"I'm more afraid of being nothing than i sm of being hurt"
Un joven piloto busca ganar la serie nascar enfrentando desafíos dentro y fuera de la pista.
Ochentera. Competitiva. Emocionante.
Una fuerte química entre Tom Cruise y Nicole Kidman. El clasico estilo y narración de los años 80. Tiene intensas escenas de acción, protagoziados por los autos y pilotos de carreras, pero la historia y narración deja bastante que desear.
Los peligros, desafíos y emoción del automovilismo.
La película donde se conocieron Nicole Kidman y Tom Cruise.
Me dio sueño.
¿A que le tienes miedo?
El control es una ilusión.
Técnica: 6.7
Expresión: 5.6
Efecto: 6.4
Experiencia: 5.4
Calificación: 6.0/10

Está chida 10/10

Es el segundo "docudrama" de Greengrass que veo, ya que, a pesar de que salió después, vi primero Capitán Phillips.
Ambas son del mismo estilo: un hecho real se presenta con los mínimos añadidos posibles. A diferencia de otras películas de catástrofes, no sabemos nada de los personajes, de sus historias, pasado, motivaciones o aspiraciones. Greengrass trata así de hacernos unos privilegiados espectadores de los hechos, tal y como los hubiésemos vivido si hubiéramos embarcado en el vuelo, o trabajado en la torre de control. No se da tampoco por supuesto un conocimiento de los hechos: los vemos desarrollarse ante nuestros ojos a través de la ignorancia de los personajes (de hecho, como debió suceder en realidad, nadie puede llegar a imaginar lo que está pasando: la crisis es tan grande que es prácticamente inconcebible para las personas que están viéndolo en el momento).
Esto quiere decir que la película no tiene ciertos elementos que se pueden encontrar en otras similares: no hay grandes discursos patrióticos o apelando al coraje, no hay ninguna persona que descubra el secreto, pero a la que nadie cree. Hay buenos y malos, y se puede sacar una conclusión moral de la película, pero no es presentada por el guión. Éste es totalmente aséptico, sin presentar de forma intencionada a ninguno de los bandos como malvado ni al otro como victima, aunque los haya.
Como entretenimiento, la película cumple con creces. La tensión comienza prácticamente con el primer plano de unos árabes rezando y no acaba hasta la magistral escena final.
Se pueden poner pocos peros a la película. Quizá el uso del lenguaje técnico aéreo resulte algo confuso, y el clímax final se hace esperar demasiado.
En cualquier caso, es una gran película que gustará a la gente que haya disfrutado "Capitán Phillips" (y al revés)
9/10

**Ex_Morgan**
La primera incursión en la gran pantalla del pequeño Scott no podía ser de otra forma, con la estética elegante de su padre Ridley, y también con su mecenazgo.
La cinta recuerda demasiado a _Ex_Machina_ (2015), pero es que incluso en las localizaciones tropicales, los efectos de la luz y la temperatura del color. Aunque menos atrevida, más conservadora, poco arriesgada.
Por lo tanto, el discípulo directo de uno de los grandes del cine de los 90, de momento no parece brillar por su originalidad, aunque desde luego muestra un incipiente talento cinematográfico y esa estética cuidada heredada de su padre.
La película es simple, previsible, y redunda de nuevo en el impacto negativo que supondría la integración de la inteligencia artificial en nuestra rutina humana. Es decir, en realidad pretende denunciar que los experimentos heterodoxos en el campo de la Ingeniaría Genética son más peligrosos que una piraña en un bidé. Lo que ocurre es que lo hace con un rigor tan sutil que, definitivamente, nos están vendiendo un _thriller_ comercial al uso más que una reflexión científica.

No es una obra maestra ni va a entrar en el panteón de los clásicos del cine. Pero es bella por su simplicidad. Un blanco y negro impecable y una cámara en todo momento bien ubicada (Los primeros planos brillan y abundan).
El contexto histórico se entiende aunque quizá podría dar más información para quien no supiera que sucedía en Irlanda del Norte en esa época.
Es una historia familiar. Un drama familiar.
Un pequeño destello.

**Maestría omnisciente**
Qué fácil parece todo cuando lo dirigen los Coen. Esta infravalorada comedia negra romántica está bordada. Es un claro homenaje a las "_screwball comedies_" de los tiempos dorados del cine norteamericano, y encima lleva lacrado el sello de uno de los mejores equipos de dirección del cine contemporáneo.
Es muy significativo el hecho de que los Coen escriben los guiones en función de los actores que previamente han escogido para interpretar los papeles. Eso permite otorgar a cada personaje un rol exclusivamente basado en sus posibilidades artísticas. Y todo encaja a la perfección, incluidas las estrafalarias sobre actuaciones.
Clooney lo borda, y la Zeta Jones está inigualable.

Liam Neeson protagoniza este thriller cargado de acción y dilemas morales, donde su presencia sólida y característica sostiene gran parte del peso de la trama. Acompañado por Guy Pearce, quien siempre aporta una elegancia sobria a sus papeles, la película busca ir más allá del típico relato de justicia personal para adentrarse en temas de corrupción y cuestionamientos éticos.
La dirección mantiene un ritmo fluido, aunque algo convencional, con secuencias de acción competentes pero sin grandes momentos memorables. Los personajes secundarios cumplen su función, aunque algunos podrían haber sido desarrollados con mayor profundidad.
La historia destaca más por el carisma de su reparto que por su guion, que a veces recurre a soluciones previsibles y clichés del género. Aun así, la película consigue mantener el interés de principio a fin.
En definitiva, un thriller entretenido que, aunque no sorprende, cumple con creces para quienes disfrutan de las interpretaciones de Neeson y Pearce.

Alfonso Cuarón nos mete en un coche con dos amigos y una fantasía sexual. Nos hace intimar con tres personajes sacados de lo mas profundo de tu ser (quieras o no, dentro de ti hay o hubo algo de cada uno de ellos). Una experiencia vital que marcará las vidas de los protagonistas y que te arrastrarán a sentir la libertad como brisa sobre las mejillas.
Las actuaciones tan naturales de los jovencísimos Diego Luna y Gael García Bernal hacen que vivamos una experiencia muy cercana a todo lo que pasa al otro lado de la pantalla.
Vive el momento como si fuese tu último dia en la Tierra. Vive tan intenso que huelas a libertad. Disfruta de los placeres del mundo por muy simples y pequeños que sean. Vive sin que importen las consecuencias. Consecuencias que en la vida real existen y como tal ese final.
Hoy estamos aquí. Mañana quien sabe...

Road movie a través de un México mucho mas realista del que se nos muestra habitualmente. La historia de este trio es interesante con buena labor actoral fundamentalmente de los dos chicos, que parecen realmente dos "cabezas locas". La chica esconde un secreto que se refleja en su actuación y del que no nos damos cuenta hasta el final.
Lo mejor, las imágenes de un México que sin dejar de mostrar una cara dura, aparece fascinante y poderosamente cautivador. Se me han despertado las ganas de viajar.

"You don't want to know me"
Un ex peleador de artes marciales, acepta un trabajo como guardia para escapar de la violencia.
Masculina. Entretenida. Bárbara.
Escenas de acción a lo bruto, con música rockera y personajes desechables. El gran debut de Connor McGregor cono actor, siendo bastante incómodo pero terninando por funciónar al final, y por supuesto Jake Giyllenhaal que levanta el 60% de la película. Magistrales dramatizaciones hollywodescas, llenas de explosiones y sentimiento epicos.
La ironía de la vida, la naturaleza, labviolencia humana, y un gran sin sentido.
Palomera, ideal para dominguear o ver junto una carne asada, te fascina con sus elementos narrativos, en especial la combinación de Jake y Connor, pero no tiene mayor impacto.
Me dormi 2 veces.
¿De que huyes?
El pasado nos persigue.
Técnica: 6.8
Expresión: 5.2
Efecto: 6.0
Experiencia: 6.9
Calificación: 6.2/10

excelente película

Yorgos Lanthimos en esta comedia atrae por la temática contemporánea y por las actuaciones. Si cuando vi Canino me preguntarían si Yorgos se volvería un director de culto o del mainstream jamás me imaginaría lo segundo. El diseño de producción fastuoso y espectacular hace que la película sea un poema visual, sobre todo por esos cambios de blanco y negro a color y los grandes angulares. Se encuentran muchas referencias al cine expresionista alemán y a pelis como las de Jean-Pierre Jeunet o los hermanos Quay.

**Una obra bizarra**
Mi temor es que la escasa calidad del cine contemporáneo comercial, aclamado por la crítica y los consumidores ávidos de efectos especiales y vacuidad, podría arrastrar a Poor Things al cajón de sastre de la intelectualidad cinematográfica. Es evidente que esta película no está dirigida a una mayoría iletrada ajena al concepto artístico del Séptimo Arte. La crisis intelectual en este ámbito acapara las carteleras de medio mundo, mientras grandes creadores como Yorgos Lanthimos luchan por redefinir el cine y regresarlo a una Edad de Oro ya olvidada.
No voy a escudriñar con detalle las particularidades cinematográficas porque tampoco quiero ir de listo, y porque el arte, el buen arte, ofrece perspectivas tan subjetivas que, simplemente, una pieza te llega al alma o no lo hace.
Lanthimos rubrica aquí la que quizás sea la mejor cinta de las últimas décadas. Es una obra maestra con un estilo propio, tan ajeno al que estamos acostumbrados últimamente, que da miedo hablar de ella. Y a la vez, emoción. Pero también tristeza, porque viendo Poor Things se da uno cuenta de hasta qué punto el cine de verdad ha muerto en manos de productores y directores que solo han buscado el beneficio comercial, soslayando cualquier vínculo con la inspiración, con la habilidad o con el oficio.
Poor Things es una oda a la belleza y a la armonía, al surrealismo, a la fábula y, por supuesto, al expresionismo y al temperamento. No hacen falta efectos especiales para rejuvenecer a un actor o para imprimirle una personalidad específica. Solo es necesario tener imaginación, inteligencia, inspiración, maestría… y un actor de verdad. En este caso, una actriz. Porque Emma Stone está insuperable. Solo recuerdo otro equipo de dirección moderno capaz de escribir papeles con tanto talento: los hermanos Coen.
Termino con una reflexión que no quiero sortear. Se ha hablado mucho acerca del carácter erótico y/o explícito de algunas escenas, pero en absoluto debería etiquetarse tan fácilmente, especialmente porque no existe una intención de incitar el deseo sexual del espectador mostrando un placer objetivo. En realidad, los desnudos y las escenas manifiestas solo expresan un tipo de inmadurez y decadencia muy lejos del morbo o de la excitación sexual. Este es un ejemplo más de la degradación artística y social, de la deriva ultra conservadora que nos consume y que concibe un desnudo o una expresión sexual como algo erótico, sin tener en cuenta el contexto de la narración.

_**NI TERROR NI FIDELIDAD**_
He nacido en una época difícil para ser fan o haber vivido ciertas experiencias (diría que la mayoría de ellas) las cuales ahora estoy experimentando desde el futuro de sus inicios que, en este caso, significa retraso. Cierta contradicción vivir así las cosas y esos dos términos: retraso y futuro. Y para una de las pocas que he vivido, como ésta, la serie de videojuegos, pues tenía un gran entusiasmo por ver el videojuego en la gran pantalla. Sin embargo, estoy viendo el parecido de la historia pero no la emoción que sentía de niño al ver cómo todos ellos corrían ansiosos de sangre hacía mis puertas de la sala de vigilancia.
Todo resulta una agonía agradable, pero olvidable, es decir, no como yo lo espero. Cuando pienso en Freddy, pienso en Jigsaw, y eso es lo que he esperado. Pero, por lo visto, el efecto comercial sale más rentable, y lo supuse, pero quise olvidarlo. Debería haber recordado cuando Michelle Jones dijo: "Si esperas decepcionarte nunca terminas decepcionado". Entonces, si reflexiono sobre Five Nights at Freddy’s desde la decepción no la veo para Halloween, pero sí para casi satisfacer a la generación. Eso no tiene porque ser malo, pero sí frustrante.
Su historia es soportable, pero no del todo cuando aparece Vanessa Monroe (Elizabeth Lali). No obstante no hablo de interpretaciones, sino del personaje, que no es un gran error pero es cómo ponerle los cuernos a lo esperado en mí persona. Ella crea confusión, sí, como el amante que te está escondiendo tu pareja. Lo mejor es Josh Hutcherson dando vida al vigilante, Mike Schmidt, de manera correcta y con una personalidad exuberante mientras que Matthew Lillard ocupa todo el terreno con su machacante final.
Parece ser que Emma Tammi no ha sabido llevar de la manera más satisfactoria y soluble la historia de la pizzería, creando una historia de gore tierno, que da más risa que miedo (solo hace falta fijarse en la relación de Abby con los peluchitos), mientras los verdaderos fans esperamos los sustos del Bunny de FNAF 4. Y lo más parecido a eso es la escena dónde vemos en acción a nuestros amigos. Me gustaría en un futuro que Emma me hiciera cerrar mi bocaza y así yo poder salir satisfecho del cine.
_**-RICHIE VALERO**_

Bien, sin ser mediocre.
Como persona que era conocedora del trasfondo de la historia y de dónde procedía el origen de la película, he de decir que Blumhouse ha sabido adaptar un videojuego que apenas tiene dinamismo de la mejor manera posible. Si bien no es una película perfecta, la cinta, aunque predecible, es entretenida. El problema reside en la poca tensión que se genera y no permite al espectador estar al margen de su asiento. Me explico.
La película se siente como una bomba que nunca termina de explotar. Los momentos de thriller o terror se ven edulcorados para permitir que la película sea apta para todos los públicos. Si ya de por sí la trama es predecible, deberían habernos regalado algo más.
En definitiva, "Five night's at Freddy's" es una película que no termina de cocerse.

Todo lo bueno que necesitábamos de Disney.
Después de una ingente desfachatez de películas de transición, Disney al fin se ha puesto las pilas y ha conseguido enamorarnos y atraparnos con una película que nos brinda de la magia clásica a la que estamos acostumbrados con cierto toque moderno.
Aunque la trama sea algo predecible, destaca sin duda la intención de la producción por querer centrarse en otros aspectos como son los guiños (de la cual está repletos) y una música envolvente que sigue los patrones clásicos de la franquicia. De hecho, creo que ese es el mayor potencial de la película y por la cual, muchos no están satisfechos.
Se han acostumbrado a una rapidez que olvidan que este es el mejor y mayor homenaje que Disney podría haber llevado a cabo en su centenario. Es todo un gusto poder cumplir sueños de ésta manera, y sin duda, con tanta emoción y pasión.

"El juego del asesino" es una película que combina acción y comedia negra, sustentada principalmente por la sólida actuación de Dave Bautista. Aunque presenta una premisa intrigante, su ejecución puede resultar predecible para algunos espectadores. Recomendada para quienes disfrutan de películas de acción ligeras con toques de humor.

Una premisa que muchos sentiremos especial
Skydance y su nueva etapa bajo el alero de Netflix nos proponen una tierna y atrevida propuesta de animación que si bien no es completamente redonda, es un agradable pasatiempo familiar con un mensaje bastante claro y emotivo para varios.
Dirigida por Vicky Jenson codirectora de Shrek, es la responsable de llevarnos en esta fantasía animada que tiene momentos bastante divertidos que se combinan a la perfección con el sentido de drama que esconde la película por detrás enfrentando una historia común en la cotidianidad, pero que muy pocas veces es explotada en la gran pantalla y aquí se la juegan por brindarnos esa experiencia adornada con una fantasía que genera empatía para grandes y pequeños de un tema tan común y cotidiano en la sociedad.
Ciertamente, la propuesta está bien trabajada y se hace un adorable pasatiempo que podrán disfrutar tanto los más pequeños como los más grandes, teniendo en consideración que es una película que va pensada para ambos públicos por su temática y su mensaje. Sin embargo, el recorrido no es del todo contundente, debido a que por momentos la película se atasca un tanto en querer enfatizar hacia donde nos lleva el mensaje final y ahí perdemos un poco de emoción sumada a que no todas sus canciones son efectivas lamentablemente.
En cuanto a la animación, Skydance es un estudio que siempre destaca y en esta ocasión lo vuelve a hacer con una propuesta llena de colores y criaturas que brillan en pantalla tal como lo hacen sus personajes principales con los cuales puedes empatizar y divertirte de manera auténtica. Es un mundo de fantasía y en eso el estudio no se limita en crear, colorear y hacer brillar toda su imaginación.
Vicky Jenson vuelve a firmar una divertida y buena película de animación para Netflix, aunque no tenga el mismo impacto que en Shrek, es una aventura que reunirá a toda la familia en una temática atrevida, llena de mensajes y momentos que valen la pena apreciar. Una propuesta para disfrutar en un género de animación en donde Netflix sigue dando la nota con sus propuestas para su plataforma.

Patos (**Migration**), nos cuenta la historia de la familia Mallard que está pasando por una pequeña crisis. Mientras que el papá, Mack, se alegra de mantener a su familia a salvo nadando alrededor de su estanque de Nueva Inglaterra, la mamá, Pam, está ansiosa por cambiar las cosas y mostrarle el mundo entero a sus hijos: el adolescente, Dax, y la pequeña patita Gwen. Después de que una familia de patos migratorios llega a su estanque con emocionantes historias de lugares lejanos, Pam tratara de convencer a Mack para emprender un viaje familiar.
La pelicula comienza con los Mallard viviendo en una especie de cotidianidad, donde Mack trata de enseñarle a sus hijos a travez de historias, que el mundo puede ser un lugar peligroso y que es mejor permanecer en el estanque, pero llega un momento donde Mack decide embarcarse en un viaje familiar, para migrar hacia la tropical Jamaica como los demás patos migratorios, este vuelo hacia lo desconocido contara con unas divertidas y emplumadas vacaciones familiares.
Sin duda esta en una cinta divertida para finalizar este 2023, la historia es simple y no se complica o trata de profundizar, simplemente es una historia acerca de las aventuras que tendrán los Mallard conforme intentan llegar a jamaica, así irán conociendo a personajes extraños conforme a avanzan, todo esto acompañado en gran parte con diálogos divertidos la mayor parte del tiempo, sin embargo también tendremos momentos un poco inquietantes o tristes para complementar la historia, mientras aprenden más de lo que nunca imaginaron sobre los demás y sobre sí mismos.
Claro que hay un mensaje de reflexión con cada uno de los integrantes de la familia, el padre es algo aprensivo, la madre es inquieta y con aires de experimentar cosas nuevas, los hijos son aventureros que no temen tomar riesgos para conocer que hay más allá, todo esto nos trata de dar un aprendizaje para expandir los horizontes, conocer nuevos amigos y lograr más de lo que nunca creímos posible, o mostrarnos la vinculación y fortalecimiento familiar con una escena de vuelo sobre las nubes.
Illumination nos trae una cinta con efectos visuales casi impresionantes, acompañados de minuciosos detalles en sus texturas y formas, por ejemplo en el pelaje de los patos o cuando cortan una naranja a la mitad en cámara lenta; si bien es divertida a secas y por desgracia no tendremos personales destacables que puedan trascender como es el caso de otros personajes animados, logra su cometido de entretener, les recomiendo ver esta cinta en cartelera.
Calificación: 8.0
Nota por @SMasH_MXDF

Jaume Collet-Serra vuelve a demostrar su habilidad para crear un thriller dinámico y entretenido, con su característico estilo visual y su maestría para mantener al espectador enganchado. En esta ocasión, Taron Egerton lleva el peso de la trama con una interpretación sólida que equilibra vulnerabilidad y determinación, mientras que Jason Bateman se luce como un villano carismático, pero implacable.
La película toma elementos de clásicos del género y los envuelve en un contexto navideño que, aunque no es innovador, aporta una ambientación interesante que recuerda a grandes títulos del pasado. Las escenas de acción están bien coreografiadas y ejecutadas, especialmente una pelea dentro de un coche a toda velocidad que resulta especialmente impactante.
Aunque el guion no siempre mantiene el nivel de la dirección, y algunos giros pueden resultar inverosímiles, el ritmo de la narración y la energía de los protagonistas logran que estas cuestiones pasen a un segundo plano. Además, es imposible no notar la influencia de películas como "Die Hard 2", lo que añade un toque nostálgico que puede resonar con los amantes del género.
En resumen, se trata de una obra que, sin reinventar la rueda, cumple su propósito como un thriller de acción entretenido, lleno de adrenalina y momentos memorables, gracias al talento de su director y al excelente trabajo de su elenco principal.

_**NO HAY LIBERTAD SI NO ES PARA TODOS**_
Me parece vergonzoso que a día de hoy, 2023, siga habiendo faltas de respeto, maltratos, palizas, entre otras injusticias por ser tan solo homosexual, trans o cualquier otra orientación que no sea ser hetéro. Estas cosas suelo incluirlas también en otros tipos de injusticias como la de ser blanco o negro, hombre o mujer. Pero no entiendo ninguna, siempre me hago la misma pregunta, ¿Cómo podemos crear desigualdades o cualquier injusticia hacía todo lo demás que no piensa igual que nosotros o que “no son lo mismo”? ¿Por qué un judío se merecía la muerte según los nazis? Sé la respuesta pero no me pregunto eso, me pregunto cómo podían ser capaces de pensar eso, y muchas otras preguntas; ¿Por qué un gay no tiene derecho a ciertas cosas? ¿Por qué hay tanto hombres cómo mujeres que odian su género opuesto? ¿Por qué hay hombres que pegan a mujeres? ¿Por qué tenemos que tratar a los extranjeros cómo inútiles, perros callejeros o como la mierda y ser racistas?
Alejandro Marin, conocido por otros proyectos cómo “Maricón Perdido” (2021) o “La hija de alguno” (2019), y este film “Te estoy amando locamente” con actores y actrices brillantes; Ana Wagener, Omar Banana, Alba Flores, Manuel Morón, Alex de la Croix que cada vez me divierte más, sin duda ha hecho una película llamativa para despertar conciencias.
Este film tiene una autenticidad devastadora, nos presenta a un chico gay que sería abogado pero él prefiere ser un artista revolucionario, tiene a su madre que no acepta cómo él es por presión social, pero ya sabemos que la época no ayudaba y, lo encarcelan, y aquí viene lo bueno, cuando te dan ese grito de esperanza que se intenta cada año en el mundo, alguien, un grupo que ayude a esta gente atrapada por la población tradicional e ignorante. Personajes que evolucionan cómo Reme (Ana Wagener) necesitamos para convertir este movimiento de lo más normal en una normalidad absoluta. Miguel (Omar Banana), chiquillos que salgan a la luz y que nada les pare para ser quienes quieren ser aunque sean homosexuales, que más dará. Y no olvidemos al grupo de Lole (Alba Flores), que desde el principio y mucho antes que Miguel llevan luchando por este movimiento que no se debería de luchar sino aceptar de una vez.
Esta película me demuestra valentía, esperanza y energía. Intentemos de una vez no machacarnos entre nosotros mismos y vivir la paz sin guerras políticas, culturales, o sociales.
_**RICARDO VALERO, JULIO 2023, ESPAÑA.**_

_**UN PODER MATERNO OSADO**_
Empodero ciertas fibras que me conmueven cuando conozco historias sobrenaturales, ciertamente terroríficas, pero eso no significa que sean del género de terror. En ellas hay mucho de lo que aprender, en ellas me siento reflexivo, condenado a la melancolía y la alegría al mismo tiempo. Y esta vez es con La Ermita, el segundo largometraje de Carlota, después del sorprendente debut con Cerdita (2022).
Y esta es de madres e hijas, y de fantasmas de por medio. Con una médium impostora, algo pomposa por su fama personal y su apariencia oscura. Todo esto ocurre en un pueblo vasco dónde celebran anualmente un aniversario histórico, por aquellos que en la época de la peste han estado encerrados en la ermita del dicho pueblo, por culpa de unos médicos con apariencia de hombres pájaro que durante el periodo vuelven al mundo y así las puertas se abren durante los días, y una vez acabado todo se cierran.
En todo esto, está Emma, interesada en este campo de peligrosidades, interesada en ser médium, para poder hablar con una niña, Usoa, que lleva siglos encerrada en esa ermita, también por proteger a su madre y no perder la comunicación con ella cuando muera. Pero Emma no será capaz de hacerlo por ella misma, por eso insistirá en la ayuda de Carol.
Estas historias me hacen abrir los ojos y no cerrarlos, no es tan fascinante como su debut, pero contiene sus propios puntos: interesantes y poderosos. Experimentamos en La Ermita el trauma de la despedida de una hija a su madre, la cual poco a poco va dejando la vida. Y aquí lo trata con el mejor poder, para mí, para aguantar esta injusticia: la fantasía, huir de la realidad. Que sin duda me hace experimentar ciertas emociones y empatizar.
Su guion y efectos especiales no son fascinantes, suman tanto como restan en la historia, y eso hace que a veces me sienta algo forzado y mirando la hora. Tampoco me machaca, porque me gusta ir despacio pero no siento un avance redondo en el filme. En una situación como la de Emma, en la que se tratan ciertos temas potentes, durante el avance va flojeando, aunque en su final coja fuerza y emoción, lo que hace que me preocupe incluso.
Belén Rueda, que interpreta un papel muy nuevo para ella, y Maia Zaitegi comparten una química que me ha hecho sonreír, y me ha sorprendido en parte por Maia, que es un encanto, y cojo mucho cariño al personaje, parece tan real. De toda la película, definitivamente, las elegiría a ellas dos.
_**-RICHIE VALERO**_

_**UN MISTERIO DESGARRADOR**_
No conozco nada de ella, tampoco viví esa época, los 70. Soy muy débil en ese territorio y me falta conocer muchas cosas de esa terrible –todavía– época. Entonces, vengo a conocer esta agonizante historia sobre el último día de Sandra Mozarowsky, plasmada en la pantalla por Borja de la Vega (él mismo avisa de que no es una biografía, sino un homenaje). Y me sabe muy mal haberla conocido por su inesperada muerte (el 14 de Septiembre, agonizando en el hospital por su sospechosa caída desde varios pisos) en vez de haber sabido de ella por sus películas. El caso de esta actriz, que solo llegó a los 18/19 años, está lleno de especulaciones y leyendas urbanas.
Y aunque todo parecía ir bien, poco a poco, ese día va empeorando. Borja reconstruye –imagino que desde todos esos rumores– su último día y noche. Todo ocurre dentro, en la casa de Sandra (su madre ya no está desde hace larguísimas horas). Y quiere dejar de actuar porque está harta de que solo quieran sus interpretaciones por su físico. Además está embarazada, y quiere tenerlo. Pero ese alguien misterioso, que resulta ser el padre, tiene mucho poder. Y manda a gente para intimidarla y que aborte. Todo lo que veremos será los cambios de humor de Sandra y lo que le ocurre por la noche: bebiendo, durmiendo, viendo una película… Todo con cierto suspense –que me dió más miedo que las propias películas del género de sustos–.
Salgo de la sala contento y destrozado, pero agradecido de ver una historia inverosímil pero entendible. La última noche de Sandra M. es un notable por todo lo que crea, pero sobre todo gracias a la magnífica interpretación de Claudia Traisac y el ambiente tan tenso que me deja adentrarme en la historia inquietándome constantemente. No obstante, esa parte, ese final, sobrepasa un poco más a la capa de lo psicodélico y lo fantástico. Bien, pues aunque haya estado bien utilizado y me suene más estresante y quizá hasta emotivo, no llega a entusiasmarme del todo, pero es una buena carta más o menos bien aprovechada.
Esta película la clasifico “de culto”. Es sensible, emotiva y sabia. Simplemente, Borja de la Vega nos pregunta todas esas incógnitas que no tienen respuesta porque no hay evidencias de nada. Sufro y lloro por ella y por su tragedia. Ojalá haberla conocido antes y que su destino hubiera sido digno de lo que se merecía: un camino glorioso y respetado.
_**-RICHIE VALERO**_

**Ferviente inmoralidad**
Notable comedia negra con claras reminiscencias _buñuelianas_ en la que Arturo de Córdova interpreta un papel únicamente comparable al inquietante pero estupendo drama gótico _Él_ de 1952 firmado, esa vez sí, por el gran referente del cine azteca.
Es irrefutable la huella que Buñuel dejó en los grandes cineastas mejicanos de la época, y en esta cinta, su director Rogelio González, transmite humor negro, terror y desasosiego con gran efectividad e inteligentes metáforas anti-censura.
Estupendo ritmo narrativo con elaborados planos y movimientos de cámara que subliman una historia basada en las obsesiones procedentes del puritanismo y las mentiras derivadas de la devoción religiosa enfermiza y destructiva.
Y, al igual que el propio Buñuel, se hace uso de la parodia ácida para caricaturizar a la iglesia y a sus representantes terrenales. No te pierdas el inesperado y divertidísimo final con moraleja incluida.

(CASTELLANO) The Guardian no reinventa la rueda, pero engancha. La historia trata sobre Ben Randall, que trabaja en la Guardia Costera. Lo interpreta Kevin Costner. Tras una desgracia que le cambia la vida, decide convertirse en mentor de nuevos cadetes, enfrentándose a sus propios fantasmas y a la tarea de transmitir su sabiduría. Entre ellos está Jake Fischer, un joven egocéntrico que intenta demostrar su valía mientras arrastra su propio pasado. La conexión entre los dos actores lleva gran parte del peso de la película, pero a veces se siente predecible.
Lo que realmente destaca son las escenas de rescate. Están rodadas con tensión y realismo, haciendo que uno sienta la inmensidad del mar y el peligro constante. Sin embargo, cuando la película se centra en las relaciones personales y el drama fuera del agua, cae en lugares comunes. La típica dinámica entre el mentor experimentado y el aprendiz rebelde ya se ha visto en muchas otras historias, y aquí no aporta nada nuevo.
A pesar de esto, la película consigue emocionar en ciertos momentos. El mensaje sobre el sacrificio y el espíritu de equipo está bien logrado, y aunque el guion no siempre brille, The Guardian cumple como un homenaje digno a los hombres y mujeres de la Guardia Costera. No es inolvidable, pero ofrece un entretenimiento sólido para quienes disfrutan de historias de superación y acción marítima.
(ENGLISH) The Guardian doesn’t reinvent the wheel, but it pulls you in. The story follows Ben Randall, a Coast Guard rescue swimmer played by Kevin Costner. After a life-changing tragedy, he decides to become a mentor to new cadets, confronting his own demons while trying to pass on his hard-earned knowledge. Among these recruits is Jake Fischer, an arrogant young man trying to prove himself while dealing with his own past. The connection between the two actors carries much of the film, though at times it feels predictable.
What really stands out are the rescue scenes. They’re shot with tension and realism, making you feel the vastness of the sea and the constant danger. However, when the film shifts focus to personal relationships and the drama on land, it falls into familiar territory. The classic dynamic of the seasoned mentor and the rebellious trainee has been done many times before, and here it doesn’t bring anything fresh.
Despite this, the film manages to deliver some emotional moments. The message about sacrifice and teamwork comes through well, and even though the script doesn’t always shine, The Guardian serves as a respectful tribute to the men and women of the Coast Guard. It’s not unforgettable, but it offers solid entertainment for those who enjoy stories of perseverance and maritime action.

Smallfoot is an animated film produced by Warner Animation Group, which tells the story of Migo, a Yeti whose world is turned upside down when he encounters a mythical "smallfoot," or a human. The film is based on a book by Spanish animator Sergio Pablos and is aimed at children. The animation is bright and cheerful, and the tone is light-hearted, but the film lacks originality and visual distinction. The plot is similar to other family-friendly films, and the animation is reminiscent of other movies produced by Illumination. The cast includes Channing Tatum, James Corden, Danny DeVito, Zendaya and Patricia Heaton, and LeBron James. The film is a lighthearted distraction for children and encourages them to be more inquisitive. However, it also contains a deeper message about the rejection of scriptural authority and questioning societal norms, and it ends with a heartfelt finale.
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Smallfoot es una película animada producida por Warner Animation Group, que cuenta la historia de Migo, un Yeti cuyo mundo se pone patas arriba cuando se encuentra con un mítico "pequeño pie" o humano. La película está basada en un libro del animador español Sergio Pablos y está dirigida a niños. La animación es brillante y alegre, y el tono es alegre, pero la película carece de originalidad y distinción visual. La trama es similar a la de otras películas para toda la familia y la animación recuerda a otras películas producidas por Illumination. El elenco incluye a Channing Tatum, James Corden, Danny DeVito, Zendaya y Patricia Heaton, y LeBron James. La película es una distracción alegre para los niños y los anima a ser más curiosos. Sin embargo, también contiene un mensaje más profundo sobre el rechazo de la autoridad bíblica y el cuestionamiento de las normas sociales, y termina con un final conmovedor.

Unfriended: Dark Web is the follow-up to 2014's Unfriended and tells the story of Matias, a man who finds a laptop without an owner and starts receiving strange messages from anonymous people. When the real owner of the laptop contacts Matias, he reveals that he is part of a dangerous cyber hacking group who are willing to kill to get their property back. Matias and his friends are drawn into a deadly game of cat-and-mouse as the group holds his deaf girlfriend, Amaya, as an unwitting hostage.
The movie explores the darker side of the internet, with the threat being rooted in the real world. The characters are confined to their own rooms, appearing on a group Skype call, which adds to the realism of the story. The performances are solid and the initial mystery element is strong, but the rushed and generic ending undermines the good work established in the movie. Although it's not entirely scary, the realism of the story can be unsettling. Overall, it's an improvement over the first Unfriended movie, but the final act falls short.
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Unfriended: Dark Web es la continuación de Unfriended de 2014 y cuenta la historia de Matías, un hombre que encuentra una computadora portátil sin dueño y comienza a recibir mensajes extraños de personas anónimas. Cuando el verdadero propietario de la computadora portátil contacta a Matías, le revela que es parte de un peligroso grupo de piratas cibernéticos que está dispuesto a matar para recuperar su propiedad. Matías y sus amigos se ven envueltos en un juego mortal del gato y el ratón mientras el grupo retiene a su novia sorda, Amaya, como rehén involuntario.
La película explora el lado más oscuro de Internet, con la amenaza arraigada en el mundo real. Los personajes están confinados en sus propias habitaciones y aparecen en una llamada grupal de Skype, lo que aumenta el realismo de la historia. Las actuaciones son sólidas y el elemento de misterio inicial es fuerte, pero el final apresurado y genérico socava el buen trabajo establecido en la película. Aunque no es del todo aterrador, el realismo de la historia puede ser inquietante. En general, es una mejora con respecto a la primera película de Unfriended, pero el acto final se queda corto.

Film típico de intriga y suspense, el que espere algo de acción que se olvide, donde un hombre investiga el asesinato de su hija y se da cuenta de que no es un simple crimen.
El largometraje empieza a un buen ritmo pero tras el paso de los minutos, pierde el ritmo y se vuelve soporífero e interminable, aunque en el tramo final recupera el ritmo y consigue no salir tan defraudado de la sala pero te quedas algo frío e indiferente. Una pena.
Lo más destacable de la película es la actuación de Mel Gibson, si bien no es el mejor papel de su vida y no creo que se le recuerde por esta cinta; no lo hace mal pero tras tanto tiempo sin actuar, se esperaba algo mejor de él como del film.
En fín, típica película de intriga, nada de acción, que os podeis esperar a ver en el videoclub o en la televisión.
NOTA: 4
LO MEJOR: Mel Gibson. La última parte de la película.
LO PEOR: Montaje lento.

Bien ambientada, la historia refleja la situación de un colectivo homosexual en los años 50/60 en EEUU donde dicho colectivo no existía como tal, pero empezaba a hacerse visible. El filme limita esa visión a una culta clase media/alta. Personalmente, fuera del interés estético e histórico, no me ha aportado gran cosa.

"The Square" is a 142-minute film that follows Swedish art curator Christian, played by Claes Bang, after his phone is stolen. This sets off a chain of events that threatens to unravel his self-absorbed world. The film also stars Elisabeth Moss and Dominic West and is directed by Ruben Östlund. It is a savage satire that explores the art world and is both hilarious and thought-provoking. The film challenges viewers' assumptions and is similar to the film "Kynodontas" in its ability to make the audience question their understanding of the rules. It appears innocent on the surface but delves into chaos and farce, expertly puncturing the bubble of the art world and leaving a lasting impression on viewers.
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"The Square" es una película de 142 minutos que sigue al curador de arte sueco Christian, interpretado por Claes Bang, después de que le roben el teléfono. Esto desencadena una cadena de eventos que amenaza con desentrañar su mundo ensimismado. La película también está protagonizada por Elisabeth Moss y Dominic West y está dirigida por Ruben Östlund. Es una sátira salvaje que explora el mundo del arte y es a la vez hilarante y estimulante. La película desafía las suposiciones de los espectadores y es similar a la película "Kynodontas" en su capacidad para hacer que la audiencia cuestione su comprensión de las reglas. Parece inocente en la superficie, pero se adentra en el caos y la farsa, perforando hábilmente la burbuja del mundo del arte y dejando una impresión duradera en los espectadores.