive touch compared to other Bond films. The voodoo theme, which runs throughout the movie, adds a layer of mystery and danger that sets it apart from other Bond adventures.
Another highlight is the villain, played by Yaphet Kotto. His on-screen presence is commanding, and his plan is one of the more interesting in the series. Although he may not reach the level of some of the iconic Bond villains, he provides a credible and memorable threat.
"Live and Let Die" offers a unique combination of action, suspense, and supernatural elements. The performances of Roger Moore, the beauty of Jane Seymour, the spectacular soundtrack by Paul McCartney & Wings, and memorable scenes like the crocodile sequence make this film one of the most memorable in the Bond saga. While some aspects may not have aged perfectly, that doesn’t detract from its merit as one of the most iconic James Bond films.
In summary, "Live and Let Die" captures the essence of Bond while experimenting with new elements, managing to remain relevant and entertaining over time. It’s a film that stands out in the series and offers fans a unique adventure with all the trademarks of a classic Bond film.

(CASTELLANO) Dentro del género slasher, hay películas que logran equilibrar el terror con una narrativa sólida, y luego están las que se limitan a mostrar sangre sin más. Terrifier se inscribe en la segunda categoría, apostando por el impacto visual extremo en lugar de construir una historia con propósito.
Art the Clown, el asesino protagonista, es sin duda un personaje inquietante en lo visual, pero la película no se molesta en darle una motivación, un trasfondo o siquiera una personalidad que vaya más allá de la violencia sin freno. Esto convierte la experiencia en un desfile de torturas y asesinatos grotescos, carentes de tensión real o desarrollo. No hay intención de generar miedo, solo asco, y su estructura repetitiva hace que su efecto se diluya rápidamente.
Si bien su estética homenajea a los slashers de los 80 y 90, su ejecución se siente vacía y sin alma. Su única intención parece ser provocar a la audiencia con una crudeza extrema, pero sin aportar nada al género. Quienes busquen algo más que litros de sangre y mutilaciones sin sentido probablemente encontrarán la película frustrante.
(ENGLISH) Within the slasher genre, some films manage to balance terror with solid storytelling, while others settle for mindless gore. Terrifier firmly belongs in the latter category, relying on extreme visual shock rather than crafting a meaningful narrative.
Art the Clown, the film’s central killer, is undeniably unsettling in appearance, but the movie makes no effort to provide him with motivation, a backstory, or even a personality beyond relentless violence. This results in a series of gruesome murders that lack real tension or buildup. The film doesn’t aim to create fear—it simply revels in shock value, and its repetitive structure quickly dulls any impact.
While its aesthetic pays homage to 80s and 90s slashers, its execution feels hollow and uninspired. The sole intention appears to be provoking audiences through excessive brutality without contributing anything to the genre. Those looking for more than an endless parade of blood and senseless killings will likely find the film frustrating.

Pelicula muy original de aventuras, para los peques y los no tan peques, entretenimiento asegurado.
Recomendada!!

¡Oh, Dios mío! ¡"13 Fantasmas" es como un paseo en montaña rusa emocional pero en forma de película de terror. ¡Es tan intensa que casi me caigo de mi silla varias veces! La trama es simplemente alucinante: este tipo hereda una mansión súper rara de su tío y resulta que está llena de fantasmas. Pero, espera, ¡no son solo fantasmas normales! Son 13 fantasmas con historias locas y pasados oscuros.
La forma en que están diseñados estos fantasmas es aterradora pero increíblemente genial. Cada uno tiene su propio estilo y personalidad, y algunos de ellos son tan espeluznantes que casi me tapo los ojos, ¡y eso que normalmente no me asusto fácilmente! La casa en sí misma es como un rompecabezas mortal, cambiando y moviéndose, y los efectos especiales son impresionantes.
Honestamente, nunca he visto algo así antes.
Claro, la película no es solo sustos. Tiene momentos de humor que te hacen reír incluso cuando estás en medio de un ataque de nervios. Y los personajes son tan reales que te importa lo que les sucede, incluso si sabes que están en un mundo lleno de fantasmas y cosas extrañas.
Lo que más me gustó es cómo la película te mantiene en el borde de tu asiento todo el tiempo. No hay un momento aburrido, y siempre hay algo sorprendente a la vuelta de la esquina. Si te gustan las películas de terror que te hacen saltar de tu asiento y gritar, definitivamente deberías ver "13 Fantasmas". Es una montaña rusa emocional que nunca olvidarás.

Unos hermanos ladrones intentan dejar a atrás a la policía de Los Ángeles después de secuestrar una ambulancia para escapar del robo de un banco.

Si dijese que es una mala pelicula estaría siendo benevolente. Es tediosa y sin un ápice de interés. Habrá quienes querrán ver algo más allá pero es que no hay por donde cogerla. Horrible.

La película es entretenida, muy cómica para estar clasificada en el genero de terror y drama, pero buena a fin de cuentas. Hace falta exigirle mas trabajo a Radcliffe, para que logre desligar su imagen de Harry Potter de sus otros personajes

He leido por ahí que o te encanta o la odias; pues bien, a mí ni me encanta ni la odio, o mas bien ambas cosas a la vez. Me encanta su bajo presupuesto y originalidad, a su vez que esas disertaciones sobre A hacia B impar. Me encanta ese toque cutre de montar una máquina en un guardamuebles y el ambiente de garaje de cerebritos. Me encanta que jueguen mas o menos en serio con cosas poco serias. Me encanta que en los títulos de crédito sólo aparezca un grupillo de amigos .... Pero odio no haber entendido prácticamente nada ;-(.

Dos jóvenes emprendedores de Laguna Beach, Ben (Aaron Johnson), un budista pacífico y caritativo, y su mejor amigo Chon (Taylor Kitsch), ex miembro de las fuerzas especiales (SEAL) de la Marina estadounidense y ex mercenario, han montado un lucrativo negocio casero: cultivar y vender una de las mejores marías que jamás se ha obtenido. También comparten un amor único con la extraordinaria y bella Ophelia (Blake Lively). Ambos llevan una vida idílica en este pueblecito del sur de California… hasta que se instala un cártel mexicano de Baja California y exige que el trío se asocie con ellos.
Pero la despiadada jefa del cártel (Salma Hayek) y su brutal matón Lado (Benicio Del Toro) no toman en cuenta la fuerza del vínculo que une a los tres amigos. Ben y Chon, con la ayuda que les proporciona a regañadientes un corrupto y escurridizo agente de la DEA (John Travolta), deciden librar una guerra imposible contra el cártel. Así empieza una serie de maniobras y estratagemas cada vez más salvajes en un enfrentamiento donde ambas partes se juegan mucho.

**El desencanto**
Es una pena que el talento no se herede con la misma facilidad que el apellido. Y lo digo porque todavía no he encontrado en Sofía Coppola una razón objetiva para compararla con su padre. Como diría aquel: _“No digo que lo mejores... Iguálamelo”_.
Quizás algunos piensen que el estilo minimalista y _naif_ de _Lost in Translation_ (2003) era el paradigma de una forma muy personal de hacer cine, pero yo soy de los que estaban seguros de que esa cinta insípida y aburrida era solo el principio de una carrera mediocre y pretenciosa, saturada de planos inútiles y basada en una estética que enseguida quiso hacer suya en detrimento de todo lo demás, especialmente del ritmo narrativo. El film se convirtió en un escaparate de intenciones y, película tras película, la realizadora ha malogrado todos los guiones que le han llegado a las manos.
Y, claro, lo ha vuelto a hacer con _La Seducción_. Cuando esta novela de Thomas Cullinan la descifró Donald Siegel en 1971 (_El Seductor_), los matices de producción, la fotografía, la tensión sexual, el morbo de los personajes, la banda sonora de Schifrin, y el propio Clint Eastwood al frente del reparto, bordaron un trabajo que ahora se antoja cursi y pedante en manos de la vástago del gran Francis Ford.
Decepciona mucho que esta realizadora soslaye el carácter sensual y perverso de la historia, que destroce la naturaleza sexual de las situaciones, y que al final solo le dé importancia a una fotografía infrailuminada y con presuntos contrastes artísticos.
Y es lamentable que eche a perder el caché de dos grandes actrices como la Kidman o la Dunst, que aquí parecen sendos monigotes al servicio de la vulgaridad cinematográfica.

En esta entrega de la saga del agente 007, Sean Connery vuelve a encarnar al icónico James Bond con su inigualable elegancia y carisma. La película mantiene el espíritu extravagante y lleno de acción que define a la franquicia, ofreciendo una historia de espionaje que combina intriga internacional, tecnología futurista y villanos memorables.
El guion, escrito por Roald Dahl, es uno de los puntos más destacados, logrando entrelazar una narrativa que se desarrolla en un escenario exótico y cautivador. Los detalles culturales y las imponentes localizaciones en Japón aportan un toque único a esta aventura, mientras que la trama se va desarrollando con un ritmo ágil y sin decaer.
La dirección de Lewis Gilbert asegura que la película mantenga su dinamismo, especialmente en las secuencias de acción, que incluyen combates en alta tecnología, peleas cuerpo a cuerpo y una espectacular base volcánica que se ha convertido en un ícono del cine de espías. El villano de turno, Ernst Stavro Blofeld, aporta una presencia amenazante que complementa perfectamente la historia, destacándose como uno de los antagonistas más intrigantes de la saga.
El diseño de producción es impresionante, especialmente en lo que respecta a los gadgets y escenarios, que elevan la experiencia visual. Aunque algunos elementos pueden parecer excesivos o extravagantes, eso forma parte del encanto de esta etapa de la franquicia.
En conjunto, es una película que equilibra su tono de diversión desvergonzada con momentos de gran intensidad, ofreciendo una experiencia entretenida y visualmente impactante, digna del legado de Bond.

Posiblemente la mejor película de boxeo que he visto, al menos en los últimos 10 años. Cuenta la historia de un boxeador profesional poco talentoso pero valiente que ve cómo él y su familia caen en la pobreza arrastrados por el tsunami de la Gran Depresión. Este entorno de miseria pero integridad permite eliminar los clásicos patriotismos del género, así como los habituales videoclips de entrenamiento, centrándose mas en presentarnos los estragos de la escasez y el desempleo.
Los combates sobre el ring son espectaculares, los combates para salir de la pobreza son entrañables (en el sentido de que mueven entrañas), y quizás el punto mas flaco del filme sea la historia de amor inmutable con su mujer, a la que se le reservó un papel claramente florero a pesar de la cantidad de minutos de pantalla que disfruta; ya lo dice Linda Kash (lo tuve que buscar en esta web), la mujer del entrenador, "... siempre esperamos que ellos lo resuelvan todo ...", ese es el papel de Zellweger en el filme.
Por cierto, me ayudó mucho el no conocer el final de la historia ... si alguien de vuestro entorno la ha visto e insiste en reventarosla, impedídselo.

Ambiente cultural, literatura, música; Jim Jarmusch nos regala una perla relajante para ver en compañía de gente interesante y poder comentar tras los títulos de crédito. Presenta ciudades tan dispares como Tánger o Detroit, siempre de noche, con personajes en los que su carácter vampírico es lo de menos, pero no así su larga vida y testimonio de alguno de los principales acontecimientos culturales desde el siglo XV. El filme sirve de crítica a nuestro modelo económico y tecnológico y denuncia la contaminación de nuestro entorno y nuestra sangre. Recomendable para mentes abiertas.

**¡Despierta, Zahler!**
Basarte en la estética de Clint Eastwood cuando quieres rodar un western no es mala idea, pero si solo centras el trabajo en esa premisa te olvidas de aportar ritmo narrativo y verosimilitud al guión.
Esta cinta no es que esté mal hecha, es que simplemente aburre. Y cuando el guión regala la oportunidad de lucirte con escenas _gore_ y casquería morbosa para homenajear al género, resulta que Zahler está durmiendo en su silla homónima.
Lástima, porque la idea de una peli del oeste de terror es buena y poco explotada, pero aquí se ha malogrado.

Bastante regular, se estas pensando sobre se vela ou non pódela saltar.

**El hilo de la monotonía**
Por alguna razón que aún no alcanzo a comprender se ha sobreestimado exageradamente una serie que no aportó absolutamente nada nuevo al panorama de la novela policial, ni al de las drogas, pero tampoco al de las bandas callejeras ni al de la corrupción política y/o policial.
¿Está bien hecha? Sí, por supuesto. Está bien montada, diría mejor porque, en verdad, es todo muy redundante y repetitivo. Los argumentos de la primera y segunda temporadas son calcados, contextualizados en otro ámbito de la depravación y el vicio, pero con una arquitectura narrativa idéntica. Por lo tanto, _The Wire_ no me ha parecido el paradigma de la originalidad, tal y como lo definen los supuestos expertos en la materia.
Las actuaciones son, además, bastante flojas. Que nadie me mal interprete: hay muchas estrellas reconocibles nacidas profesionalmente bajo el amparo de las productoras de pago por visión, pero aquí brillan más bien poco. Por no hablar del mediocre Dominic West, que hace exactamente lo mismo que en _The Affair_ (2014): lucir palmito y fornicar sin ton ni son, a tontas y a locas (ésas son siempre las más fáciles).
Así que, una vez vistas la primera y la segunda temporada, es casi una pura intuición lo que va a pasar en la tercera, y después en la cuarta, etc…
Demasiadas temporadas para una historia muy endeble en su conjunto, poco emocionante en general y apenas atrayente, aunque sí, a ratos interesante, lo reconozco, pero no para un sobresaliente tan aclamado por la mercadotecnia y el espectador sin criterio, abrumado éste quizás por la ingente cantidad de basura audiovisual lanzada sin piedad por todas las plataformas de moda.